Картины рокотова с названиями: Fedor Stepanovich Rokotov (1735 — 12.12.1808) — Biography, Interesting Facts, Famous Artworks

Содержание

Федор Рокотов: картины, портреты, биография

Портрет Петра III

Биография Рокотова

Федор Степанович Рокотов (1735, с. Воронцово, ныне в черте Москвы, — 12(24). 12.1808, Москва), русский живописец-портретист.


Сын крепостного. Федор Рокотов учился в петербургской АХ (с 1760). С 1762 адъюнкт АХ, с 1765 академик. Изучая исполненные в России произведения Л. Токке и П. Ротари, Фёдор Рокотов одним из первых русских живописцев уверенно овладел приёмами западноевропейского парадного портрета середины 18 в. (портрет Екатерины II, 1763, Третьяковская галерея и Русский музей, Ленинград). Вместе с тем безыскусственность, непосредственность образов, свойственные ранним погрудным портретам Рокотова (портрет И. Л. Голенищева-Кутузова, 1-я половина 1760-х гг., Русский музей), характеризуют его как продолжателя традиций русского портрета 1-й половины 18 в. В 1765 году Фёдор Рокотов переселился в Москву, где положил начало своеобразной «московской» ветви русского портретного искусства. Сблизившись с наиболее просвещёнными московскими семьями (Воронцовы, Струйские и др.), с представителями интеллигенции той поры, Рокотов нашёл круг людей с созвучным ему образом мыслей, проникся показательным для московского дворянства духом оппозиционности по отношению к петербургскому укладу жизни, с его показным блеском и суетностью. Единый круг персонажей предстаёт в портретах поэта В. И. Майкова (около 1765), А. И. Воронцова (конец 1760-х гг.), А. П. Струйской (1772), неизвестной в розовом платье (1770-е гг.), неизвестного в треуголке (1-я половина 1770-х гг.; все — в Третьяковской галерее). Особенно привлекали Федора Рокотова серьёзные юношеские лица. Они выступают на свет словно из глубокого мрака, исполненные поэтичности и проникнутые обаянием молодости, сквозящем в нежном цвете губ и румянце щёк, во влажном блеске глаз из-под тёмных полукружий бровей. Эмоциональное воздействие живописи Рокотова во многом зависит от всё преображающей силы света. Поток неяркого, но интенсивного света как бы утончает фигуры, часто не охватывая модель в целом, но лишь вызывая из темноты освещенную сторону лица и шеи, выдвинутое вперёд плечо; жидкие мазки белилами или розовой краской создают впечатление мерцания в полутьме кружев, драгоценностей или муаровых лент. В 1780-е гг. в портретах Рокотова среда, атмосфера словно проясняются. На смену манящей полумгле приходят более отчётливые красочные тона, объёмы становятся более определёнными (портреты: В. Е. Новосильцовой, 1780, Третьяковская галерея; супругов Суровцевых, 2-я половина 1780-х гг., Е. В. Санти, 1785; все три — в Русском музее). Портреты, чаще всего овальные по формату, становятся наряднее и импозантнее, а всегда увлекавший Рокотова идеал человеческого достоинства и красоты осознаётся теперь как свойственное модели чувство высокого, нередко чуть высокомерного, духовного превосходства над окружающим. В позднем творчестве Рокотова сказывается общий для русского искусства переход от утончённости рококо к ясности и строгости классицизма. Последние известные работы Фёдора Рокотова относятся к 1790-м гг.

Федор Степанович Рокотов принадлежит к числу удивительных портретистов восемнадцатого столетия. Редкий дар художника передавать «души изменчивой приметы», его неповторимое чувство цвета и виртуозное владение кистью были отмечены еще современниками и до сих пор продолжают пленять зрителей, приходящих в наши музеи и выставочные залы. Оригинальные, исполненные обаяния творения Рокотова нельзя спутать с произведениями других мастеров. Развивая традиции русского портрета, художник шел по пути усложнения и углубления образных характеристик. Он первым из русских портретистов достиг европейского уровня живописного мастерства.
В камерных рокотовских портретах запечатлены неповторимые черты просвещенных людей его времени, их внутренний мир, их сущность. Художник был знаком со многими видными деятелями науки и культуры: ученым-энциклопедистом М. В. Ломоносовым, гравером Е. П. Чемесовым, архитектором В. И. Баженовым, ему позировали «театра русского отец» А. П. Сумароков и поэт-сатирик В. И, Майков. Рокотов сумел воплотить идеал человека, сложившийся в передовой общественной среде и привлекающий своей духовной содержательностью. Открывая новые грани человеческих переживаний, творчество Рокотова в какой-то степени предвосхищало поиски мастеров последующего поколения, художников романтического направления.

Портрет великого князя Петра Федоровича. 1758

Портрет графа И.Г. Орлова. Между 1762 и 1765

Портрет Екатерины II. 1763

Портрет князя Д.М. Голицына. 1760-е

Портрет неизвестного. 1757

Портрет П.Н. Ланской. Начало 1790-х

Портрет П.И. Вырубова. Около 1768

Портрет неизвестной в темно-красном платье. 1760-е

Портрет неизвестной в голубом платье с желтой отделкой. 1760-е

Портрет неизвестного в треуголке. Начало 1770-х

Портрет неизвестного в зеленом кафтане. 1770-е

Портрет князя И.И. Барятинского. Начало 1780-х

Портрет княгини Е.Н. Орловой. Около 1779

Портрет графини Е.В. Санти, рожденной Лачиновой. 1785

Портрет графа И.И. Воронцова. Первая половина 1770-х

Портрет графа Г.Г. Орлова в латах. 1762-1763

Портрет графа А.И. Воронцова. Около 1765

Портрет великого князя Павла Петровича в детстве. 1761

Портрет В.Н. Суровцевой. Вторая половина 1780-х

Портрет В.Е. Новосильцевой. 1780

Портрет В.А. Обресковой. 1777

Портрет А.П. Сумарокова. Около 1777

Портрет А.П. Струйской. 1772

Портрет А.М. Римского-Корсакова. Конец 1760-х

Портрет А.М. Писаревой, рожденной Дурасовой. Первая половина 1790-х

 

 

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Фёдор Степанович Рокотов — биография и картины

Ты помнишь, как из тьмы былого,
Едва закутана в атлас,
С портрета Рокотова снова
Смотрела Струйская на нас?

   Эти строки написаны Николаем Заболоцким на портрет Струйской кисти Федора Степановича Рокотова. Во время создания шедевра он был уже сформировавшимся талантливым мастером со своим неповторимым и узнаваемым почерком. Но ранние годы его жизни скрыты туманом прошедших лет, так как точных документальных данных почти не сохранилось.

   Родился будущий художник в Воронцово — имении князей Репниных. Никаких сведений указывающих на его происхождение нет. Однако, есть предположения, что он учился в Сухопутном Шляхетском корпусе параллельно с обучением в Академии художеств. Он вышел в отставку, получив чин ротмистра, дававшего право на получение дворянства.

   Буквально с первых опытов в живописи мастер определился с направлением своего творчества — портретом. Первоначально его работы были достаточно простыми и ничем особенным не выделялись, но его будущее как великого портретиста было еще впереди.

   После окончания Академии он стал преподавать там же, а в 1763 году создал настолько удачный коронационный портрет императрицы Екатерины II, что по ее указу все последующие изображения должны были опираться на его произведение. Однако даже после получения звания академика у художника не было возможности продолжать деятельность портретиста, так как это запрещалось руководством Академии. Во многом из-за этого он был вынужден переехать в Москву.

   Московский период творчества живописца принес ему огромное количество заказов и невероятную популярность. Примерно за 30 мастер создал множество семейных портретов, в которых проявились основные черты творчества художника — повышенное внимание к чертам лица и характера персонажа, а не к антуражу.

   Есть предположение, что Рокотов входил в масонское братство и живо интересовался политическими событиями. Собственной семьи у него не было, но он сумел выкупить племянников из крепостного рабства и сделал их своими наследниками.

   За годы своего творчества мастер создал множество портретов, наиболее ценными с художественной точки зрения из которых были те, которые отличались особой «рокотовской» дымкой. После 80-х годов эта особенность в его работах постепенно исчезает, а художник начинает больше внимания уделять мелким деталям и тонкостям нарядов и обстановки.

   После того, как в Москве были ликвидированы масонские общества и с падением зрения художника, изменяется и колорит его полотен. Из них уходит та красочность и тонкие переливы, которые были так характерны для его работ.

   Есть предположения, что в последние годы мастер работал с группой учеников, что объясняет большое количество неподписанных полотен в стиле художника. Так как он был необычайно моден в высшем обществе, ему подражали и пытались скопировать его оригинальную манеру письма. Однако мастер оставил много портретов, безусловно подтверждающих его авторство и создавших ему бессмертную славу. Один из них, и, пожалуй, самый известный — это портрет Струйской, поражающий нас живостью изображения этой юной женщины и особой атмосферой, окружающей ее облик.

Русские художники 18 века — картины и имена

Среди множества русских и иностранных художников, творивших в России, выдающимися мастерами портрета в 18 веке можно смело назвать

А.П. Антропова, И.П. Аргунова, Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского.

На своих полотнах А.П. Антропов и И.П. Аргунов стремились изобразить новый идеал человека – открытого и энергичного. Жизнерадостность, праздничность подчеркивалась яркими красками. Сановитость изображаемых, их дородность передавалась с помощью красивой одежды и торжественных статичных поз.

А.П.Антропов  и  его картины                        

Автопортрет А.П.Антропов

В творчестве А.П. Антропова еще заметна связь с иконописью. Лицо мастер пишет слитными мазками, а одежду, аксессуары, фон – свободно и широко. Художник не «лебезит» перед благородными героями своих картин. Он рисует их такими, какими они есть на самом деле, какими бы чертами, положительными или отрицательными, они не обладали (портреты М.А. Румянцевой, А.К. Воронцовой, Петра ІІІ).

Среди наиболее известных работ живописца Антропова портреты:

  • Измайлова;
  • А.И. и П.А. Количевых;
  • Елизаветы Петровны;
  • Петра І;
  • Екатерины ІІ в профиль;
  • атамана Ф.Краснощекова;
  • портрет кн. Трубецкой

И.П.Аргунов — художник портретист 18 века

И.П.Аргунов «Автопортрет»

Развивая концепцию национального портрета, И.П. Аргунов быстро и легко усвоил язык европейской живописи и отказался от старорусских традиций. Выделяются в его наследии парадные ретроспективные портреты, которые он написал с прижизненных изображений предков П.Б. Шереметева. В его творчестве предугадано и живопись следующего века. Он становится творцом камерного портрета, на котором огромное внимание уделяется высокой одухотворенности образа. Это и был интимный портрет, который стал более распространенным уже в ХІХ веке.

И.П.Аргунов «Портрет неизвестной в крестьянском костюме»

Самыми значимыми в его творчестве были изображения:

  • Екатерины Алексеевны;
  • П.Б. Шереметева в детстве;
  • четы Шереметевых;
  • Екатерины ІІ;
  • Екатерины Александровны Лобановой-Ростовской;
  • неизвестной в крестьянском костюме.

Ф.С.Рокотов — художник и картины

Новая фаза развития этого искусства связана с именем русского художника-портретиста — Ф.С. Рокотова. Игру чувств, изменчивость человеческого характера передает он в своих динамичных образах. Мир живописцу казался одухотворенным, такими выступают и его персонажи: многогранными, полными лиризма и человечности.

Ф.Рокотов «Портрет неизвестного в треуголке»

Ф.С.Рокотов работал в жанре полупарадного портрета, когда человек изображался по пояс на фоне архитектурных построек или пейзажа. Среди первых его работ — портреты Петра III и Григория Орлова, семилетнего князя Павла Петровича и княжны Е.Б. Юсуповой. Они нарядны, декоративны, красочны. Образы выписаны в манере рококо с его чувственностью и эмоциональностью. Благодаря работам Рокотова можно узнать историю его времени. Вся передовая дворянская элита стремилась быть запечатленной на полотнах кисти великого живописца.

Камерным портретам Рокотова свойственны: погрудное изображение, поворот к зрителю на ¾, создание объема сложной светотеневой лепкой, гармоничное сочетание тонов. С помощью данных выразительных средств художник создает определенный тип полотна, на котором изображались честь, достоинство, душевное изящество человека (портрет «Неизвестного в треуголке»).

Ф.С.Рокотов «Портрет А.П.Струйской»

Особенно замечательными получались у художника юношеские и женские образы, и даже сложился определенный рокотовский тип женщины (портреты А.П. Струйской, Е. Н. Зиновьевой и многих других).

Помимо уже упомянутых, славу   Ф.С.Рокотову принесли работы:

  • В.И. Майкова;
  • Неизвестной в розовом;
  • В.Е. Новосильцевой;
  • П.Н. Ланской;
  • Суровцевой;
  • А.И. и И.И. Воронцовых;
  • Екатерины ІІ.

 

Д.Г.Левицкий

Д.Г.Левицкий Автопортрет

Говорили, будто портреты Д.Г.Левицкого отразили весь век Екатерины. Кого бы ни изображал Левицкий, он выступал тонким психологом и непременно передавал задушевность, открытость, грусть, а также и национальные особенности людей.

Самые выдающиеся его работы: портрет А.Ф. Кокоринова, цикл портретов «Смолянки», портреты Дьяковой и Маркеровского, портрет Агаши. Многие работы Левицкого считаются промежуточными между парадными и камерными портретами.

Д.Г. Левицкий «Портрет А.Ф.Кокоринова»

Левицкий соединил в своем творчестве точность и правдивость изображений Антропова и лирику Рокотова, вследствие чего и стал одним из наиболее выдающихся мастеров  XVIII векаСамые известные его работы — произведения:

  • Е. И. Нелидовой
  • М. А. Львовой
  • Н. И. Новикова
  • А. В. Храповицкого
  • четы Митрофановых
  • Бакуниной

 

В.Л.Боровиковский — мастер сентиментального портрета

Портрет В.Л.Боровиковского, худ. Бугаевский-Благодатный

Личность отечественного мастера этого жанра В.Б. Боровиковского связана с созданием сентименталистского портрета. Его миниатюры и портреты маслом изображали людей с их переживаниями, эмоциями, передавали неповторимость их внутреннего мира (портрет М.И. Лопухиной). Женские изображения обладали определенной композицией: женщина изображалась на природном фоне, по пояс, она опиралась о что-то, держа в руках цветы или фрукты.

