Модные иллюстрации: Умная и красивая

Умная и красивая

Давно хотели коснуться фэшн-иллюстрации. Знаем мы про нее очень немного — она где-то на периферии зрения, как будто что-то происходит, но точно не у нас и не с нами. Градус отношения к ней в России прохладный. Одни «не»: необязательно, ненужно, непонятно. Если говорить о бизнесе, то мы почти не работаем с иллюстраторами, выбравшими фэшн, и прекрасными, хоть плачь — для них просто нет клиентов. К тому же, модная иллюстрация нередко считается делом пустым и праздным, из разряда непрошедшей девичьей страсти к рисованию платьев (это не только у нас — в огромной, впечатляющей книге 100 years of fashion illustration ее автор и составитель Келли Блекмэн приводит обидное прозвище фэшн-иллюстрации — Cinderella art).

Мы придумали вопросы, на которые попросили ответить пару знакомых арт-директоров глянцевых изданий. Нам показалось, что они больше всех похожи на потенциальных заказчиков картинок про моду, красоту и стиль. Вообще (лирическое отступление) люди, которых мы расспрашиваем про иллюстрацию, местами поругивают нас за дилетантизм и наивность, но отвечая, рассказывают гораздо больше и интереснее, чем мы в состоянии были у них спросить. Вот в чем сила дурацких вопросов.

Сегодняшняя заметка состоит из двух частей — сначала слово реальности, а потом мы, вместе с иллюстратором и художником Дуней Захаровой, пойдем на экскурсию по замками из слоновой кости. И там будет много красоты, неожиданной и разной.

Модные журналы в России часто используют фэшн-иллюстрацию? В каких разделах, обстоятельствах, проектах она обычно встречается?
Сейчас, на мой взгляд, иллюстрации в русских (и не только в русских) модных журналах появляются достаточно редко. По крайней мере, по сравнению с первой половиной ХХ века, когда модные журналы почти полностью состояли из иллюстраций. Как правило, это единичные специальные проекты, в которых делается ставка на уникальность.

Есть ли у нее потенциал для развития и более широкого использования или это нишевое явление для специальной публики и случаев?
Уже много лет в модных журналах в основном используют фотографию, но у фэшн-иллюстрации всегда были и будут свои преимущества: уникальность, живость, персональный взгляд художника. По этой же причине многие модные бренды, такие как Chanel, Dior, Tiffany & Co сотрудничают с фэшн-иллюстраторами.

Как иллюстрация воспринимается читателями русского модного глянца? Есть ли в этом смысле отличия между русской и иностранной публикой?
Я не вижу никаких отличий в восприятии между русской и иностранной публикой. Иллюстрация, как и любое произведение искусства, либо нравится, либо нет. Это зависит, скорее, от мастерства художника, от эмоции, заложенной в иллюстрацию, от живости и красоты линий.

Какие российские фэшн-иллюстраторы на слуху? С какими иностранными иллюстраторами сотрудничают русские журналы?
Я бы сказала, что в России эта область пока не очень развита. Российские журналы, в основном, сотрудничают с иностранными фэшн-иллюстраторами. Среди них Sabine Pieper, Laura Lain, Nancy Macnack, Julie Verhoeven. Из русских могу назвать Евгению Гапчинскую, Екатерину Хозацкую.

Кто из фэшн-иллюстраторов нравится, какие проекты с участием иллюстраторв привлекли внимание — профессиональное или просто зрительское?
Нравится Julie Verhoeven, ее проект Fashion Icon для Ponystep Magazine, обложка для Dazed and Confused. Для сентябрьского номера русского Vogue она делала большой проект о новых дизайнерских ароматах.

Есть ли пример интересного, нашумевшего проекта а с участем фэшн-иллюстратора в русском глянце (как, например, некогда рисованный портрет Кейт Бланшетт для обложки автралийского Vogue Дэвида Даунтона)?
Пока, к сожалению, не знаю такого. Надеюсь, русский Vogue будет первым.

Что модно в современной фэшн-иллюстрации? В каких отношениях она с современной фотографией? Когда арт-директор или редактор журнала может предпочесть иллюстрацию фотографии?
Трудно ответить что именно модно, думаю, всегда будет в моде индивидуальность, собственный взгляд и отточенное мастерство. Я предпочту иллюстрацию фотографии в случае, если материал от этого выиграет, когда это большой специальный проект — тогда, когда иллюстрации дают дополнительную ценность материалу.