В.Л.Боровиковский «Портрет Павла I в костюме мальтийского ордена»

Со временем образы художника становятся типичными для всей эпохи (портрет генерала Ф. А. Боровского), а поэтому художника еще называют историографом своего времени. Перу художника принадлежат  портреты:

  • В.А. Жуковского;
  • «Лизанька и Дашенька»;
  • Г.Р. Державина;
  • Павла I;
  • А.Б. Куракина;
  • «Безбородко с дочерьми».

Для развития русской живописи XVIII век стал переломным моментом. Портрет становится ведущим жанром. Художники перенимают от своих европейских коллег технику живописи и основные приемы. Но в центре внимания оказывается человек со свойственными ему переживаниями и чувствами.

Русские портретисты старались не просто передать сходство, но и отразить на своих полотнах душевность и внутренний мир своих моделей. Если Антропов и Аргунов стремились, преодолев условности, правдиво изобразить человека, то уже Рокотов, Левицкий и Боровиковский пошли дальше. С их полотен смотрят одухотворенные личности, настроение которых уловили и передали художники. Все они стремились к идеалу, в своих произведениях воспевали красоту, но красота телесная была лишь отражением человечности и духовности, свойственных русскому человеку.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

РОКОТОВ — ГЕЙНСБОРО: «ПОЭТЫ ЧЕЛОВЕЧЕСКОГО ЛИЦА»

Так определил двух портретистов советский исследователь А.В. Лебедев, вдохновленный в 1945 году успехом союзнических отношений с Великобританией [1]. С его «легкой руки» и пошло сравнение русского и английского живописцев. При жизни Федора Степановича Рокотова никогда не называли «русским Гейнсборо». На Всемирной промышленной выставке в Лондоне 1862 года отечественных портретистов представляли Д.Г. Левицкий и В.Л. Боровиковский. О Рокотове в то время у себя на родине просто забыли. Так же, как и о творчестве британца в России не имели понятия. Знаменитая «Дама в голубом» из Эрмитажа — признанный и единственный шедевр Томаса Гейнсборо в русских собраниях — попала в коллекцию лишь в 1912 году. Что же на самом деле роднит столь не похожих мастеров?

Томас Гейнсборо был старше Рокотова лет на десять. Он родился в 1727 году в прелестном уголке Восточной Англии — Садбери в Суффолке. Том был девятым ребенком в семье торговца сукном, род которого принадлежал к коренным жителям местечка. От матери, которая довольно хорошо писала цветы, Том унаследовал талант к рисованию. В школьные годы мальчик убегал в живописные окрестности городка, чтобы запечатлеть роскошную зелень лугов, тихую излучину реки, одинокие деревья. Примечательно, что сам Гейнсборо считал себя художником-пейзажистом. В тринадцать лет он перебрался в Лондон, где вначале обретался в мастерской серебряных дел мастера. Здесь подросток увлекся лепкой. Его первым учителем рисования стал француз Юбер Гравело (1699-1773), работавший в Лондоне. Затем Гейнсборо учился у портретиста и декоратора Фрэнсиса Хаймена (1708-1776) в художественной школе, известной под названием Академия Святого Мартина.

Жизненный путь Рокотова сегодня прослеживается неоднозначно. Год рождения художника — 1736 — определяется по исповедным книгам московской церкви [2]. Обнаруженный Ириной Романычевой документ о том, что в 1762 году Рокотову было 26 лет, подтверждает эту дату [3]. Версия советских исследователей о крепостном происхождении художника в настоящее время подвергается серьезным сомнениям [4]. Вслед за аргументированным мнением Нины Молевой мы можем повторить, что Рокотов никогда не был «господским человеком» [5]. В сознании российского дворянина XVIII столетия жила твердая уверенность в том, что интеллектуально и психологически крепостные не готовы приобрести «звание свободных граждан». В документах Московского Воспитательного дома прямо заявлялось: «Рожденные в рабстве имеют поверженный дух» [6].

Можно ли верить версии о дворянском происхождении художника? В записи от 19 января 1762 года камер-фурьерского журнала указано присутствие на торжественном обеде дежурного офицера — кадетского прапорщика Рокотова [7]. В 1769-м капитан Рокотов был отослан «по желанию» в Военную коллегию[8]. А.В. Лебедев предполагал, что художник происходил из обедневшего рода псковских дворян [9]. Действительно, сохранилось «дипломное дело Рокотовых департамента Герольдии Правительствующего Сената по Псковской губернии», датированное, впрочем, 1861 годом [10]. «Родные племянники» и единственные наследники академика Рокотова, опубликовавшие в «московских ведомостях» объявление о его смерти, носили чин «отставного от артиллерии майора» и штабс-капитана [11].

Итак, происхождение художника Рокотова важно, однако гораздо важнее для современного исследователя его «новое аристократическое благородство — как вариант благородства джентльменского, вовсе не требующего обязательного аристократического происхождения» [12]. Действительно, Рокотов — это первый русский джентльмен-живописец. Его подпись стоит под уставом московского Английского клуба.

В художественном наследии Рокотова нет признанного автопортрета. Однако И.Э. Грабарь, будучи составителем его первого научного каталога произведений, считал «Портрет неизвестного» (1757, ГТГ) изображением молодого живописца [13]. Поддерживал это мнение и другой знаток творчества Рокотова — Ю.П. Анисимов [14]. Перед нами — юноша в зеленом мундире с блестящими пуговицами по бортам, с зеленым отложным воротником, расшитом золотым галуном. По мнению научного сотрудника Государственного Русского музея Б.А. Косолапова, это штаб-офицер гвардейского полка. Однако портрет не похож на официальные изображения военных той эпохи. Облик молодого гвардейца лишен внешней бравады и показного блеска. Здесь очевидно стремление художника постичь духовную сторону человека. В тонком лице модели, пристальном и серьезном взгляде светлых глаз выражены высокое достоинство, интеллигентность, говорящие о живом уме и внутренней энергии незаурядной личности. Произведению присущи жестковатость форм, робость и «суховатость» манеры живописи. Композиционно портрет близок «головкам» кисти П. Ротари: изображение дается погрудно, фигуре тесно в пространстве картины, лицо укрупнено и максимально приближено к зрителю. Тем не менее выразительность образа свидетельствует о более широком представлении о человеке. Уже в этом произведении, первом имеющем автограф мастера, можно говорить о связи Рокотова с новым этапом в развитии портрета. Этот этап обусловлен усложнением духовной жизни русского общества и идеями просветительства, утверждающими приоритет разума и осознание нравственного долга.

В 1808 году (год кончины Ф.С. Рокотова) и через двадцать лет после смерти Т. Гейнсборо его дочь Маргарет подарила последний «Автопортрет» отца (1787) Королевской академии. На протяжении жизни Гейнсборо неоднократно писал автопортреты: самый ранний «Автопортрет с женой и дочерью» (1748) исполнен в жанре «портрета-прогулки», «Автопортрет в треуголке» (1754) — в камерной форме. «Автопортрет» (1759, Национальная галерея, Лондон) — один из наиболее выразительных и совершенных, здесь — зрелый мастер, получивший признание и познавший успех. Художник «как денди лондонский одет»: на нем модный коричневый сюртук, белоснежная рубашка с кружевом, черный шейный платок и треуголка под мышкой. Современники описывали Гейнсборо как весьма элегантного человека, скромного в поведении, открытого и доброго. Благодаря внешней сдержанности в выражении чувств и сознательной «недосказанности» в мимике лица и характере пейзажного фона Гейнсборо достигает некой холодноватой отвлеченности образа. Следует отметить, что в портретах Гейнсборо пейзаж играет гораздо более важную роль, чем у других английских портретистов.

Гейнсборо был любознательным человеком и разносторонним художником: охотно лепил и гравировал, любил музыку. Среди его друзей и заказчиков — видные композиторы и антиквары, музыканты-исполнители и актеры. Один из самых выразительных — «Портрет Сары Сиддонс» (1785, Национальная портретная галерея, Лондон), трактованный в традициях западноевропейского парадного портрета. В 1782 году Сиддонс стала актрисой театра Друри-Лейн, которым руководил драматург Ричард Бринсли Шеридан. Вскоре она с триумфом выступила в роли Изабеллы в пьесе Гаррика «Роковой брак» (The Fatal Marriage). Подлинную славу принесла Сиддонс роль леди Макбет. К числу других ее актерских удач относятся Дездемона и Волумния (У. Шекспир «Кориолан»). В Саре Сиддонс сочетались классическая красота и страстный темперамент, интеллектуальная глубина и мастерство сценической речи. На полотне Гейнсборо знаменитая трагическая актриса уподоблена царственной особе. «Королева сцены» изображена сидящей в кресле, как на троне, на фоне тяжелой бархатной драпировки. Ее поза представительна, а гордый профиль и чуть выдвинутый подбородок указуют на волевой характер.

«Гордость составляет отличительную черту ее физиономии, — писал о российской императрице Екатерине II секретарь французского посольства К.К. Рюльер [15]. Портрет Екатерины II(1763, ГТГ) кисти Рокотова близок впечатлению современника. Художник с тщательностью передал покатый лоб, твердо сжатые губы, волевой взгляд. Тяжелый подбородок уравновешен высокой прической пудреных волос, искусно перевитых жемчужными нитями и увенчанных легкой изящной короной. Профильное изображение предполагает определенную форму идеализации модели, вызывает ассоциации с классическими примерами: античными камеями, медальерным искусством. Тем самым у зрителя невольно возникали аналогии с образами великих деятелей прошлых эпох.

При жизни оба портретиста достигли феноменальной славы. Портреты кисти Гейнсборо и Рокотова ценились современниками за умение воплощать на полотне реальную внешность и одновременно ожидания модели. И Гейнсборо, и Рокотов последовательны в своем подходе к передаче сходства. Заказчики британца могли рассчитывать на светский идеальный портрет, поражающий разнообразием.

Парадные портреты, созданные Гейнсборо, в лучших традициях стиля гипнотизируют своей роскошью. Коронационные и конные, военные и охотничьи, костюмированные и аллегорические — все они призваны в самом выигрышном виде показать и подчеркнуть высокий статус модели. А изображения царственного лица особенно! В парадной форме портрета конкретная личность (например, принц Уэльский, будущий король Георг IV) воплощает в себе идеалы эпохи.

Заказчики русского мастера знали, что по размеру и формату портрет не будет оригинальным, однако их напишут максимально точно и возвышенно. «Джентльменский статус» Рокотова позволял ему писать богатых и знатных заказчиков на равных. Орловы и Голицыны, Воронцовы и Куракины наперебой стремились иметь шедевры рокотовского искусства. В отличие от крепостного мастера (например, И. Аргунова) Рокотов не раболепствовал, не исполнял любую прихоть барина, а работал в рамках собственной портретной мифологии. Может быть, поэтому ему так удавались портреты поэтов — профессионалов и дилетантов — В.И. Майкова (1760, ГТГ), А.П. Сумарокова (около 1777, ГИМ), Н.Е. Струйского (1772, ГТГ).

Модели Гейнсборо — люди эпохи английского Просвещения. Они подчеркнуто демонстративны, их позы и жесты — средство хорошо разработанной системы воспитательного воздействия. Способы общения со зрителем у британского художника и у русского различны. Взгляд модели у Гейнсборо настойчиво адресован зрителю и рассчитан на ответную реакцию. Модель у Рокотова вполне может обходиться без реакции внешнего мира, настолько ее внутренний мир богат.

Возросшая со временем популярность не радовала Гейнсборо. Череда сменявших друг друга самодовольных физиономий подчас угнетала портретиста. «К чертям всех джентльменов! — жаловался он в письме молодому коллеге. — Для художника нет злейших врагов, чем они, если не уметь их держать на приличном расстоянии. Они думают, а может быть, иногда и вы тоже, что вознаграждают ваши заслуги своим обществом и вниманием» [16]. Однако, несмотря на брюзжание Гейнсборо, ажиотаж только рос. Заказчики записывались заранее, закупали огромные роскошные рамы для своих гостиных, а потом долго ждали, когда у художника дойдут до них руки. Ожидание могло длиться и год, и два. «Природа портретной живописи такова, что происходит постоянная гонка, — философствовал Гейнбсоро, — один дурак возникает вслед за другим, точно их блоха укусила, и этого достаточно, чтобы свести меня с ума».

К сожалению, писем Рокотова мы не знаем. В определенной мере «услышать» голос художника можно по переписке князя А.Б. Куракина и прапорщика В.А. Мерзлюкина. Портрет последнего был заказан богатым покровителем Рокотову. В подробных отчетах князю Мерзлюкин приводит целые диалоги свои и портретиста. Рокотов вел себя достаточно независимо. «Он мне сказал, что в нынешние праздники, — писал 25 декабря 1783 года Мерзлюкин, — он за работу ни за что не примется; да и после праздников вскоре он за то взяться не может, потому что он дорабатывать имеет два портрета дамские» [17]. Рокотов начал писать портрет Мерзлюкина 18 января, а закончил 26 февраля 1784 года. Сеансы проходили по пятницам, начинались с утра и могли продолжаться «до двух часов пополудни». Зато заказчик остался доволен и писал, что портрет получился «очень похожей».

Рокотов позволял себе выбирать и даже отказываться от выгодных заказов. Так, член Опекунского совета Богдан Умский с возмущением писал куратору Московского Воспитательного дома Ивану Ивановичу Бецкому: «Прокофия Акинфиевича Демидова портрет иметь в Совете должны, как то сделать, мы не знаем, да к тому ж и писать некому. Рокотов один, за славою стал спесив и важен» [18].

Известен рассказ князя Ивана Михайловича Долгорукого о том, как графиня Скавронская заказала «славному живописцу Рокотову» свой портрет и других родственниц, а сама уехала в Италию. «Рокотов списал, ждал денег и присылки за портретами, но, не дождавшись ни того, ни другого, подарил их одному из учеников своих, который продал их как работу известного художника помянутому Крымову, охотнику до картин» [19].

В отличие от Гейнсборо Рокотов практически не использовал в портретах атрибуты. Художник не нуждался в подсказках. Подтекст, определяющий моральный или профессиональный статус модели, создается в рокотовских портретах прежде всего колористической гаммой. Нейтральное пространство фона и костюм также помогали отобразить весь диапазон качеств человека.

Особым достижением Гейнсборо-живописца считается открытие возможностей холодных цветов. Если Дж. Рейнолдс считал серо-голубую гамму необходимой лишь для того, чтобы оттенить насыщенные красно-коричневые тона, то Гейнсборо сделал голубой цвет самодостаточным. Он впервые показал, какая эмоциональная выразительность может быть достигнута при использовании холодных тонов. К этим опытам относится серия портретов: «Голубой мальчик» (1770, Библиотека Хантингтона, Сан-Марино), «Портрет дамы в голубом» (ГЭ) и некоторые другие. В них Гейнсборо мастерски играет с различными оттенками и полутонами главного цвета, раскрывая в нем то серебристость, то жемчужность, то перламутровые отливы, то лиловость морской глади.

Живописная гамма рокотовского «Портрета неизвестной в розовом платье» (1770-е, ГТГ) строится на нежнейших градациях и оттенках теплого тона. Розовый цвет одежды традиционно воспринимается как женский. В английском языке для обозначения розового используются два слова: Rose и Pink. Происхождение русского названия ближе к цвету бутонов и лепестков дикой розы, шиповника. Художник создал тончайшую красочную феерию розового. Самый насыщенный (фуксин) — на губах, нежно-розовый — на щеках модели, ярко-розовый (церцис) — на подкладке капюшона и лентах. Точный оттенок платья установить трудно, подобный бледно-розовый в искусстве рококо получил название «бедро испуганной нимфы». Не только деликатная цветовая гамма и причудливая изысканность полутонов, но и образная характеристика связывают «Портрет неизвестной в розовом платье» со стилистикой рококо. В неправильности черт лица изображенной Рокотов стремится уловить обаяние юности и кокетливую грацию, излюбленные и превыше всего ценимые в рококо.

Интересно сравнить «Портрет неизвестной в розовом платье» Рокотова и «Портрет дамы в голубом» Гейнсборо. молодая английская леди с мечтательным выражением лица на эрмитажном полотне Гейнсборо представлена в полупрозрачном открытом платье, голубой шелковый шарф буквально соскальзывает с ее роскошных плеч, тонкая рука, украшенная золотым браслетом, едва придерживает его. Пудреные волосы зачесаны высоко вверх и уложены в сложную прическу, увенчанную маленькой шляпкой со страусовыми перьями и голубой лентой. Русская барышня также одета и причесана по последней европейской моде, однако ее наряд достаточно скромен. Нет оголенных плеч, глубокого декольте. Рокотов передал целомудренный идеал красоты девушки московской патриархальной среды. Черты ее лица не отличаются правильностью, но как «очаровательная дурнушка» она мила своей чистотой и серьезностью! Здесь наглядно мы видим, как «идеальное не противостоит индивидуальному, а реализуется через него и в нем» [20].

Нечто похожее встречается при сопоставлении «Портрета А.С. Тулиновой» (конец 1770-х, ГТГ) и «Портрета леди Элизабет Монтегю (Montagu, Duchess of Buccleuch and Queesberry» (около 1767, частная коллекция, Великобритания). Как же сходны модные наряды этих молодых барышень, живших так далеко друг от друга. дорогое атласное платье с декольте, на груди у лифа — бант, такой же кокетливый бантик — на шее. Похожи прически: высоко взбитые волосы, украшенные эгретом, а также украшения — бриллиантовые круглые серьги. Но как разнятся эти модели. На портрете Рокотова — Аннушка, дочь московского купца Семена Гавриловича Журавлева, имевшего свой дом в Садовой Большой слободе [21]. В конце 1770-х годов ее выдали замуж за капитана И.И. Тулинова. Вероятно, Рокотов запечатлел «невесту на выданье» [22]. Образ полнокровной, круглолицей и пышнотелой А.С. Тулиновой контрастен образу хрупкой и бледной аристократки на портрете Гейнсборо.

Интересны сопоставления мужских моделей. Например, «Портрет Томаса Линли мл.» (около 1772, Картинная галерея Далвич, Лондон) и «Портрет князя И.И. Барятинского» (начало 1780-х годов, ГТГ). Изображенный на портрете Рокотова юный Иван Иванович Барятинский происходил из древней и родовитой русской фамилии — двадцать седьмое колено от легендарного основателя Руси варяга Рюрика! Его мать, Екатерина Петровна, — урожденная принцесса Гольштейн-Бекская. С самых юных лет Иван Барятинский прославился своей красотой. Он получил блестящее образование, знал несколько иностранных языков, профессионально увлекался музыкой. В будущем князя ждала блестящая дипломатическая карьера: во времена императора Александра I Барятинский был причислен к российской миссии в Лондоне, затем назначен посланником в Мюнхен. В 1812 году Барятинский оставил службу и поселился в родовом имении Ивановское Курской губернии. Несколько лет, проведенных в Англии, и женитьба на дочери лорда Шенборна (рано скончалась при родах) сделали из Барятинского истинного англомана. Он посвятил остаток жизни устройству имения, названного в честь второй жены Марьином. В российской глубинке князь применял на практике приобретенные во время заграничных путешествий агрономические знания.

Рокотов отчетливо выделяет светом на полотне хрупкую фигуру подростка, гармонично размещенную в овальном обрамлении. Будущий дипломат горделиво взирает на зрителя, словно предчувствуя яркую судьбу и блестящую карьеру. Высокородный меломан одет с утонченным вкусом: бруснично-розовый кафтан эффектно контрастирует с черным бантом в пудреных волосах и золотистым камзолом. Рокотова привлекают серьезность лица подростка, его впечатлительность, душевная свежесть. В характере Барятинского портретист уловил те черты, которые должны были отличать просвещенных юношей эпохи.

Томас Линли на портрете Гейнсборо одет в похожий камзол, только более яркого красно-кирпичного цвета. Белого цвета рубашка и черная треуголка дополняют наряд. Гейнсборо подчеркивает слегка оттопыренную нижнюю губу и снисходительный взгляд на зрителя. Юного англичанина отличают холодность и высокомерность.

Федор Рокотов и его старший современник Томас Гейнсборо — истинно национальные художники. Они не покидали пределов родины, не видели других европейских стран. На них повлияла отечественная среда. Взлет фантастической популярности обоих портретистов относится к 1770-1780-м годам. Это годы бурного развития Англии, подъема ее экономического и политического могущества, расцвета искусства. Рокотов творил в «золотое время правления матушки Екатерины». Это время военных побед, приращения новых огромных территорий, оформление мощной Российской империи. Век доблестных героев и «великих курьезников», тонких знатоков «изящных художеств» и жестоких крепостников-помещиков. В творениях обоих мастеров — «история в лицах». В их героях независимо от общественного положения и возраста ощущаются богатая духовная жизнь, внутренняя независимость, незаурядность личности. Впрочем, все эти черты свойственны были и самим живописцам. Они принадлежат к разным художественным темпераментам и к разным линиям, прошедшим через историю мирового портрета. Так или иначе Гейнсборо и Рокотов ознаменовали новый этап в развитии национальной школы портрета в каждой из стран. С ними вошли в искусство духовная тонкость и поэзия образа, выраженные средствами живописи.

 

  1. Лебедев А.В. Ф.С. Рокотов. М.; Л., 1945. С. 14.
  2. Запись в исповедных книгах церкви Никиты Мученика Ивановского сорока за 1787 год: «Академик Федор Степанов сын Рокотов пятидесяти одного года» // Лапшина Н.П. О некоторых ранних произведениях Рокотова // Искусство. 1951. №5. С. 84.
  3. Романычева И.Г. Федор Степанович Рокотов. Жизнь и творчество. СПб., 2008. С. 22.
  4. Подробно наше мнение изложено в статье «Фантом Федора Рокотова» // Русское искусство. 2016 №2. С. 45-50.
  5. Молева Н.М. Загадки Рокотова, или Жизнь великого портретиста времен Екатерины. М., 1994. С. 70.
  6. Марасинова Е.Н. «Рабы» и «граждане» в Российской империи XVIII века // «Вводя нравы и обычаи Европейские в Европейском народе»: К проблеме адаптации западных идей и практик в Российской империи. М., 2008. С. 111.
  7. Лапшина Н.П. Федор Степанович Рокотов. М. 1959. С. 82.
  8. В действительности уточняется, что речь шла о Дмитрии Рокотове. // Российский государственный военно-исторический архив (РГВИА). Ф. 314. Оп. 1. Ед. хр. 3369.
  9. Лебедев А.В. Ф.С. Рокотов: этюды для монографии. М., 1941. С. 15.
  10. РГИА. Ф. 1343. Оп. 28. Д. 2361. Герб Рокотовых указан в Сборнике дипломных гербов Российского Дворянства, не внесенных в Общий Гербовник (часть 12, с. 40).
  11. Московские ведомости. 1809. №8. С. 177.
  12. Бобриков А.А. Другая история русского искусства. М., 2012. С. 65.
  13. Федор Степанович Рокотов: Каталог выставки. М., 1923. С. 10.
  14. Анисимов Ю.П. Ф.С. Рокотов // Искусство. 1938. №3. 1938. С. 77-96.
  15. Рюльер К.К. История и анекдоты революции в России в 1762 году // Россия XVIII века глазами иностранцев. Л., 1989. С. 264-265.
  16. Некрасова Е.А. Письма Томаса Гейнсборо как источник для суждения о его эстетических воззрениях // Философия искусства в прошлом и настоящем. М., 1981.
  17. Алексеева Т.В. Новое о Рокотове // Русское искусство XVIII века: Материалы и исследования. М., 1968. С. 280-281.
  18. Русский архив. 1906. №8. С. 635.
  19. Долгорукий И.М. Капище моего сердца, или Словарь всех тех лиц, с коими я был в разных отношениях в течение моей жизни. М., 1890. С. 757.
  20. Лотман Ю.М. Портрет // Статьи по семиотике культуры и искусства. СПб., 2002. С. 349.
  21. Последние исследования показали, что Рокотов в 1789 и в 1791 годах снимал жилье у наследников «придворного гоффурьера Герасима Тихоновича Журавлева» // Гармаш Т, Оксенюк А. Наследники академика Ф.С. Рокотова // Антикварный мир. 2013. Октябрь. С. 63, 65.
  22. См.: Маркина Л.А. Портреты кисти Рокотова. Новые приобретения Третьяковской галереи // Искусство. 1986. №9. С. 66-67.

Иллюстрации

Томас Гейнсборо. Дама в голубом. Около 1780
Холст, масло. 76.5 × 63.5. ГЭ

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет Екатерины II. 1763
Холст, масло. 155,5 × 139. ГТГ

Томас Гейнсборо. Сара Сиддонс. 1785
Холст, масло. 126 × 99,5. Национальная галерея, Лондон

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет Екатерины II. 1763
Этюд для коронационных портретов (1763 – ГТГ, Павловск). Холст, масло. 59,5 × 46,9. ГТГ

Томас Гейнсборо. Автопортрет. Около 1758–1759
Холст, масло. 76,2 × 63,5. Национальная портретная галерея, Лондон

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет князя Д.М. Голицына. 1760-е
Холст, масло. 62,7 × 51,8. ГТГ

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет неизвестного. 1757
Холст, масло. 44,2 × 33,5. ГТГ

Томас Гейнсборо. Мэри Литтл, в замужестве Леди Карр. Около 1765
Холст, масло. 127 × 101,6. Центр британского искусства, Йель, Нью-Хейвен, Коннектикут, США

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет неизвестной в розовом платье. 1770-е
Холст, масло. 58,8 × 46,7. ГТГ

ТОМАС ГЕЙНСБОРО. Портрет леди Олстон (Гертруда Олстон, урожденная Дарнфорд). Около 1767
Холст, масло. 76,2 × 63,5 cm

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет В.Е. Новосильцовой. 1780
Холст, масло. 70,5 × 59. ГТГ

Томас Гейнсборо. Автопортрет. 1754
Холст, масло. 58 × 49. Собрание маркизы Чолмондели, Хоутон-Холл

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет А.М. Римского-Корсакова в юности. Конец 1760-х
Холст, масло. 56,5 × 46. ГТГ

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет В.И. Майкова. 1775–1778
Холст, масло. 60 × 47,8. ГТГ

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет А.С. Тулиновой. Конец 1770-х
Холст, масло. 59,3 × 46. ГТГ

Томас Гейнсборо. Портрет Мэри, дочери художника. 1777
Холст, масло. 77,5 × 64,8. Галерея Тейт, Лондон

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет графини Е.В. Санти. 1785
Холст, масло. 72,5 × 56. ГРМ

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет В.Н. Суровцевой. Вторая половина 1780-х
Холст, масло. 67,5 × 52. ГРМ

Томас Гейнсборо. Элизабет Роттеслей, в замужестве герцогиня Графтон. 1764–1765
Холст, масло. 76,1 × 63,5. Национальная галерея, Виктория, Мельбурн

Ф.С. РОКОТОВ. Портрет князя И.И. Барятинского. Начало 1780-х
Холст, масло. 64,2 × 50,2. ГТГ

Томас Гейнсборо. Томас Линли младший. Около 1772
Холст, масло. 75.9 × 63.5. Картинная галерея Далвич, Лондон

примеры мастеров и основоположников галантного жанра, его особенности или черты французской эпохи 18 века

Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени?

Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.

Чем отличается Рококо от Барокко?

Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное,  так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое.

Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо. Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.

Примеры картин эпохи Барокко и Рококо:

  • Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.
  • Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.

Характерные черты стиля Рококо в живописи

Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.

Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.

Мебель с завитушками в стиле Рококо

Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.

Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.

На фото:

  • Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени
  • Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени

Стиль Рококо в живописи

А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы. Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.

Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.

Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.

Архитектура в стиле Рококо

Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.

Интерьеры эпохи Рококо

Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки. Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.

Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau). Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.

Картины Рококо живописца  Жана Антуана Ватто

Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.

В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.

Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным  названием!

Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»  

На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения. Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая  свою живопись яркой и радостной.

Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)

Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г.
Справа —  «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.

Картины Рококо Франсуа Буше

На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.

На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)

Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше

А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона-  Людовик XV. Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…

Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость. Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!

На фото:

  • Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г.
  • Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.

Рококо в живописи

Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.

Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть  вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.

Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.

Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!

Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен.

Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики ….

Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!

Источник: http://www.viktoria-latka.com/rokoko-v-zhivopisi-osobennosti-stilya/

Эволюция портрета. часть 6. рококо

РОКОКО («причудливый», «капризный», фр. rococo, от rocaille — ракушка, осколки раковины), по мнению некоторых искусствоведов не является самостоятельным стилем, а лишь определенным этапом в общеевропейском барокко.

Другие исследователи считают его отдельным стилем, имеющим свои отличительные черты в философии, в отношении к религии и жизни, в тематике сюжетов и в изобразительных средствах.

И если барокко — искусство в своем истоке религиозное, рококо — сугубо светское. «Барокко со страстью и серьёзностью утверждает религиозные догмы, рококо чуждо как серьёзности, так и подлинной страсти».

Философия рококо — неоэпикурейство: только наслаждение составляет суть человеческой жизни, идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо. Этот стиль — прямой и непосредственный предок современной «глянцевой» культуры.В живописи, особенно в портрете, мы видим явные отличия от патетической торжественности, величавости и пафоса барокко, на смену которым приходят изысканность, утонченность, декоративность и театральность.