Смотрите, есть рынок глянцевой прессы, «Гламур» там, «Вог», «Мари Клер» и  т.д. Вот они все откуда здесь — это ведь лицензии западных популярных изданий. У них четкая технология производства, опыт и политика, которая диктует им как, что и о чем писать. Никто не рискует, никто не хочет быть интересным, все хотят продаваться и продавать рекламу. Они конечно как-то адаптируются под российские реалии, но все происходит на уровне «давайте вместо Мадонны будем писать про Елку».

Давайте взглянем на это все с точки зрения издателя, вот у него есть выбор: поставить на обложку девицу, написать крупно «50 способов накрасить ногти» и «Все тенденции осени» — и это проверенный годами ход, это купят читатели, на это дадут деньги рекламодатели, потому что тут никто не рискует — все точно, уверенно и понятно. Или он может поставить иллюстрацию, или давайте даже усложним, интересную иллюстрацию, которую первая половина не поймет, а второй она просто не понравится. Это же не фотка Шакиры. И вот приносит, значит, арт-директор редактору обложку с иллюстрацией, а тот, в свою очередь, издателю, и оба, поразмыслив, ставят все-таки Шакиру.

Иллюстрация — это всегда риск, кто его знает, как получится. Поэтому иллюстрацию и используют издания, которые хотят быть интересными и не боятся публиковать спорные материалы. А это уже история не совсем про глянец. Да, безусловно, мы знаем пару прекрасных примеров, когда глянец берет на себя какую-то другую функцию, кроме развлечения — «Афиша», Esquire, померший «Жалюз», наконец. Но, по сравнению с общим рынком прессы, это совсем чуть-чуть.

Подборка случайного глянца редакции Bang!Bang!

Ну и какой смысл вообще говорить, какой иллюстратор на слуху, а какой побольше нашумел, кто модный, а кто рисует для нас на западе. Сама по себе иллюстрация никому не интересна и не представляет никакой ценности. Появится задача, темы и материалы, к которым захочется привлекать внимание, которые сами по себе, по своему содержанию, будут спорными, интересными — тогда появится необходимость в хороших картинках и интересных сюжетах. И тогда арт-директор будет понимать, зачем и почему ему нужны интересные иллюстрации, создавать моду и отношения с фотографией. И тогда я выкину бережно хранимый иллюстрированный номер «Афиши» и соберу новую коллекцию. 

То есть в широком прокате этого кино не будет. Сначала должны появиться интересные материалы и публика, которой эти интересные материалы интересны. С другой стороны эти материалы и публика все же водятся в более узкой области молодых-модных блогов, сайтов и журналов, где как раз стараются отстроиться от цикличного большого глянца. И там любая иллюстрация, в том числе модная, смотрится уместно — потому что это «странно», нескучно и находится вне привычной «зоны комфорта». 

В последнее время фэшн-иллюстрация стала чаще встречаться. Я думаю, это связано с развитием новых технологий и появлением модных блоггеров. Ведь как было раньше — доступ к модной индустрии был только у привилегированного круга. Чтобы попасть на собеседование к главному редактору, художники-иллюстраторы могли долго простоять в коридорах в обнимку с папкой со своими работами. 

А сейчас у нас есть постоянный доступ к новостям, и блоггер, решивший вести страничку о моде, конечно же, не хочет просто тупо копировать то, что он читает и видит, а начинает делать иллюстрации. Я не хочу сейчас в детали углубляться, кто коллаж делает на скорую руку, кто старается выделиться ручной техникой, а кто просто на все подиумные луки вставляет свою голову — все это я называю иллюстрацией, так как она более или менее выполняет базовые функции иллюстрирования.

И обилие иллюстрации в печатных изданиях я объясняю тем, что у иллюстраторов появился шанс достучаться напрямую до журнала, или: как часто бывает, редакторы сами увидят в каком-нибудь популярном блоге вариант иллюстрации бьюти-продуктов и делают заказ. Это я говорю про наше время — когда мода стала массовым явлением. 

С другой стороны, все чаще попадаются милые бездарные иллюстрации, на которые смотришь сквозь и замечаешь лишь технику. Поэтому мы в тумблерах ностальгируем по 90-м, по иллюстраторам прошлого века и всего ушедшего, которое бесконечно повторяется. 