Главными признаками этого стиля становятся изогнутая капризная линия, напоминающая очертания раковины, и иная гамма цветов — легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые, серебристые.

Основоположником этого стиля, в творчестве которого впервые наглядно проявились основные черты рококо, считается Антуан Ватто (1684-1721), хотя в целом творчество художника далеко выходит за его рамки.

Сам художник испытал сильное влияние творчества Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже, но в отличие от него вносил в свои произведения интимность, лирическую взволнованность, бесконечное разнообразие оттенков чувств и настроений. Особенно это проявилось в работах, изображающих актеров, с их целым миром тончайших душевных состояний, богатством эмоциональных оттенков и чувственностью.Он был прекрасным и неутомимым рисовальщиком, делал множество подготовительных рисунков одного и того же персонажа в бесконечных вариациях поз, движений, жестов. поворотов головы, добиваясь наиболее выразительной композиции в будущей картине.Прожив короткую, не очень счастливую жизнь — он умер от туберкулеза в возрасти 37 лет, Антуан Ватто оставил потомкам около двадцати тысяч картин и множество последователей, которые, однако, не достигают той особой утонченности и эмоциональности, которые были присущи образам Ватто.

Одним из них был Никола́ Ланкре́ (1690—1743), писавший в духе Ватто персонажей итальянской комедии, галантные сцены, пасторали, сцены из театральной жизни и портреты, которые почему-то считаются критиками не очень удачными.

У другого представителя стиля рококо времен Ватто, Франсуа Лемуана (1688-1737), художника в основном исторического жанра, стилистические особенности рококо проявились во второй половине творческой жизни, когда он отошел от исторической тематики и стал мастером занимательных любовных сюжетов, великолепным колористом и рисовальщиком.

Не выдержав жизненных неурядиц, переживая неудачную попытку справиться с одним ответственным и сложным заказом, потеряв своего покровителя герцога Антенского, Лемуан сошел с ума и покончил жизнь самоубийством.

Крупнейшим мастером собственно стиля рококо стал ученик Лемуана Франсуа Буше(1703-1770).

Именно с его именем у меня лично ассоциируется само название стиля, именно в его творчестве наиболее ярко и наглядно проявились его худшие (на мой взгляд) черты: слащавость сюжетов, жеманность поз, манерность, «кукольность» лиц, розово-серо-серебристая «сладенькая» цветовая гамма.

В его «нарядно-кокетливых», сентиментальных портретах натура сильно приукрашена , недостатки внешности сглажены, фон и даже фигуры украшены цветами, драпировками и гирляндами.Его герои (даже мужчины) похожи на кокетливых фарфоровых кукол, чувственно-однообразных, с розовыми щечками, красными губками и пустым взглядом, глуповато-жизнерадостные и безмятежные.Это, разумеется, мое личное восприятие творчества Буше, хотя оно отчасти совпадает с современной оценкой французских искусствоведов, отмечающих «слащавость и невысокий художественный вкус его стиля».

Еще Дидро в свое время говорил о Буше: «Его распутство должно пленять щеголей, легкомыслящих женщин, молодежь, людей света, то есть всех тех, кому чужды истинный вкус и правдивость».

Наиболее известным для русскоязычного читателя является, наверное, Жан-Марк Натье (1685-1766), потому что путешествуя в 1717 году по Голландии, он познакомился там с Петром I, написал его портрет и получил приглашение стать придворным живописцем.

Пару слов об еще одном замечательном художнике-портретисте — Морис Кантен де Латур (1704—1788),

И еще одним из представителей французского рококо, о котором необходимо сказать, является Жан Оноре Фрагонар (1732–1806), ученик Буше и продолжатель его традиций в жанровой живописи, но не в портретном жанре.

В это же время в Италии работает Джова́нни Батти́ста Тье́поло (Джанбаттиста, 1696-1770), прославившийся в основном как мастер фресок и гравюр, ставший к середине века признанным главой венецианской школы живописи, оставивший нам и некоторое количество портретов.

И хотя Натье отказался покидать Париж, но написал по заказу царя несколько портретов приближенных из свиты и картин на исторические тымы. С 1720 года художник полностью посвятил себя портретной живописи, написав большое количество портретов членов королевской семьи и высокопоставленных особ, часто изображая их в виде мифологических или библейских героев.

Можно сказать, что Жан-Марк Натье стал создателем нового жанра — исторического портрета, который существовал, конечно, в разрозненном виде и у других художников до этого, но именно его блестяще написанные портреты составляют большие и важные коллекции выдающихся деятелей Франции и России во многих музеях мира.которого формально относят к стилю рококо, но его работы приближаются к реализму, получающему во второй половине века все большее распространение.

Посмотрите на пастельный автопортрет, на живое чуть насмешливое выражение глаз, легкую улыбку нервного подвижного рта, свободную раскованную позу. Героями его портретов чаще всего были представители блестящей культуры французского Просвещения, люди психологически сложные, проницательные и ироничные.

Художник не льстил им, а стремился передать не только их статус и профессию, но обнажить их внутренний мир, запечатлеть мимолетное движение человеческих страстей и мыслей.

Если в жанровой живописи, в своих пасторальных сюжетах художник был часто беззастенчиво эротичен и легкомыслен, то в портретах он стремился вывести своих героев из обыденной жизни, показать их взволнованность, душевные переживания, интеллектуальную возвышенность.

Это уже приближало творчество художника к тем тенденциям, которые стали характерными для романтизма 19-го века., о котором мы будем еще говорить позже.

Двое из его сыновей (всего у него было 9 детей) тоже стали известными художниками, старший сын Джованни Доменико Тьеполо (Джандоменико, 1727-1804) считался лишь подражателем отца. Только после смерти Тьеполо-старшего, о сыне стали говорить, как о независимом художнике, он сумел внести и свою лепту в искусство итальянского рококо.

Еще один сын Старшего Тьеполо — Лоренцо Бальдиссера Тьеполо (1736-1776), живописец и рисовальщик, тоже принадлежал, разумеется, к кругу последователей своего великого отца. После его смерти он жил в Испании при дворе короля Карла III, писал портреты и картины, используя в них испанские народные типажи.

Еще одним известным художником стиля рококо (а позже и неоклассицизма) в Италии был Батони Помпео (1708-1787), в творчестве которого, особенно в портретах, все яснее проявлялись реалистические тенденции, хотя еще и носящие поверхностный характер.

Героям его портретов всегда присущи некие общие черты: знатность, аристократическое достоинство, эмоциональность, живое выражение лиц и глаз, свободные и естественные позы.

И еще пару слов об итальянской художнице венецианской школы — это Каррера Розальба (1675-1757). Она начинала как миниатюристка на табакерках из слоновой кости, но потом перешла к портретной живописи пастелью, ею были выполнены портреты многих знатных людей, приближенных к венецианскому двору.

Живя и работая некоторое время в Париже, она познакомилась с основоположником стиля рококо Антуаном Ватто, написала с уважением и любовью его портрет пастелью .

Совершенно ослепнув к старости, она уже не могла работать, но то, что она успела сделать, принесло ей популярность и до сих пор интересует любителей живописи.

Во второй половине века еще одна женщина прославила своим творчеством стиль рококо, на этот раз в Швейцарии.

Кауфман Ангелика (1741-1807) очень рано, в 11 лет, начала писать портреты, а в более зрелом возрасте еще и сцены на исторические и литературные сюжеты.

Большое влияние на творчество Кауфман оказала поездка в Англию, знакомство там с английской школой живописи и близкая дружба с одним из английских художников стиля рококо, которым был первый президент Королевской академии художеств сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792), родоначальник английской школы живописи, отличающейся глубиной тона и сочностью письма.

Если высшим идеалом живописи Рейнольдс считает не выявление натуры и не выражение личности автора, а поиск совершенной красоты, то его младший современник и в какой-то мере соперник в искусстве, гениальный английский живописец Томас Гейнсборо (1727—1788)

И еще об одном английском художнике, творчество которого является переходным от эпохи рококо к реализму, хотелось бы сказать, это — Уи́льям Хо́гарт (1697-1764).

Со временем она стала очень популярна в Европе благодаря тому, что ею были написаны многочисленные портреты королевских особ и их приближенных, изображенных в тонкой и изящной манере стиля рококо.Кумирами Рейнольдса были Тициан, Рубенс и Рембрандт, лучшие качества написанных ими портретов — сходство с оригиналом, выразительность, выбор позы и аксессуаров, «сочная» манера письма — он сумел соединить в своем собственном творчестве.

Особенно ему удавались «парадные» портреты, герои которых в нарядных одеждах изображались на фоне колонн, драпировок или декоративных пейзажей.«Вы не должны зависеть от вашего гения. Если ваши таланты велики, труд их усилит; если у вас лишь скромные способности, трудолюбие возместит их несовершенство.

Нет ничего невозможного для должным образом приложенного усилия: а без него ничто достигнуто быть не может». (Из ежегодной «Речи» Рейнольдса в Королевской академии)и не думал следовать каким-либо теориями, он работал интуитивно и просто, глядя на натуру, стремясь сделать привлекательными обычные лица.

Его картины отличаются изысканностью и виртуозной легкостью, создающей впечатление воздушности и мгновенности исполнения. В своей речи в Академии вскоре после смерти художника Рейнольдс сказал о нем: «Я осознал его превосходство… у меня создалось впечатление, что ему жаль было при расставании с жизнью расставаться прежде всего с искусством…».

Об их взаимном уважении и одновременно соперничестве могут говорить эти две картины, изображающие двух мальчиков на фоне похожего пейзажа, но в разных позах и костюмах разного цвета.

Если его картины — скорее реалистичные, близкие к политической сатире, обличающие феодальные предрассудки и привилегии, уродство буржуазного образа жизни, то в портретах остро проявляются его гуманизм и демократизм.

Будучи противником «светского» парадного портрета, он пишет своих родственников, близких друзей, слуг с теплотой и проникновением в душевный мир своих героев вне зависимости от их социальных рангов.

Высшие достижения английского искусства второй половины 18 века относятся к жанру портрета, английские портреты в своем большинстве отмечены стремлением художников к созданию полнокровных живых характеров и в то же время использованием старых традиционных схем парадного портрета.

Подводя итог этому небольшому разговору о портрете эпохи рококо, можно сказать, что идейная основа стиля — это вечная молодость и красота, неприятие старости и уродства, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности в пастушескую идиллию.

Недаром это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман) еще называют «галантный век». можно сказать, что рококо — это «гламур» XVIII века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом, флиртом и соблазнением.

В этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры наших дней.Как всегда, я предлагаю посмотреть музыкальный видеоролик по теме (в котором 104 репродукции портретов), длительностью в 12 минут, в сопровождении музыки в стиле рококо.

Источник: https://vanatik05.livejournal.com/26221.html

Рококо

Рококо называют самым легкомысленным и бездумным из всех стилей в искусстве.

Почему тогда рококо столь значимо для русской изобразительной культуры? Почему определение от слова «рококо» звучит для нашего уха так экзотически — «рокайльный»? В чем основное различие рококо и барокко, которые люди малосведущие часто путают? Наконец, почему рококо — это прямой и непосредственный предок современной глянцевой культуры? Обо всем этом пойдёт речь ниже.

Рококо родилось во Франции XVIII столетия, хотя само название узаконит лишь следующий век, девятнадцатый.

Стиль получил имя от французского слова rocaille — ракушка или раковина. Издавна раковинами декорировали искусственные гроты и чаши фонтанов, позднее в оформлении интерьеров стали активно использоваться орнаменты, повторяющие витые, округлые очертания раковин. К XVIII веку интерес к ним только рос.

Они усложнялись и переплетались, становились всё более изощренными и причудливыми. Такие орнаменты назывались рокайлями, а сам стиль, построенный на капризных гнутых линиях и нежнейших цветовых переливах, — соответственно, рококо. Говорят, этой картиной, написанной 37-летним художником перед смертью, Антуан Ватто напророчил будущее рококо.

В «Лавке Жерсена» уже заключены все колористические возможности этого стиля: никаких контрастов, но взамен — богатейшая и тонкая пастельная палитра с тончайшими цветовыми переходами. Появление стиля рококо связано с «концом прекрасной эпохи» — эпохи Людовика XIV.

Не случайно знаменитая «Лавка Жерсена» изображает, как короля-Солнце снимают со стены и убирают в коробку. Но было бы неправильным отождествить всё XVIII столетие только со стилем рококо. Этот век многообразен, как никакой другой из предшествующих.

Видоизменяясь, в искусстве продолжают существовать страстное и строгий . Зарождается сентиментализм. Прогрессивная критика в лице Дени Дидро даже пытается угадать зачатки реализма.

И всё-таки именно галантное, капризное, вычурное рококо становится для XVIII века знаковым. Недаром это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман) еще называют «галантный век». Галантному веку — галантное искусство.

Извивающиеся ветви деревьев, порхающая с легкостью мотылька красавица, её летящая по изогнутой рокайльной траектории туфелька, томные взгляды и обнажившиеся коленки. На картине Жана-Оноре Фрагонара «Качели» — квинтессенция образа жизни в стиле рококо.

С уходом со сцены Луи XIV уходят из моды грандиозная пышность придворных празднеств в стиле . Да и вообще — всё величественное и всё торжественное больше не комильфо.

Регент Филипп Орлеанский, а затем и король Людовик XV предпочитают образ жизни несколько более камерный, но зато и более комфортный. Он сосредоточен не в широком кругу придворных, а в близком, почти интимном кругу друзей-единомышленников. Философия рококо — неоэпикурейство.

Только наслаждение составляет суть человеческой жизни. Идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо.

Из парадных залов искусство плавно перемещается в будуар. Интерьеры рококо — уютные и комфортные. Именно во времена рококо появляются изысканные кушетки с мягкими спинками и кресла «кабриоль» с витыми ножками, обеспечивающие комфорт телу, шелковые шпалеры на стенах и небольшие изящные статуэтки, доставляющие наслаждение глазу.

Каприз и прихоть — «альфа и омега» рококо. Это касается как общего настроения, так и самих форм искусства. Импровизация заменяет дисциплину. Причудливая асимметрия побеждает классические равновесие и ясность.

Интересная особенность стиля рококо — его отношение к возрасту. Чуть ли не впервые в истории старость перестаёт ассоциироваться с мудростью и почётом. Стареть теперь нежелательно и даже постыдно. Это касается не только женщин, но и мужчин, ведь сам тип внешности, популярный во времена рококо, — гендерно-универсальный.

  • Франсуа Буше. Голова Людовика XV. 1729. Лос-Анджелес, музей Гетти.
  • Дмитрий Левицкий. Марии Дьяковой. Фрагмент. 1778. Москва. Государственная Третьяковская галерея.

Облик мужчин и женщин в искусстве рококо становится на удивление сходным. И те, и другие равно изнежены и капризны. И те и другие изящнейше одеты. И даже румянами и пудрой мужчины и женщины галантного века пользуются с одинаковым тщанием, ведь им важно выглядеть как можно лучше — авось удастся обмануть возраст?

Российская императрица Елизавета Петровна так болезненно переносила старение и панически боялась умереть, что от неё стали скрывать факты смерти знакомых. Придворные не смели говорить при ней «ни о Вольтере, ни о болезнях, ни о покойниках, ни о красивых женщинах».

Образец русского рококо — портрет императрицы Елизаветы Петровны работы Ивана Аргунова.

Кстати, отец Елизаветы Петр I пытался выдать её замуж за сверстника и наследника французского престола Людовика XV, но не сложилось. Однако страсть к музицированию, маскарадам, галантным празднествам и стилистике рококо осталась с императрицей на всю жизнь.

Итак, старости для рококо не существовало. А как же еще один важный возраст — детский? Да так же! Ведь не актуальна сама идея возрастных изменений. Дети, согласно убеждениям XVIII века, — всего лишь маленькие взрослые.

Поэтому наряжать их следует совершенно по-взрослому. Более того, их игры и забавы точь в точь копируют взрослые. Дети со знаменитой картины Антуана Ватто «галантно» проводят время: мальчики музицируют, девочка готова начать танцевать.

Танец

Живопись рококо намеренно выбирает ситуации, где можно извлечь любые возможности для проявлений галантности или любовной интриги.

  • Пьетро Лонги. Утренний шоколад.
  • Никола Ланкре. Крепление конька.

Не слишком уклоняясь от истины, можно сказать, что рококо — это «гламур» XVIII века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом. Из мира рококо, как и из глянца, прочно изгнаны старость и болезни, бедность и уродство.

А еще живопись рококо, подобно глянцевому фото, главной своей темой считает соблазн. Соблазнительность как качество, соблазнение как процесс — вот его ключевые сюжеты. И в этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры.

Пресловутая легкомысленность рококо — это, конечно, не виньетки и завитки. И не только галантные празднества и изнурительная праздность. Это еще и новое прочтение эротической темы.

Но ведь обнажённая натура, возразите вы, — это основа основ изобразительных искусств со времён античности, а доскональное знание человеческой анатомии и перспективная передача ракурсов и движения — заслуга эпохи Возрождения. Верно! Что же нового привнесло в тему «ню» рококо?

Ответ очевиден: отчетливый вкус сладострастия. Например, эту картину Франсуа Буше один из критиков назвал «самым долгим поцелуем в истории западноевропейской живописи»:

Интересно, что родоначальник французского рококо Антуан Ватто своих эротических работ стеснялся, а некоторые после своей смерти даже завещал сжечь. Но его картина «Туалет», тем не менее, положила начало «будуарному жанру». Уже у Буше и Фрагонара нагота не нуждается в «оправдании античностью», а приобретает современное звучание и беззастенчиво эротическую подоплёку.

«Его картины не лишены сладострастия, — с иронией писал о разнузданном эротизме Буше его самый злой критик Дени Дидро. — Голые ноги, бедра, груди, ягодицы. Они интересны мне в силу моей порочности, а вовсе не благодаря таланту художника».

Художники стиля рококо:

  • Антуан Ватто,
  • Франсуа Буше,
  • Жан-Оноре Фрагонар,
  • Иван Аргунов,
  • Никола Ланкре,
  • Жан-Марк Натье,
  • Шарль-Андре ван Лоо,
  • Элизабет Виже-Лебрен,
  • Федор Рокотов,
  • Дмитрий Левицкий,
  • Джованни Баттиста Тьеполо,
  • Пьетро Лонги,
  • Бернардо Беллотто,
  • Аделаида Лабий-Гийар.

Источник: https://artchive.ru/encyclopedia/1092~Rokoko

Рококо в живописи

Мир изысканности, интимных переживаний и вымысла, изощренной утонченности, декоративной театральности – всё это искусство рококо. Здесь нет места пафосу и героизму – им на смену приходит фантазия, игра в любовь, прелестные безделушки. В рококо тяжелая и патетическая торжественность барокко сменяется камерной хрупкой декоративностью.

Лозунг краткого и недолговечного «века» рококо — «искусство как наслаждение». Его цель: развлекать, возбуждать приятные, легкие эмоции, ласкать глаза причудливым узором линий, изящными сочетаниями нарядных светлых красок, это особенно выражалось в архитектурном убранстве интерьеров.

Так, с новыми требованиями и сообразовалась живопись рококо.

Для рококо характерен уход в мир идиллической и иллюзорной театральной игры, гедонистические настроения, пристрастие к чувственно-эротической и идиллически-пасторальной сюжетике. Во Франции возникло рококо в области архитектуры и сказалось преимущественно в характере декора, который приобрел утонченно-усложненные и подчеркнуто изящные формы.

При распространении в искусстве других европейских стран (постройка Нёймана И.Б., Кнобельсдорфа Г.В., Пёппельмана М.Д.), рококо частенько выступало местным вариантом позднего барокко. Живопись рококо, которая богата тонкими переливами цвета и в то же время несколько блеклая по колориту, имела преимущественно декоративный характер (примером служат картины и росписи Ф. Буше, Н. Ланкре, Ж.О. Фрагонара).

Художники рококо:

  • Аллан Рэмзи,
  • Антуан Ватто,
  • Антуан Пэн,
  • Бенджамин Уэст,
  • Бернардо Беллотто,
  • Владимир Боровиковский,
  • Джованни Баттиста Тьеполо,
  • Джованни Доменико Тьеполо,
  • Джошуа Рейнольдс,
  • Жан Батист Симеон Шарден,
  • Жан-Оноре Фрагонар,
  • Каналетто,
  • Карл Людвиг Христинек,
  • Морис Кантен де Латур,
  • Пьетро Лонги,
  • Томас Гейнсборо,
  • Уильям Хогарт,
  • Фёдор Рокотов,
  • Франсуа Буше,
  • Элизабет Луиза Виже-Лебрен.

Живопись рококо, которая тесно связана с интерьером отеля, получила своё развитие в станковых и декоративных камерных формах.

В росписи стен, плафонов, в гобеленах, наддверных панно преобладали современные и мифологические галантные темы, пейзажи, которые рисовали интимный быт аристократии, идеализированный портрет, который изображал модель в образе мифологического героя, пасторальный жанр. Утрачивал самостоятельное значение образ человека, фигуры превращались в детали орнаментального убранства интерьера.

Тонкая культура цвета, достижение общей легкости, которая подчеркнута светлой палитрой, умение построить композицию слитными декоративными пятнами, предпочтение серебристо-голубоватых, блеклых, розовых и золотистых оттенков, — всё это было присуще художникам рококо.

С развитием живописи рококо одновременно усиливалась роль реалистического направления. Достигли своего расцвета натюрморт, портрет, пейзаж, бытовой жанр.

Декоративное панно, в большей степени овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы стало самой распространенной формой живописного произведения.

В основании этого рисунка и композиции лежит мягко изгибающаяся линия, придающая произведению обязательную для этого стиля нарядность и вычурность.

Рокайльные мастера в своих колористических исканиях шли от Веронезе, Рубенса и венецианцев, однако, отдавали предпочтение не их насыщенным, сочным цветам, а бледным полутонам: синий становится голубым, красный – розовым, появляются блекло-голубые, розовые, лимонно-желтые, сиреневые цвета, даже вымышленные — вроде «цвета бедра испуганной нимфы».

Одним из представителей этого стиля был талантливый А. Ватто, который дал наиболее совершенное воплощение принципам данного стиля. Меланхолическая мечтательность и эмоциональность придают характерам образов Антуана Ватто особую утонченность, которую уже не достигают непосредственные последователи мастера.

Они превратили его манеру и мотивы в поверхностную и изысканную моду (Патер, Ланкре, Кийар).

Ученик Франсуа Лемуана Франсуа Буше стал крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства. Он был великолепным колористом и рисовальщиком, мастером занимательных любовных сюжетов. Целой плеяде мастеров, таких как Антуан Куапель, братья Ванло, Натуар и многие другие живопись Буше диктовала законы и это влияние продержалось во Франции вплоть до Революции 1789.

Среди значительных мастеров рококо были художники самого различного дарования, которые обращались к самым разным жанрам живописи: Луи-Мишель Ванло, Токке, Ж.М. Наттье, Латур, Друэ, Перроно. Жан Оноре Фрагонар был последним крупным живописцем рококо, тонкий пейзажист и портретист, как и Ватто, который не вписывался в рамки просто модного стиля.

Источник: https://allpainters.ru/napravleniya/rokoko.html

Самые известные русские художники-портретисты и их портреты с названиями

Великие русские художники-портретисты
Портреты самых известных русских художников
Самые дорогие портреты русских художников


Портретная живопись на Руси появилась еще в эпоху Средневековья и ограничивалась в основном писанием икон, хотя есть и более ранние произведения от XI и XII веков. Первые портреты конкретных людей стали появляться лишь в XVII веке, однако многие из них не дошли до нашего времени. Поэтому мы рассмотрим известных живописцев XVIII – XX веков, чьи работы сегодня представлены в государственных и частных коллекциях и высоко ценятся на аукционах.

Великие русские художники-портретисты


Начнем рассмотрение списка известных русских художников с Боровиковcкого и Кипренского, трудившихся в XVIII – начале XIX веков.


Владимир Боровиковский начинал свою живопись с иконописи, однако после переезда в Санкт-Петербург быстро прославился на весь город своими прекрасными портретами. Его заметила сама Екатерина II, поэтому художнику позировала не только она, но многие знатные особы и целые семейства. В те годы набирал моду сентиментализм, который в исполнении Боровиковского умело сочетался с академической живописью. В результате этого акцент смещался со статуса на индивидуальность героя, на передачу его чувств и внутреннего мира через плавность линий, мягкость переходов, органично подобранный фон. Яркими примерами его портретов являются «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке», потрет М. Лопухиной, портрет Павла I и другие.

В. Боровиковский. «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.


Знатные особы заметили и талантливого Ореста Кипренского. Они пригласили его работать при дворе великой княгини Екатерины Павловны, а затем при поддержке императрицы помогли совершить поездку за рубеж для знакомства с работами известных мастеров. Кипренский рисовал не только богатых персон, но и запечатлел популярных современников, благодаря чему сохранились прекрасные портреты Пушкина, Жуковского, Давыдова, Трубецкого и многих других выдающихся людей. Его трудами на свет появились и портреты многих участников Отечественной войны 1812 года.

О. Кипренский. Портрет А. Пушкина. 1827 г.


В XIX веке трудилась целая плеяда талантливых русских художников, среди которых такие известные мастера, как Репин, Васнецов, Суриков, Брюллов, Перов и другие. Каждый из них внес в русскую портретную живопись что-то свое, что способствовало расцвету этого жанра.


Карл Брюллов стал основателем романтического портрета, так как он уделял большое внимание не статусу героя или передаче его портретного сходства, а его психологическому образу. Благодаря особому колориту, передаче эмоций и подбору подходящего интерьера художнику удавалось знакомить зрителя с характером и интересами героя.

К.П. Брюллов. «Всадница». 1832 г.


Василий Перов работал над неким социально-психологическим портретом, демонстрируя духовный мир через разнообразные чувства моделей. Критики отмечали, что художнику удалось добиться невероятной правдивости в своей портретной живописи и чего-то неизменного, что никогда не выйдет из моды. Перов написал множество портретов известных русских писателей, ученых, деятельных персон. Многие из них художник писал по заданию Павла Третьякова, и они выходили столь удачно, что образы различных известных русских представителей культуры, искусства или науки слились с теми, что созданы умелой рукой талантливого Перова.

В. Перов. Портрет Ф. Достоевского. 1872 г.


Блестящими портретами известных людей порадовал зрителей и известный живописец Илья Репин. Он создал столь огромную серию великолепных портретов своих современников, что превзошел в этом остальных портретистов. Если одни художники сосредотачивались на чувствах своих моделей, другие на их характере, то Репин пытался изобразить каждого известного человека как творчески мыслящую личность. И этот живой пытливый ум читается во взгляде многих его героев, среди которых были такие известные люди, как Толстой, Шишкин, Пирогов и Мусоргский.

И. Репин. Портрет писателя Л. Толстого. 1887 г.


Интеллигенцию изображали и такие художники, как Крамской, Маковский, Васнецов или Суриков. Иван Крамской использовал особый глухой фон, который позволял зрителю сосредоточиться только на чертах лица изображенной персоны и не рассматривать ненужные детали. Константин Маковский, напротив, окружал каждого героя изобилием деталей, а самого его изображал идеальным в роскошной обстановке. Критикам такой подход не нравился, однако заказчики нисколько не были против такой идеализации и платили художнику огромные деньги. Для Виктора Васнецова и Василия Сурикова портретная живопись основной не была, тем не менее, они подарили миру множество прекрасных работ.

К. Маковский. Портрет В. Волконской. 1884 г.


В XX веке яркие портреты представили общественности Коровин, Серов, Богданов-Бельский, Нестеров и многие другие. В этот период в портретной живописи начинается уход от академической школы и развиваются разнообразные живописные стили. Так, Константин Коровин и Валентин Серов в числе первых создали картины в стиле импрессионизма. Портрет хористки Коровина даже сняли с выставки, посчитав слишком вызывающим и непонятным, однако позже он был признан подлинным шедевром, равно как и «Девочка с персиками» Серова. У Зинаиды Серебряковой импрессионистская манера письма наложилась на умение подмечать все красивое. Ее модели выглядели хрупкими и женственными, что значительно выделяло ее работы среди других.

З. Серебрякова. Портрет О. Лансере. 1910 г.


У Бориса Кустодиева к импрессионизму добавился модерн: помимо характерных для импрессионистов широких мазков он использовал прием разворота героя на три четверти к зрителю и размещения его в углу комнаты.

Б. Кустодиев. Портрет Ю. Кустодиевой с дочерью Ириной. 1908 г.


Константин Сомов изобрел так называемый ретроспективный портрет, при котором он изображал модель в нарядах или обстановке прошлых столетий.

К. Сомов. Портрет Е.П. Носовой. 1911 г.

Портреты самых известных русских художников


Рассмотрим ряд известных работ именитых русских портретистов, которые высоко оценили зрители и коллеги по цеху.