Наш современник Дэвид Даунтон (David Dowton), например, копирует стиль художника Рене Грюо, чья звезда загорелась в разгар послевоенного нью-лука и продожает гореть сейчас, даже слишком ярко. Даунтон мастерски иллюстрирует актуальную моду, привнося в свои картинки старый дух элегантности. Ему даже обложки Vogue доверяют рисовать, что в наше время, когда фотография первична, совсем редкость. 

Иллюстрации Рене Грюо

Иллюстрации Дэвида Даунтона

Отношения иллюстрации и фотографии в моде вообще исторически острее, чем, например, в портрете. До 20 века картинки в журналах и каталогах должны были точно изображать вещь, чтобы дать читательницам возможность ее оценить, заказать или сшить. Сейчас эту потребность полностью обслуживает фотография. Но в начале 20 века в фэшн-иллюстрации произошел перелом — она начала отходить от каталожного прагматизма, в ней появились кураж, самостоятельность, склонность к анализу модных тенденций и их созданию (иллюстраторы того времени часто работали на владельцев модных домов и создавали эскизы нарядов и тканей). Этот период не то совпал, не то был вызван появлением модерна, который увлек и полностью захватил всех людей, работавших в искусстве.  

Двадцатые-тридцатые годы 20 века считаются золотыми для модной иллюстрации: нашелся идеальный баланс между постоянной необходимостью в высококлассных журнальных картинках, заставлявшей издательства вроде «Конде Наст» нанимать очень хороших художников, и желанием художников развиваться и говорить о моде модным и современным изобразительным языком. 

В 1932 году в американском издании Vogue появилась первая фотографическая обложка, и скоро высянилось, что они продают журнал лучше, чем обложки с иллюстрациями. К середине века картинки переехали внутрь журнала, а со временем — окопались в рекламе, беллетристике и деликатных темах. Примерно с 50-х годов журналы стали вкладываться в модную фотографию и создавать фотографов-звезд примерно так же, как до этого они растили звезд-иллюстраторов. Иллюстрация выжила, сосредоточившись на своей инаковости — индивидуальной оптике, умении фиксировать то, чего нельзя пощупать, способности создавать мифы.

Особенно хорошо эта разница заметна, когда фотография — хоть столетней давности, хоть современная — исчерпывает ресурс разнообразия в какой-то теме или игнорирует поиски творческого «хода». Собственный почерк фотографа обычно намного бледнее почерка иллюстратора, и потому второму легче превратить нечто рядовое в то, что заслуживает внимания.

Кстати, в советских женских журналах было много фэшн-иллюстрации — фотографии выглядели бедно, благодаря полиграфии, искусству фотографа и качеству одежды. Зато те же странные юбки, ситцевые блузы и фартуки 80-х, нарисованные энергичными штрихами, на узких в талии, длинноногих моделях, побуждали садиться за швейную машинку.

Фэшн-иллюстрация имеет в запасе трюк на все времена. Картинка несет дух стиля, не мучаясь с материалами и не нуждаясь в подходящем человеческом манекене или лице-палитре. Только сейчас это, скорее, привилегия люкса, а не примета скудности. Показать высокую стоимость бренда можно отказавшись от реальности вообще. Масс-маркет, наоборот, очень плотский. Он любит персон — Монику, Скарлетт, Пенелопу — а также фотографию, как якобы достойный доверия документ.

Иллюстрации Дуни Захаровой для проекта Buro 24/7 «Белое на черном»

Когда-то я вышивала, делала объекты из ткани, изучала на практике ее свойства, искусственным образом соединяла ее с человеческим телом. И параллельно всегда интересовалась модой — не для потребления, а для созерцания очень яркого социального феномена. Нечто, что постоянно стремится в будущее, при этом смотря назад. В какой еще сфере новое создается так часто? Только в модной индустрии, которую материально поддерживают поклонники luxury, и к которой стремятся люди, вдохновленные яркой картинкой журналов и показов. 

Я восхищаюсь тем, что в модной индустрии есть справедливость. Самые дорогие бренды и правда самые крутые и интересные. А вот в современном искусстве, увы, деньги не обещают интересного, искренннего продукта.

Хотя, конечно, и здесь материализм побеждает. Когда Николя Гескьер ушел из Balenciaga, я чуть не заплакала. Потому что именно он является тем самым гармоничным сочетанием художника и дизайнера, который в итоге дает такой материал, над которым пока разберешься, уже другой сезон наступит. Настолько глубокие коллекции — как полноценные проекты, создающие свой отдельный мир.