У Владимира Боровиковского назовем несколько чувственных портретов женщин: портрет сестёр А.Г. и В.Г. Гагариных, портрет М.И. Лопухиной и портрет Е.А. Нарышкиной. Все три работы написаны художником в течение пяти лет и стали отправной точкой для его сентиментальных портретов. В них на первое место выдвигается женственность, мягкость и чувственность девушек вместо их высокого положения в обществе, что подчеркивается спокойным гармоничным фоном, плавными линиями и мягкими переходами одного оттенка в другой. Такой подход был оригинальным для своего времени и быстро сделал художника знаменитым.

Портрет сестёр А.Г. и В.Г. Гагариных. 1802 г.


У Кипренского есть такие широко известные произведения как «Бедная Лиза», портрет В.А. Жуковского, портрет отца А.К. Швальбе, упомянутый выше портрет А.С. Пушкина и автопортрет 1828 года. Расскажем подробнее о последнем. В автопортрете Кипренский изобразил себя в характерной для него манере романтизма. Мы видим на нем восточный халат, на которые тогда была мода, некоторую небрежность в прическе и рубашке и целую гамму чувств на лице. Это и любезная полуулыбка, и проницательность ко всему происходящему, и некоторая тревога за будущее. Интересно, что за несколько лет до этого в 1820 году художник написал более строгий автопортрет по заказу галереи Уффици, расположенной во Флоренции (старейшая и наиболее известная в Европе галерея). Фактически Кипренский стал одним из первых русских художников, чья работа украсила знаменитую галерею. Рассматриваемый нами автопортрет от 1828 года тоже не остался незамеченным, так как в 1870 году его приобрел в свою коллекцию Павел Третьяков. Работа и поныне находится в Третьяковской галерее.

О. Кипренский. Автопортрет. 1828 г.


У Карла Брюллова помимо упомянутой выше картины «Всадница» есть замечательные портреты знаменитого баснописца И.А. Крылова, княгини М.А. Бек и картины «Итальянское утро» и «Итальянский полдень». О последних расскажем подробнее, так как они стали судьбоносными в жизни художника.

К. Брюллов. «Итальянское утро». 1823 г.


Жанровый портрет «Итальянское утро» с изображением полуобнаженной умывающейся девушки сделал Брюллова известным и столь понравился Обществу поощрения художников, что оно преподнесло его императору Николаю I и его супруге. Императорская чета наградила мастера бриллиантовым перстнем и заказала парную к ней картину. Однако вторая работа под названием «Итальянский полдень» привела к обратному эффекту: коллеги по живописи обвинили художника в том, что он отошел от академических эталонов красоты и осмелился рисовать пышнотелую девицу. Брюллов в ответ на такое неприятие разорвал связи с обществом художников и заявил, что картина — не статуя, и в ней вполне допустимо приближаться к тем формам, которые реалистичны и больше нравятся нам.

К. Брюллов. «Итальянский полдень». 1827 г.


Среди многочисленных удачных портретов Перова мы в качестве примера возьмем портрет Островского. Эту картину считают одной из лучших не только среди работ художника, но и в русской портретной живописи в целом. Перов любил творчество Островского и запечатлел его без пафоса и прикрас таким, каким нередко видел. Великий драматург предстает перед зрителем в домашней одежде без эффектного фона или красивых атрибутов. Это помогает сосредоточиться на его пытливом взгляде, проницательности и глубоких эмоциях. Портрет быстро стал известным, переместился в Третьяковскую галерею и позже неоднократно печатался на марках.

В. Перов. Портрет А.Н. Островского. 1871 г.


Как мы отметили ранее, Илья Репин создал огромную галерею портретов популярных современников. Среди них особенно отметим портрет Мусоргского, ставший одной из известнейших работ именитого русского художника. Это единственный портрет, который был создан при жизни Мусоргского, ушедшего из жизни всего в 42 года. Нашего современника может удивить, почему великий композитор изображен с красным носом в халате и всклокоченными волосами. Но это вполне объяснимо, так как Репин спешно писал его портрет в больнице за несколько дней до кончины композитора. Художник не отступил от своих принципов реализма и показал великую личность во всей полноте и многогранности. С одной стороны, мы видим изможденного алкоголизмом, неприятием общества и болезнью человека, с другой сильного человека с ясным и пытливым взглядом.

И. Репин. Портрет композитора М.П. Мусоргского. 1881 г.


У Кустодиева не менее популярен портрет Федора Шаляпина, ставший одним из лучших в портретной живописи мастера. Несмотря на то, что художник на момент написания портрета был прикован к инвалидному креслу, он не отказался от идеи написать большой двухметровый холст. Чтобы воплотить ее в жизнь, Кустодиеву приходилось работать над отдельными частями портрета в положении полулежа и использовать специальные устройства для наклона холста. Жанровый портрет полностью отражал народный дух оперного певца и так понравился ему, что Шаляпин высокого ценил его и бережно хранил в своем доме. Кустодиев же сделал уменьшенную авторскую копию и представлял ее на выставках. Позже обе работы были переданы в музеи, где и хранятся сегодня.

Б. Кустодиев. Портрет Ф.И. Шаляпина. 1922 г.


Еще одним популярным портретом стала картина Сомова «Дама в голубом». Игорь Грабарь даже называл ее «Джокондой современности», настолько точно образ женщины отражал характер Серебряного века. Современники художника были одновременно и захвачены жизнью, и испытывали грусть от недоверия к ней. Особенностью портрета стали не только противоречивые чувства дамы, но и ее странный наряд из предыдущих веков. Картину быстро заметили на выставке «Мир искусства», однако в Третьяковскую галерею она попала только благодаря В. Серову, так как другие Члены Совета галереи не хотели голосовать за странную работу.

К. Сомов. «Дама в голубом». 1897–1900 гг.

Самые дорогие портреты русских художников


Посмотрим, искусство каких русских художников особенно ценится на крупных аукционах в последнее время. Мы рассмотрим несколько наиболее крупных уходов портретов в период с 2000 по 2020 годы.


Первую тройку самых дорогих портретов открывают образы женщин. Дороже всего оценили образ актрисы кабаре, запечатленной художницей Тамарой де Лемпицки в работе Portrait de Marjorie Ferry. Эта работа была выставлена в аукционном доме Christie`s в 2020 году и ушла с молотка за 21 млн долларов (16,3 млн фунтов стерлингов).

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.


На втором месте оказался портрет «Шокко» художника Алексея Явленского. Картина была представлена на аукционе Sotheby`s в 2008 году и ушла за 18,6 млн долларов.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.


Замыкает тройку портрет Марии Цетлиной, созданный Валентином Серовым. Это великолепная работа попала на аукцион Christie`s в 2014 году из музея и, конечно, вызвала ажиотаж среди покупателей. Ее охотно купили за 14,5 млн долларов (9,3 млн фунтов). Подробнее о трех описанных картинах вы можете почитать в статье о самых известных женских портретах.

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.


На четвертом месте расположился портрет «Маленький ковбой», созданный известным русских художником Николаем Фешиным. Эта работа поступила на аукцион MacDougall`s в 2010 году из галереи Stendahl Лос-Анджелеса. Холст считается одним из самых блестящих портретов художника, в котором Фешину удалось создать целостный и колористически изящный образ маленького ковбоя. Так как за полгода до этого картина уже уходила с аукциона William Doyle за 500 тыс. евро, на MacDougall ее выставили по стартовой цене 500-700 тыс. фунтов. Однако один из телефонных покупателей так горячился, что нередко прибавлял сразу по полмиллиона фунтов. В итоге жарких торгов цена взлетела до рекордных 7 млн фунтов (10,9 млн долларов), что стало сенсационной продажей. После этого Фешин оказался в десятке самых дорогих продаж картин в категории русской живописи. На февраль 2021 года он переместился на 13 место, но по-прежнему обгоняет своего учителя Илью Репина.

Н.И. Фешин. «Маленький ковбой». 1940 г.


Еще один портрет, проданный за миллионы долларов, принадлежит талантливому русскому художнику Юрию Анненкову. Живописец создавал картины в своей оригинальной манере, используя самые разные приемы, смешивая стили и направления так, что даже критики не могли предугадать его следующей работы. Именно эта оригинальность и живописная смелость привели его к славе и узнаваемости его картин, особенно портретов. В 2014 году на торги аукционного дома Christie`s попал один из таких ярких портретов, созданный в смешанных стилях. На картине запечатлен А.Н. Тихонов, а сама она экспонировалась на международной выставке в Венеции в 1924 году. С аукциона портрет ушел за 6,2 млн долларов (4 млн фунтов).

Ю.П. Анненков. Портрет А. Тихонова. 1922 г.


Портреты известных русских художников можно перечислять еще долго, ведь в этом жанре работали не только портретисты, но и пробовали себя практически все именитые мастера живописи. Одни из них писали популярных современников и знатных особ, другие искали и создавали свой образ женщины через женские портреты, а третьи не менее увлеченно писали самих себя. Благодаря этому зритель сегодня может найти в русском портрете большое разнообразие образов, эмоций, идей и художественных приемов.

Портреты Фёдора Рокотова в собрании Государственного исторического музея

Фёдор Степанович Рокотов

1735/36–1808

Фёдор Рокотов — крупнейший портретист и одна из значительных фигур русского искусства XVIII в.

Будущий художник родился в подмосковном имении князя П. И. Репнина в Воронцово. Работы способного юноши были замечены Иваном Шуваловым, знаменитым меценатом, отбиравшим молодые таланты для создаваемой Императорской Академии художеств. Будучи приверженцем идеи создания самостоятельной русской художественной школы, Шувалов пригласил Рокотова в Петербург. В 1757 г. юноша начал своё обучение в Академии художеств, которая на тот момент располагалась в доме Шувалова. Собрание картин западноевропейских художников произвело огромное впечатление на Рокотова — он даже запечатлел интерьер петербургского дома Шувалова на одной из своих работ.

В столице Фёдор Рокотов поступил в Сухопутный шляхетский корпус, где написал несколько кадетских портретов.

Благодаря высокому покровительству Рокотов попал в круг людей, тесно связанных с искусством и получил возможность исполнять весьма ответственные заказы.

В 1758 г. художник написал портрет наследника престола, будущего императора Петра III. За этим портретом последовали детские портреты великого князя Павла Петровича, портреты И. И. Шувалова и его родственников, Г. Г. Орлова и его брата Ивана. В 1763 г. Рокотов был приглашён в Москву писать коронационный портрет Екатерины II. Современник (академик Штелин), посетивший в 1764 г. мастерскую Рокотова, увидел в ней около сорока портретов, «в которых были окончены одне головы». Это количество работ свидетельствует не только о блестящем успехе молодого живописца, но и о его невероятной работоспособности. Он был автором многочисленных камерных портретов современников, в которых стремился передать эмоции и характер моделей. Портреты художнику заказывали многие петербургские дворяне и члены императорской семьи.

Творчество Фёдора Рокотова объединило европейскую и национальную художественные традиции. Как каждый крупный портретист Рокотов имел и дар исторического живописца, запечатлевая внешние приметы времени — в мундирах, орденах, моде, но главное — передавал «исторические характеры» и сам дух времени в образах своих портретов — будь то монаршее величие, сановная важность или внимательная благосклонность его героев.

Большую часть работ коллекции Исторического музея составляют произведения 1770‑х гг. — центрального периода творчества художника, когда он создал свой неповторимый тип камерного портрета. Рокотов умел убедительно передать представление об уникальности и драгоценности каждой человеческой души, оценить ее достоинство, почувствовать её глубину и трепетность. Герои его портретов — люди разных возрастов, судеб и характеров: это — В. И. Стрешнев, переживший долгие годы опалы при Елизавете Петровне, известная московская красавица Васильчикова, мать большого семейства Ф. Н. Ржевская, юные кузины княжна М. А. Волконская и княгиня А. Ф. Белосельская. Один из наиболее глубоких в творчестве Рокотова — образ поэта А. П. Сумарокова.

Редкие не только для творчества Рокотова, но и для всего искусства XVIII в. изображения детей представлены в собрании Исторического музея портретами двух совсем маленьких персонажей — Александры Глебовой и великого князя Александра Павловича. Они приоткрывают ещё одну привлекательную страницу творчества мастера, сумевшего в своих детских образах почувствовать «тайну детства».

Художников по направлению: Рококо

Художественное движение

Рококо наполнил мир искусства и дизайна интерьеров аристократическим идеализмом, который отдавал предпочтение сложному орнаменту и замысловатым деталям.Картины, ставшие визитной карточкой той эпохи, были созданы в честь грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, развившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, чрезмерный союз декоративного и изящного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов. Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащемся цвете. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Этот термин относился к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто. Его «приемная» для Королевской академии пейнтюра и скульптуры, Посадка на Киферу (1717), по сути, положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Изображение аристократов, одетых как для бала или в костюмах, которые винят, обедают и занимаются любовными развлечениями в садах и парках Аркадии, стало чрезвычайно популярной темой.Он не только понравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, включая мифологические сюжеты, к высшей категории.

В начале своей творческой карьеры Ватто присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell’arte , или комикса. театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубенса «Жизнь Марии Медичи » (1622–1625 гг.) Из серии «». дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике использования трех мелков, что означает использование красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Под влиянием Рубенса и Ватто Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, в которой аристократическая элегантность сочетается с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он в равной степени оказал влияние на декоративное искусство, театральные постановки и дизайн гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств.

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай.Она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником короля до самой своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа. Среди других известных художников французского рококо были Жан-Батист ван Лоо и Франсуа Лемойн. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, которые можно увидеть в его Апофеоз Геракла (1733-1736), написанном на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Картина заняла лидирующую позицию в итальянском рококо , примером которой являются работы венецианского художника Джамбаттиста Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с квадратурами или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо было также известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как Венеция: Санта-Мария делла Салюте (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами произведений искусства и покровителями, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, ранее использовавшейся только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее Портрет Людовика XV как Дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

Английский рококо , который называли «французским стилем», был более сдержанным, так как излишества стиля были встречены мрачным протестантизмом. Это прослеживается в творчестве британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, включая философа Вольтера и искусствоведа Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались и в ХХ веке, как видно из описания в словаре 1902 года.« Следовательно, рококо используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ». , поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал пользоваться популярностью во всех французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось в Британии и Бавария.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, в 20 веке был назван «Le gout Ritz». Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге. Также заново открытая братьями де Гонкур, сюжеты commedia dell’arte Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитора Арнольда Шенберга и хореографа Джорджа Балана.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст. для искусства, выражающего те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно из логотипа Ай Вэйвэя (2017), где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в массовой культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

См. Также Рококо (стиль)

Источники:
www.theartstory.org

Википедия:
https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

Федор Рокотов (1736-24 декабря 1808), русский художник, портретист

Фон

Федор Рокотов родился в 1736 году в небольшом подмосковном селе в семье крепостных крестьян князя Репнина.О его детстве и юности известно мало.

Образование

С 1760 года Федор Рокотов изучал искусство в Академии художеств в Санкт-Петербурге.

Карьера

Хотя Федор Рокотов был крепостным или вольноотпущенником по рождению, в его творчестве не было никаких следов его скромного происхождения.Скорее, лица на его картинах были отмечены изысканностью, отсутствующей в других портретах того времени. Несмотря на головокружительные успехи, обеспечившие ему императорские ордена, звание академика и дворянство, он никогда не забывал своего происхождения.

Стремительный рост Рокотова начался под покровительством графа Ивана Шувалова, основателя первого в России университета в Москве в 1755 году и Академии художеств в Санкт-Петербурге в 1757 году, фаворита императрицы Елизаветы.Именно благодаря графу Шувалову 20-летнему Рокотову была предоставлена ​​возможность написать портрет наследника престола Великого князя Петра Федоровича (впоследствии Петра III), а в 1760 году по распоряжению графа Рокотов был принят в академию.

В 1762 году при представлении своего портрета только что вступившего на престол Петра III Рокотов был произведен в придворный художник. Годом позже он написал портрет новой императрицы Екатерины II в 1763 году, который должен был стать образцом для более поздних портретов, и его много копировали.Рокотову стало трудно справляться с растущим числом заказов, порой ему приходилось одновременно работать над примерно 50 портретами. Наконец, в 1765 году ему было присвоено звание академика. Но на пике своей славы Рокотов неожиданно уехал из Санкт-Петербурга в более провинциальную Москву, используя свое недавно обретенное звание, чтобы дистанцироваться от посягательств императорского двора на свою творческую свободу.

В Москве Федор Рокотов, насколько мог, избегал всех официальных просьб о картинах, но охотно рисовал членов московского общества в небольших интимных портретах.Это были портреты до плеч или до пояса, их оттенки основывались на нежных выцветших тенях, освещенных так мягко, что контуры были расплывчатыми, холст проступал сквозь хрупкие цвета. В этих портретах формы утратили свой объективный характер, их хрупкость стала отражением тонкости духовной жизни героя. Эта драгоценная сущность образов не меняется от портрета к портрету: душа, управлявшая воображением Рокотова, была идеальной и укоренилась в самых разных чертах.

Порой его портреты по желанию покровителя отмечены печатью социального ранга — как это видно, например, на портрете графини Екатерины Орловой, одной из фрейлин Екатерины II. , изображенный в подобающем одеянии и с непроницаемым надменным, но в то же время вежливым выражением лица, созданный в 1779 году. Реже, когда хрупкий идеал совпадал с действительностью, он получал открытое проницательное воплощение, как на портрете 18-летнего — старая Александра Струйская, с семьей которой дружил Рокотов, и молодой князь Иван Барятинский, созданный в 1780-х годах.

Своеобразие живописи Рокотова — изысканные оттенки, нежное освещение, музыка неуловимых линий и кривых — во многом проявило влияние итальянского живописца Пьетро Ротари, который познакомил с живописью рококо в Санкт-Петербурге, где он жил с 1756 по 1762 г. Рокотов серьезно относился к утонченному языку, выражавшему изящную игру чувств рококо, и старался использовать его как живое выражение своего времени. В последние годы жизни Рокотов почти исключительно писал портреты женщин.Последние работы художника относятся к 1790-м годам. Умер 24 декабря 1808 года.

Просмотры

Федор Рокотов придерживался художественных традиций рококо.

Федор Рокотов (1735 / 36–1808). К 275-летию со дня рождения

Федор Рокотов ( 1735 / 36–1808 ) .К 275 день рождения юбилей

Новое видение, которое
определили развитие изобразительного искусства в эпоху реформ, проведенных
Петра Великого, породили новые формы искусства, а портрет стал одним из
их. Активному развитию жанра способствовал пробудившийся интерес к
яркая и сильная личность, воплотившая в себе дух времени:
энергичный, жаждущий знаний и действий. Этакая личность
«Открытие» — это участие в искусстве, которое, в свою очередь, постепенно приобретает
светский характер.В образах пейзажистов и скульпторов.
На первый план вышла как социальная, так и «государственная» ценность изображаемого.

Во второй половине 18
Вековой портрет наполняется все более сложной и глубокой ценностью. В
идеи французских просветителей (обративших мыслящую Европу к проблеме
свобода и достоинство личности, а также ее «естественные» права) приходятся на
плодородная почва в России: эти идеи получили поддержку императрицы
Екатерина II в самом начале своего правления, провозгласившая равенство
все люди перед законом в ее знаменитом «Мандате».Концепция
«Гармоничная личность», живущая в гармонии с природой, становится органической частью
художественной программы того времени. Многие великие мастера вдохновляются
идеалы Просвещения. Ярко выделяется своеобразный талант Федора Рокотова.
среди этих художников: в его творчестве портретное искусство наследует
следующие черты характера, такие как духовность, близость и лиризм, которые были
ранее неизвестный этому виду искусства.

Многие обстоятельства
Жизнь художника до сих пор неизвестна.Федор Рокотов родился в 1735 или 1736 году в г.
деревня Воронцово под Москвой. Есть ряд теорий о его
происхождение: по одной из них — крепостной князя Петра Репнина;
по другому — он дворянин. Рокотов провел раннее детство
лет в Москве. Он знакомился с гайками и болтами прекрасного
искусства в одной из иконописных мастерских. Возможно, граф Шувалов — это
фаворит императрицы Елизаветы II, покровитель многих художников и один из
основатели St.Петербургская Академия художеств — узнала о талантливом
юноша через князей Репниных. Предположительно, это было по приказу графа
что в 1760 году Рокотов был принят в Академию, где проучился два
лет под руководством таких учителей, как Луи Жозеф Ле Лоррен, Луи Жан Франсуа Лагрене и Франческо Фонтебассо. После получения в 1762 г. звания
Адъюнкт живописи, а в 1765 г. — академик, начал преподавать в
Академия художеств. В середине 60-х Рокотов вернулся в Москву.(Даже сегодня
дом, в котором он жил, стоит на Старо-Басманной улице (после ее
реконструкция)). Не имея семьи, художник воспитывал двоих.
племянники — сыновья его старшего брата, умершего в молодости.

После холода и официального Петербурга Москва была
город, в котором дышать было намного легче: здесь художника окружали
представители интеллигенции — Голицыны, Репнины,
Воронцовы, Куракины — европейское образование, здравомыслящие, больше
свободный и независимый.(Со времен Петра I Москва была «притаившейся
место для опальных дворян »). Его московский круг друзей, его социальный
общение с известными писателями и поэтами — Сумароковым, Майковым, Херасковым и
Струйский — способствовал развитию интимности в творчестве Рокотова.
Лучшие художественные работы в исполнении художника созданы в Москве.

Рокотов очарован
загадка человеческой души; эта тайна созданных образов скрыта в
взгляд, поворот головы, слабая улыбка.Перед нами стоит человек в своей тайне и
загадочная природа. Лицо — его подвижные черты, отражающие тонкие эмоции —
становится главной чертой портрета. Особая «рокотовская» манера письма — легкость.
и резкость карандаша или кисти, воздушность фактуры живописи — позволили
художника запечатлеть духовное Я современника во всей его глубине и
сложность.

Три художественные работы в исполнении
Федора Рокотова хранятся в Национальном художественном музее Республики
Беларусь.

Портреты замужних
Чета Шереметьевых была создана в 1770-х годах.

Хорошо известно о
Василий Шереметьев (1743–1806), что он служил в лейб-гвардии Конного.
Полка, и что он был коллежским вожатым.

Умный и деликатный
озаренное изнутри золотистым блеском лицо привлекает внимание своим удивительно
возвышенные черты лица.
Его серые глаза задушевно и
откровенно пялился на нас; есть ясность мысли и ощущение наполненности
и богатство внутренней жизни внутри них. Во всем облике Шереметьева есть
печать утонченной культуры, щедрости и подлинного ума.«Духовный
аристократичность »модели подчеркнута мягкостью света и
плавные линии и скроенные темные тона палитры.

Прическа «помпадур»,
увенчанное перьями, видно изящное платье, украшенное мехом и кружевом.
у портрета. Ощущение внутренней силы и, прежде всего, человеческое
достоинство проявляется в грациозности и стройности, в гордой и уверенной
осанкой и спокойным взглядом узких темных глаз. Жена Василия Шереметева —
Анна Шереметьева (1759–1821) — бросается в глаза в таком виде,
который описан выше.Пасмурный и мрачный воздух, переливающийся оттенками
серого, красного, золотого и коричневого, окутывающего тонкую фигуру, мастерски передана
художником.

Дыхание эпохи,
провозгласившей свободу человеческого духа и уважение к личности,
чувствуется в сложной эмоциональной композиции портретов. Овальное полотно, которое
любимая Рокотова, композиционно сочетает в себе образы супругов.
Шереметьевых, подчеркивая их внутреннюю, духовную «гармонию».

Портрет Анны
Кутайсова (1760–1848), жена графа Ивана Кутайсова — фаворитка Павла.
I, созданная в начале 1780-х годов, завораживает зрителей очарованием цветения.
женственность.Художник нежнейшей кистью изображает молодое лицо,
сияет на темном фоне, как драгоценный жемчуг. Он создает свои произведения искусства
с непостижимой живописной элегантностью. Изображение приобретает живую
непосредственность и очарование утренней небрежности костюма; пушистые локоны
парика, свободно лежащего на ее плечах; радость и искорка в ее глазах;
и сквозь ее яркие губы коснулась легкая улыбка. Молодая женщина
стоит перед нами во всей полноте своего естественного состояния, не стесненная
условности бомонда.Она — воплощение молодости и радости жизни.
жизнь. Красоту и поэтичность ее внешности подчеркивает мягкий серебристый
и угольно-серая палитра.

«Живопись — один из способов
создания Вселенной ». Это чудесное выражение принадлежит Архипу Иванову,
автор трактата — «Концепция идеального художника» 1789 г.,
И это в полной мере можно отнести к творчеству Федора Рокотова.

Как и другие великие мастера
кистью Рокотов создал свой потрясающий и неповторимый мир, в котором личность
предстает перед любым зрителем как величайшая тайна, когда-либо созданная Природой.

Поэма Николая
Заболоцкий вдруг возвращается в память:

Ты помнишь, как из
темнота,

Слегка завернутый в атлас

Опять от Рокотова
изображение

Дама Струйская смотрела
на нас?

Ее прекрасные глаза похожи на два
туманы,

Половина улыбки, половина
крик,

Ее прекрасные глаза похожи на два
ложь,

Оба покрыты злом
состояния.

И когда густая тьма
установка в

И сильный шторм
пивоварение,

Просто из нижней части моего
душа

Ее прекрасные глаза начинают
просвет …

Авторы проекта:

Текст — научный сотрудник НАМ РБ Марина Щербакова

Иллюстративный материал (цифровая визуализация произведений искусства) — Козлов Дмитрий

Размещение веб-сайта — Начальник отдела мультимедийных технологий
Отдел научно-воспитательной работы НАМ РБ Яницкая Полина

Авторы проекта выражают особую
признательность Хранителю фондов, ведущему научному исследователю НАМ
РБ — Елена Шапошникова.Они очень благодарны ей за поддержку и помощь в
процесс организации выставки.

Федор Степанович Рокотов — биография и картины — Музеи и искусство

Вы помните, как из тьмы прошлого
Еле атласа
Снова с портрета Рокотова
Струйская смотрела на нас?

Эти линии были написаны Николаем Заболоцким на портрете Струйской кисти Федора Степановича Рокотова.На момент создания шедевра он был уже сформировавшимся талантливым мастером со своим неповторимым и узнаваемым почерком. Но первые годы его жизни скрыты туманом прошлых лет, поскольку точные документальные данные практически не сохранились.

Будущий художник родился в Воронцово — имении князей Репниных. Информации о его происхождении нет. Однако есть предположения, что он учился в Сухопутном корпусе Шляхеты параллельно с обучением в Академии художеств.Он вышел в отставку, получив чин капитана, дававший право принимать дворянство.

Буквально с первых опытов в живописи мастер определился с направлением своего творчества — портретом. Изначально его работа была довольно простой и ничем особенным не выделялось, но его будущее как великого портретиста было еще впереди.

После окончания Академии он стал преподавать там, а в 1763 году создал настолько удачный коронационный портрет императрицы Екатерины II, что по ее указу все последующие изображения должны основываться на его творчестве.Однако даже после получения звания академика художник не имел возможности продолжить деятельность портретиста, так как это было запрещено руководством Академии. Во многом из-за этого он был вынужден переехать в Москву.

Московский период творчества художника принес ему огромное количество заказов и невероятную популярность. К 30 годам мастер создал множество семейных портретов, в которых проявились основные черты творчества художника — повышенное внимание к чертам лица и характеру персонажа, а не к антуражу.

Есть предположение, что Рокотов был членом масонского братства и живо интересовался политическими событиями. У него не было своей семьи, но он сумел выкупить племянников из крепостного права и сделать их своими наследниками.

За годы работы мастер создал множество портретов, наиболее ценными с художественной точки зрения были те, которые отличались особой «рокотийской» дымкой. После 80-х эта особенность в его работах постепенно исчезает, и художник начинает больше внимания уделять мелким деталям и тонкостям нарядов и предметов интерьера.

После ликвидации масонских обществ в Москве и падения видения художника его картины изменились. Уходят те красочные и тонкие переливы, которые были так характерны для его творчества.

Есть предположения, что в последнее время мастер работал с группой учеников, что объясняет большое количество неподписанных картин в стиле художника. Поскольку он был необычайно моден в высшем обществе, ему подражали и пытались копировать его оригинальный стиль письма.Однако мастер оставил множество портретов, безоговорочно подтверждая свое авторство и создавая ему бессмертную славу. Один из них, пожалуй, самый известный — портрет Струйской, поражающий живостью образа этой молодой женщины и особой атмосферой, окружающей ее внешность.

Посмотрите видео: Натюрморт маслом (октябрь 2021 г.).