Вещи из коллецкий Гескьера

Некоторые люди высокомерно утверждают, что мода это уж точно не искусство. Но с практической точки зрения это всего-навсего вопрос позиционирования. Сейчас эта граница настолько размыта, что ее стараются искусственно очертить лишь скептики. А если отбросить все терминологические споры, то мы уже давно живем в мире, где мода навязывает обществу мир ярких красок и причудливых узоров, который воспевал в своих картинах, например, Матисс. За основу многих картин он взял национальную румынскую блузу, которая сохранила этнические яркие элементы и динамичный узор. Он любил использовать материал, который мог осязать. Румынский художник Теодор Паллади подарил ему несколько румынских блуз, зная его страсть к тканям и узорам. Узор на блузе настолько соответствовал представлениям Матисса о гармоничной композиции, что диктовал ему ритмы картин. Это мне кажется идеалом трепетного отношения к одежде, уважения к ремесленному труду и прикладному искусству. И да, живи он в наше время, он бы рисовал с натуры фактурных моделей в одежде Mary Katrandzou и Erdem и вписывал бы их в пространство, наполненное узорчатыми коврами, шторами и скатертями. 

В 19 веке модная иллюстрация считалась подходящим занятием для девушки. Рисовать и раскрашивать платья для каталогов и журналов с выкройками было пристойно и изящно, и только. С тех пор прошло больше 100 лет, в которые с модой произошло много интересного. Дизайнеры, наконец, утвердились в статусе художников, мода все свободнее называет себя искусством. Люди рвутся на выставки по истории костюма и выпускают прекрасные книги и арт-проекты. И вообще, все мы любим постоять, раскрыв рот, у картин, на которых хочется щупать атлас и кружево, и никто не считает живописцев пустыми барахольщиками. Будем же, в очередной раз, смелее, спокойнее и адекватнее, думая об иллюстрации и оценивая ее.

Фэшн-портофолио Дуни Захаровой

21 главный тренд дизайна 21 года – Canva

Что ждать в 2021 году в мире дизайна? Природные мотивы, ретро-стиль, 3D-иллюстрации, «золотую лихорадку» и многое другое. Разбираемся в Canva, какие цветовые палитры, формы и текстуры выбирать для создания проектов. В статье мы рассмотрим 21 тренд в дизайне 2021 года, которые отметили дизайнеры на Behance.

Выбирайте заголовок, чтобы перейти к интересующему вас разделу статьи.

Графический дизайн — тренды в 2021 году

Графический дизайн — это средство визуальной коммуникации, своеобразное отражение реальности. Через цвета, иллюстрации, шрифты, манеру подачи дизайнеры говорят с миром. Сейчас именно то время, когда хочется стать ближе с людьми через искусство! Именно этот концепт будет проходить через все тренды в дизайне 2021 года.

1. Вдохновение вокруг нас! Природные формы и оттенки

Во время самоизоляции все резко захотели покинуть город, оказаться в домике у озера, в лесу или в горах. Урбанизм начал проигрывать природным формам. Дизайнеры студии GraphicMama уверены, что из-за невозможности поехать на природу, люди будут искать природные формы во всем, что их окружает. Поэтому в 2021 году особенно станут популярны иллюстрации с растениями, деревянные или каменные текстуры.

Behance, Mustafa Akülker

Люди научились жить в условиях пандемии, но очень хотят расслабиться, вернуться к прежнему укладу. Многие начинают знакомиться с медитациями, уезжают в леса на ретриты. Как оказалось, вдали от городов жить безопаснее. Поэтому именно в 2021 году в дизайне будут преобладать природные мотивы.

Для создания дизайнов используйте иллюстрации Canva с природными мотивами — листьями, цветами, веточками.

В 2021 году будет набирать обороты экобрендинг — это экологичный дизайн бренда. Чтобы сэкономить краску или бумагу при печати визиток или потребление энергии за счет использования «экономичных» цветов, таких как черный или зеленый. Кроме того, экологичные шрифты помогут сэкономить до 25% краски при печати. Например, знаменитый шрифт Ecofont (в основе пунктирная концепция). Скорее всего, в 2021 году появятся и другие экономичные шрифты.

«Это хорошо не только для планеты, но и для нас, людей. Потребителям важна физическая связь с природой и другими людьми для улучшения психического здоровья» — считает Дамиан Грэм, дизайнер Pentland Brands.

«Эта концепция повлияет на нашу дизайнерскую работу по всем направлениям. После года социального дистанцирования и изоляции дизайн приобретет более гуманистический оттенок» — прогнозирует Шанти Спэрроу, иллюстратор и преподаватель Shillington New York.

2. Изящное искусство Infusion

Infusion Art — это направление в дизайне, которое появилось в 2008 году. Буквально означает «вливание искусства» при создании дизайна продукта. По мнению дизайнера Джеймса Макферсона, именно это направление в сочетании с природными формами может стать главным трендом 2021 года.

Живопись придает многогранность и глубину дизайна. Лучше всего этот тренд будет смотреться в оформлении продукции: подойдет для винных этикеток, косметических упаковок.

99designs, LucaToni

Даже простые мазки краской передают конкретные эмоции потребителям. Находите подходящие изображения в галерее Canva и используйте в своем дизайне.

3. Олдскульный стиль

А ты зуммер, миллениал или бумер? Это разделение оказалось крайне популярным в 2020 году. Поэтому использование ретро-стиля в дизайне 2021 года — отличный маркетинговый ход для привлечения клиентов разных возрастов. Всем иногда приятно вернуться в прошлое и поностальгировать.

В социальных сетях еще популярнее станут фильтры с эффектом с съемки на пленку. Поколение Z тоже любит винтаж, чтобы прикоснуться «забытой красоте», о которой рассказывают родители и бабушки. Используйте этот прием в графическом дизайне!

Рик Белл, креативный директор дизайн-студии Delivered by Post: «Дизайнеры в поиске новых цветов RGB и комбинаций для своего приложения или бренда, которые никто раньше не использовал. Но, возможно, после безумия 2020 года люди захотят отдохнуть от этого яркого, разноцветного мира и уединиться в более приглушенной обстановке, подобной печатным фотоснимкам».

4. «Золотая чаша, золотые цепи!» — блестящий дизайн в тренде

По мнению дизайнеров студии GraphicMama, наряду с приятными природными оттенками и ретро-дизайнами золото, блики и металлик станут ультрамодными в 2021 году. Дизайнеры еще в 2020 году начали экспериментировать с различными металлическими элементами. Но в 2021 году может произойти настоящая «золотая лихорадка»!

Behance, F61 Agency

Используйте любые варианты металлического дизайна: матовые и блестящие поверхности, отражающие световые эффекты, текстуры с тиснением и царапинами. в В редакторе Canva много блестящих визуальных элементов. Нажимайте «Использовать этот шаблон», чтобы быть в тренде.

5. Геометрические формы в печатной продукции

Геометрические фигуры — это не новое веяние. Скорее, возродившееся вновь. В 2021 году интересно будут смотреться именно яркие сочетания. Подобный дизайн подойдет для оформления фирменного стиля, упаковки, плакатов и любой другой печатной продукции.

Behance, Toormix Design Agency

Попробуйте сочетать геометрические фигуры с фотографиями. Вырезать объект можно в Canva Pro с помощью инструмента Background Remover. А геометрические фигуры ищите в разделе редактора «Визуальные элементы».

6. Иллюстрации с тонкими контурами на плакатах и упаковках

Пользователям нравятся мультяшные герои на упаковках и афишах. В 2021 году в тренде дизайна легкие линии в иллюстрациях и простота в исполнении. Чем проще, тем лучше! Персонажи моментально запоминаются, поэтому отлично подходят для брендинга.

Airbnb.design

Иллюстрации можно использовать на визитках, плакатах, презентациях. Главное выбирать графику с тонкими линиями, будто нарисованную от руки.

Behance, Tolleson Design

В редакторе Canva много подобных иллюстраций, которые подойдут для оформления плакатов, афиш, флаеров, презентаций, инфографики. Находите подходящие варианты в «Визуальных элементах» по запросу «Иллюстрации».

7. Взрыв цвета! Очень яркие абстрактные иллюстрации

Если для оформления фирменного стиля и упаковки в тренде 2021 года спокойные природные цветовые сочетания, то для плакатов, блокнотов, принтов для одежды стоит не бояться использовать в дизайне яркие цвета.

Behance, Bernardo Henning

Абстракция привлекает внимание, призывает пользователя рассматривать детали, искать скрытый смысл. Но можно уходить от сложных абстрактных рисунков и использовать что-то яркое и простое, как на готовом шаблоне Canva.

8. Объект в пространстве

В 2021 году в тренде дизайна расположение объектов будто в бесконечном пространстве. Получается эффект легкого футуризма! Фон предпочтительно выбирать ярких цветов: синий, желтый, розовый, фиолетовый.

Yogen Fruz

Этот прием начали использовать в 2020 году в социальных сетях для рекламы продуктов. Вероятно, эта тенденция продолжится в 2021 году. Смотрится такой дизайн ярко, при этом весь акцент на продукте. Используйте стикеры и иллюстрации из редактора Canva, чтобы сделать дизайн еще интереснее.

9. 3D-иллюстрации

3D-дизайн продолжит завораживать пользователей. В 2021 году дизайнеры будут создавать потрясающие композиции с трехмерным графическим дизайном, сочетать фотографии и объемные предметы.

Behance, Leo Natsume

В редакторе Canva вы тоже можете найти 3D-фигуры, которые отлично подойдут для презентаций, плакатов, инфографики. Находите подходящие варианты в «Визуальных элементах» по таким запросам — 3D, 3D heads, 3D human, isometric.

10. Эмодзи-дизайн

Забавные смайлы на все случаи жизни в 2021 году будут в тренде дизайна. По мнению дизайнеров проекта GraphicMama, «тенденция использования эмодзи в дизайне, скорее всего, в ближайшие несколько лет наберет обороты». Смайлы привлекают внимание и вызывают эмоции. Тренд отлично подойдет для разных проектов: от анимированных веб-сайтов до публикаций в социальных сетях.

Посмотрите, как забавно оформили упаковку для слабительных таблеток WOOP дизайнеры Wunderbar. Главная концепция: «Расслабление наступает после стресса. WOOP принесет облегчение и вернет улыбку!».

Wunderbar

Главный плюс этого тренда — не нужно искать иллюстратора для отрисовки. Статичные и анимированные смайлы есть в редакторе Canva. Для этого в разделе «Визуальных элементах» введите «смайл, эмодзи, лицо, улыбка». Добавляйте стикеры на любой дизайн, чтобы передать настроение подписчикам или клиентам.

11. Оптическая иллюзия

Создавайте гипнотический дизайн в 2021 году. Вау-эффект особенно важен, если бренд связан с идеей движения, фантастики или духовности. Оптическая иллюзия — самое то, чтобы немножко загипнотизировать пользователей.

Dribbble, Ernst Lindahl

Оптическая иллюзия красиво смотрится на визитках высокой печати. Такие изделия получатся рельефными, тактильно более приятными, чем в виде обычной цифровой печати. Особенно красиво на таких визитках смотрятся как раз узоры. Ищите оптические фигуры в редакторе Canva в разделе «Визуальных элементах» по запросу «иллюзия, абстрактные узоры».

Не только черно-белая оптическая иллюзия привлекает внимание. Попробуйте использовать разные цветовые сочетания, чтобы добиться эффектного дизайна.

Behance, PWR

12. Градиенты

Плоский дизайн не особо популярен. Скорее, дизайнеры будут выбирать сочетание минимализма с тенями, градиентами, 3D-формами. Известные бренды (Instagram, КиноПоиск, Asana, Firefox, Tinder, WildBerries) уже давно перешли на логотипы с градиентом. Возможно, именно в 2021 году вы тоже измените плоский логотип на более объемный.

Веб-дизайн — тренды 2021 года

По данным Mill For Business, в январе 2020 года количество веб-сайтов составило 1,2 млрд. Это впечатляет! В 2021 году количество сайтов продолжит расти, нужно искать новые способы привлечения внимания клиентов. Элементы 3D-дизайна, плавная анимация, мягкие тени — именно объемность картинки станет главным трендом в дизайне 2021 года. Разбираемся, на какие тенденции стоит обратить внимание.

13. 3D-дизайн иконок

2021 год станет годом 3D в веб-дизайне. Трехмерные иконки — это тенденция пользовательского интерфейса в 2021 году. Если вам наскучили плоские значки, которые преобладали в последнее десятилетие, пора попробовать трехмерные.

Задала 3D-бум компания Apple, которая представила 12 ноября 2020 года обновленную систему macOS Big Sur. Дизайнеры на Dribbble сделали 3D-иконки для приложений Instagram, Telegram, Adobe, Sketch, Discord и т. д.

Dribbble

14. Монохромные сочетания

Монохромная палитра — это не новая тенденция, которая только интенсивнее будет набирать обороты в 2021 году. Благодаря использованию простой палитры дизайнеры больше внимания уделяют сложной графике.

Behance, Hydropolis

15. Эксперименты с инверсией цвета

После пережитого уныния в 2020 году, человечество входит в 2021 год с оптимистическим ожиданием чуда. Поэтому в веб-дизайне 2021 года, скорее всего, дизайнеры чаще будут выбирать необычные сочетания. Например, комбинировать монохромные сочетания с яркими акцентами.

Иллюстратор Мишель Соломон считает, что «2021 год будет посвящен поиску способов быть позитивным, несмотря на проблемы. На данный момент всем нам нужно вдохновляющее искусство и дизайн!».

Idweaver

16. Жирные, объемные, искаженные шрифты в заголовках

Шрифты в 2021 году должны привлекать внимание. В 2021 году в тренде жирные шрифты для заголовков, а также «деформированные»и объемные. Но при этом для основного текста нужно выбирать простые и комфортные для чтения — Georgia, Open Sans, PT Sans, Roboto, Glacial Indifference.

Melt the Fly, Sixmorevodka

Моушн-дизайн — тренды 2021

В моушн-дизайне будут популярны простые иллюстрации с тонкими линиями, 3D-фигуры, глитч-эффект всевозможные комбинации разных техник, ну и конечно, сюрреализм.

17. Анимированные логотипы

Анимированные логотипы не покидают топ уже несколько лет. И вот в 2021 году они по-прежнему в тренде! Логотип — это первое, что мы видим при входе в приложение или на сайт, поэтому он должен быть запоминающимся.

Чтобы сделать анимированный логотип в стиле 2021 года, добавляйте эффект объемности, жидкие формы, оптические иллюзии. Комбинируйте разные стили между собой, чтобы сделать оригинальный логотип.

18. Стоп-моушн в рекламе брендов

Моушн-дизайн становится более массовым и активно вытесняет скучные статичные картинки. Легкие ролики в технике стоп-моушн умеют делать даже школьники в ТикТоке. Если вы еще не в тренде, присоединяйтесь! Используйте стоп-моушн для создания привлекательных анимированных публикаций для рекламы продуктов.

В технике стоп-моушен можно анимировать текст, чтобы привлечь внимание подписчиков в социальных сетях. Такие видео можно сделать в редакторе Canva!

19. Моушн-коллаж: фотография и иллюстрация

В 2021 году в тренде все, что связано с комбинированием. Добавляйте 3D на реалистические фотографии или анимированные иллюстрации. Не забывайте про тонкие линии.

Дизайнеры комбинируют реальные фотографии с простыми иллюстрациями, которые заменяют части фотографии или сливаются с ней. Необычный тренд помогает создавать более неформальные и веселые композиции для баннеров, обложек, публикаций в соцсетях.

В редакторе Canva вы найдете готовые ил
люстрации, которые нужно просто добавить на свою фотографию. Попробуйте этот готовый шаблон!

20. Массюрреализм для социальных сетей

Массюреализм — это искусство комбинирования компонентов из прошлого и будущего, которое захватывает воображение пользователей. Абстрактный сюреалистический моушн набирал обороты и в 2020 году, но теперь на первый план выйдет смысл. Анимация должна быть не только красивой, но и нести в себе какое-то содержание, над которым можно поразмыслить.

Создавайте фантастический дизайн! Добавляйте к реалистичным предметам мифических персонажей и сказочные пейзажи. Особенно впечатляюще выглядит добавление 3D-объектов на обычное видео.

21. Эффект глитч-арт с анимацией

Искажение, сбой, шум и любые изъяны на дизайне. Создавайте хаос в 2021 году, но сохраняйте легкое восприятие картинки. Глитч-эффект добавит технологичности, фантастичности и бунтарства вашему дизайну. Его можно найти в «Эффектах» в редакторе Canva, чтобы добавить своей фотографии атмосферности.

Искажение лучше всего подходит для социальных сетей, сайтов дизайнеров, программистов, музыкантов, для рекламы квестов и всего связанного с технологиями. Чтобы добиться такого эффекта, как на наших примерах, в редакторе Canva в «Визуальных элементах» ищите «глитч, искажение, шум». Создавайте андеграунд с глитч-рамками, фигурами, шрифтами.

Многие тренды дизайна 2021 года — продолжение тенденций последних лет. Все внимание дизайнеров в 2021 году будет