Федор Рокотов, самый поэтический портретист

Портрет неизвестного мужчины в гвардейской форме

Федор Рокотов — русский художник, крупнейший московский портретист, работавший в эпоху русского Просвещения.Он стал одним из любимых мастеров русского дворянства. Рокотов был самым поэтичным портретистом XVIII века.
Мальчик родился в тридцатых годах XVIII века в подмосковном имении князя Репнина Воронцово. Будущий художник был сыном крепостного.
В 1755 году И. Шувалов приехал в Москву для набора одаренных юношей в Академию художеств в Петербурге. Он заметил Рокотова и отвез его в столицу. В первые годы после приезда в Петербург писал преимущественно кадетов.Получив звание капитана, он уволился с военной службы.
С 1757 г. Академия размещалась в доме Шувалова. По словам Якоба Стелина, Рокотова учили иностранные мастера Луи Ле Лоррен и Пьетро Ротари. В 1760 году молодой художник поступил в Академию по рекомендации графа Шувалова.
Вы знаете, в 1763 году его пригласили в Москву для написания коронационного портрета Екатерины II. Императрице очень понравился ее портрет, и она приказала изобразить лицо по оригиналам Рокотова.Одновременно он написал портрет фаворита императрицы Григория Орлова.

В 1765 году Рокотову было присвоено звание академика. Хотя преподавание в Академии было низкооплачиваемым, Иван Бецкой запретил академикам заниматься частной портретной практикой. Вероятно, по этой причине в конце 1766 года Рокотов покинул Петербург и вернулся в Москву. За свою работу Рокотов взял всего 50 рублей, что в 15 раз меньше, чем иностранные посетители. Основное внимание уделялось схожести лица, а не одежде и другим деталям.
С конца 1760-х до начала 1790-х годов художник написал большое количество портретов.
В 1772 году Рокотов стал одним из основателей Московского английского клуба.
У художника не было собственной семьи, и племянников он сделал своими наследниками.
О последних двадцати годах его жизни информации мало. Его племянники построили успешную военную карьеру.
Художник скончался 24 декабря 1808 года в Москве. Похоронен племянниками на кладбище Новоспасского монастыря, где его могила быстро затерялась.

Екатерина II по Рокотову

Советский поэт Николай Заболоцкий посвятил свое стихотворение портрету А.П. Струйской в ​​1953 году:
Вспомните, как из глубины времени,
Таинственный и бледный,
Струйская, в атласной, посмотрела вниз
С изображения Рокотова.
Ее глаза два тумана,
Полу-радость, полу-горе,
Ее глаза похожи на двойной обман.
Союз двух загадок,
Полуэкстаз, полутерр,
Волна безрассудной нежности,
Видение смертельного ужаса.
Источник: www.artsait.ru

Федор Рокотов, самый поэтический портретист

Князь Дмитрий Михайлович Голицын

Портрет неизвестной в красном платье

A.M. Римский-Корсаков в молодости

Кутайсова А.П.

Меньшиков Александр

Струйская Александра

И. Тютчев

Екатерина II

Портрет Петра Федоровича, будущего Петра III

Суровцева Варвара Николаевна

Портрет А.Ю. Квашнина-Самарина. Первая половина 1770-х гг. Фрагмент

Руководство по выбору привлекательных имен для вашего искусства

Выбор хорошего названия для вашего произведения искусства говорит о том, что для вас значат рисунок или картина, и дает зрителю подсказки о приближении к произведению.

Поскольку вы серьезно относитесь к своему искусству, легко переборщить. Это видели все: скучающая обнаженная, сидящая в холодной, плохо освещенной студии, под названием «Летние грезы», или искусственная расстановка посуды под названием «Послеобеденный чай».«Возможно, хуже всего сложная, таинственная абстрактная работа с бесполезным названием« Без названия ».

Немного подумав, вы сможете избежать запутанного или отталкивающего названия и найти подходящее для вашего искусства и вашей аудитории.

Во-первых, аргумент в пользу «Без названия»

Есть веские причины сомневаться в том, что главные произведения останутся без названия, но может быть оправдание для того, чтобы пойти по этому пути. Художники могут пожелать, чтобы работа говорила сама за себя, а не навязывала текст изображению и зрителю.Кроме того, сама по себе «безымянность» — отсутствие ярлыка — может иметь значение.

Довольно часто произведение действительно не нуждается в названии. Это особенно верно в отношении небольших набросков, этюдов и подготовительных работ, многие из которых просто таковы: рабочие эскизы, которые не были предназначены для самостоятельной работы в качестве произведений искусства.

Если вы обнаружите, что выставляете такой рисунок на всеобщее обозрение, не заставляйте давать ему причудливое название, которое может не соответствовать характеру рисунка.Вместо этого идентифицируйте рисунок с именем, которое включает тему или предмет, среду и дату:

  • «Пейзаж, декабрь 2001 г.»
  • «Исследование без названия»
  • «Домашняя сцена»
  • «Страница альбома для рисования: Руки»
  • «Этюд Рембрандта: Два философа, Национальная галерея»

Рисунки фигур

Студийная обнаженная натура, получившая мелодраматическое название, может показаться претенциозной, так что будьте осторожны. Лучшая стратегия — взять листок из книги Фрэнсиса Бэкона и дать описательное название.

По общему признанию, существует не так много «Стоячих обнаженных», которые вы можете сделать, прежде чем ваш каталог станет сбивающим с толку. Вы можете бороться с этим, используя уникальные особенности в заголовке или подзаголовке: такие детали, как имя модели, дата / время, среда, поза или местоположение:

  • «Рисунок фигуры 23» для базовой модели без одежды
  • «Торс: графитовый карандаш» или «Сидящая фигура углем»
  • «Рыжая модель с гранатом» или что-то подобное описательное
  • «2-часовая поза номер 1 «
  • » Сара Джейн в драпировке «
  • » Дэвид в консерватории «
  • В крайнем случае, немного юмора:» Скука заходит «

Натюрморт

Рисунки-натюрморты бывает довольно сложно назвать.Будь проще.

Креативные декорации натюрморта дадут вам больше возможностей для интересных заголовков с естественными элементами аранжировки жизни, предлагающими историю больше, чем что-то искусственное. Подумайте об аранжировке натюрморта, создав осознанное настроение или тему, — это будет полезно, когда дело доходит до выбора названия, интегрированного с работой.

Для менее проработанных натюрмортов или этюдов ваш заголовок может быть описательным без указания очевидного. Попробуйте использовать время, время года или настроение как часть названия:

  • «Натюрморт 1985» или «Натюрморт: исследование цвета»
  • «Ваза с фруктами», «Найденные предметы», «Весенние цветы», в зависимости от объектов
  • «Избранное Кэти» или «Осень на кухне»
  • «Разговор», «После аргументации» или «Слишком поздно» для метафорических произведений.

Домашние животные

Домашние животные могут вызывать у людей много эмоций, поэтому художники слишком часто дают портретам домашних животных слишком эмоциональные имена, которые могут показаться сахаристыми. Опять же, простота — обычно лучший подход, если вы не работаете с изображением, которое рассказывает очень убедительную историю:

  • «Winston», просто имя питомца
  • «Ch. Doogie Zanbern of Prague», полное родословное
  • «Branford at Central Park»

Если вы нарисовали грустного льва в зоопарке, не называйте рисунок «Королем джунглей», если только вы не хотите иронии.Если вы нарисовали великолепного дикого льва, тоже не называйте его так; клише слишком болезненно. «Лев в Лондонском зоопарке» или «Лев, Кения 2000» — простые, но адекватные названия.

Во что бы то ни стало будьте более креативными, но остерегайтесь клише и сентиментальности.

Пейзажи

Иногда местоположение не имеет значения, но часто люди хотят знать, знакомы ли им эти знакомые горы, поэтому позвольте названию рассказать зрителю, где находится пейзаж.

Никогда не предполагайте, что зритель будет знаком со сценой.Даже «знаменитые» памятники могут быть незнакомы молодым людям или жителям других стран:

  • Интересно раскрыть личные знания или связи: «Дуб на дедушкиной ферме, Онтарио» кое-что рассказывает зрителю о художнике. тоже.
  • Часто название может уловить иронию, контраст или драматизм сцены: «Иванов день, Гренландия» — морозный северный пейзаж, или «В ожидании дождя, Милдьюра» — выжженный австралийский загон.

Абстрактное искусство

Если вы не хотите, чтобы ваше искусство было неясным (а это делают многие художники), название абстрактного изображения особенно важно.Часто название является единственным ключом к произведению искусства, кроме самого произведения:

  • Если вас интересует формальный дизайн, позвольте зрителю остановиться на поверхности: «Дизайн в синем и зеленом» или «Образец № 2: квадраты» информирует зрителя не искать более глубокий смысл.
  • Если ваша работа передает концепцию, дайте зрителю ключ к разгадке вашего мышления. Такие названия, как «Чтение Беккета — может быть» или «Квантово-механическая головная боль», помогут вашему зрителю понять и оценить вашу работу гораздо больше, чем «Без названия № 1».«

Последние советы по именованию артов

  • Избегайте клише, если только он не используется для иронии.
  • Соответствовать масштабу и духу произведения.
  • Не будь претенциозным.
  • Дайте вашему зрителю информацию, не заявляя очевидного.
  • Назовите очевидное, если необходимо, чтобы идентифицировать предмет.
  • Короче вообще лучше. Пусть говорит искусство.

Портрет русского мастера Федора Рокотова на аукционе Roseberys

Roseberys рад представить очередную крупную распродажу картин старых мастеров и картин XIX века 20 июля, которая начнется в 11:00.239 лотов представлены на аукционе в различных средах, а предлагаемые работы варьируются от итальянских композиций начала 16-го века до викторианских и европейских картин конца 19-го века. Изюминкой распродажи являются, в частности, работы русских мастеров. В последнее десятилетие Лондон превратился в глобальный эпицентр русского искусства. Рынок превосходной русской живописи особенно оживлен. Roseberys рады предложить исключительно качественные произведения русского искусства, которые демонстрируют превосходное происхождение на рынке.Это будет дебютный аукцион Roseberys для Лары Львов-Басировой, нового младшего специалиста отдела старых мастеров и картин XIX века.

Комментирует Лара Львов-Басирова: « Распродажа охватывает Европу и включает ранние итальянские, фламандские и испанские религиозные изображения; Голландские, британские и итальянские пейзажи и жанровые сцены; значительная группировка русских произведений; 19 Европейская живопись века; прекрасные образцы портретной живописи Северной и Южной Европы; сильная случайность британской портретной живописи на протяжении веков с большим количеством викторианских женских портретов; и небольшое количество импрессионистских масел на холсте.На торгах представлен важный и разнообразный русский раздел (лоты 87-90), включающий портрет русского гусарского чиновника начала 19 века, конную сцену Николая Егоровича Сверчкова, «Портрет графа Никиты Ивановича Панина». Рокотова, атмосферный пейзаж Павла Дшогина. ‘

Холст, масло, русский мастер, Федор Степанович Рокотов, 1735-1808

Лидирует лот 89, холст, масло, работы Русского Мастера Федора Степановича Рокотова , 1735-1808.Портрет графа Никиты Ивановича Панина имеет размеры 61,5 х 47,5 см и продается по ориентировочной цене от 100 000 до 150 000 фунтов стерлингов. Портрет — одно из самых ярких и ярких произведений Рокотова. Панин был влиятельным российским государственным деятелем и главным дипломатическим советником Екатерины Великой. Настоящая работа написана художником в 1760-х — начале 1770-х годов, в его недолгий «петербургский период», после чего он переехал в Москву. В то время художник работал над коронационными портретами Екатерины II для российских посольств за рубежом по заказу Коллегии иностранных дел.Здесь Панин изображен с орденом Святой Анны (получен в 1748 году) и звездным, усыпанным жемчугом орденом Святого Андрея. Это был высший орден Российской империи, врученный ему 22 мая 1762 года Петром III за предотвращение войны со Швецией и за двенадцать лет дипломатической службы. Последняя награда стала важной вехой в его карьере и, скорее всего, послужила причиной того, что настоящая работа была заказана в памятных целях. Палитра Рокотова в данной работе сдержанная, отражающая интимность, с которой исследуется предмет, и выдержанная в строгой и экономичной цветовой гамме, обычно принятой в его интимных портретах.Рокотова часто называют «русским да Винчи» из-за любопытных «полуулыбок», которыми он одаривает своих подданных. Действительно, его портреты в то время вызывали всеобщее восхищение за их психологический реализм и сочувственную мягкую передачу черт лица его натурщиков. Интересно, что Панин и Рокотов были членами одной масонской организации — Московской масонской ложи.

Павел Павлович Дшогин, русский 1834-1885 — Сумерки; холст, масло на картоне

Лот 90, эстимейт которого составляет 12 000–18 000 фунтов стерлингов, представляет собой еще одну работу русского мастера Павла Павловича Дшогина (1834–1885).«Сумерки» (масло, холст на доске, подписано и датировано «1867») — размеры 97 х 135 см. Типично атмосферное масло русского пейзажиста XIX века Дшогина, оно напоминает многие работы художника своим драматическим ранним вечерним небом, своим масштабом и отсутствием человеческих форм, тем самым подчеркивая огромные и впечатляющие просторы природы. Мир.

Николай Егорович Сверчков, русский 1817-1898- Конюх и его лошадь; картон масло

Николай Егорович Сверчков, 1817-1898 — Конюх и его лошадь; Картон, масло, подпись кириллицей с надписью, размер 24.5 x 32,5 см, также заслуживает внимания предлагаемая русская работа. Прославленный своими изображениями животных и людей, Сверчков оказался популярным среди европейских коллекционеров и императорского двора XIX века. Его изображения исторических сцен и конного спорта принесли ему значительную репутацию в Европе, особенно благодаря его способности изображать чувство движения в своих картинах с изображением лошадей. В течение 1840-х годов Сверчков ездил на различные конезаводы, чтобы рисовать сцены с лошадьми, что неизбежно развило его навыки и привело к дальнейшим заказам от известных конных заводов, в том числе от Хреновской и Чесменской конюшен.Эта работа ранее экспонировалась в Филадельфии, «Международная выставка искусства, мануфактур и продуктов, добываемых на почве и рудниках», май-ноябрь 1876 г., № 7. Он имеет происхождение от Anon. продажа, Trinity Auctions, США, 3 декабря 2011 г., лот 174 .; Анон. продажа, Дойл, Нью-Йорк, 13 февраля 2019 года, лот 118. Масло конюха и его лошади было оценено до продажи в размере 1000–2000 фунтов стерлингов.

Европейская школа, начало XIX века — Портрет русского гусарского офицера

Завершает список самых ярких русских работ лот 87 — это лихой портрет русского гусарского офицера, Европейская школа, начало XIX века.Размер этого холста, масло, 65 x 53,5 см, эстимейт от 300 до 500 фунтов стерлингов.

Вы можете найти полностью иллюстрированный онлайн-каталог на сайте Roseberys здесь.

Если вас интересует какая-либо из работ, которые предлагает Roseberys в рамках грядущей выставки Old Master & 19th Century Pictures, пожалуйста, свяжитесь с директором по продажам Ларой Львов-Басировой

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *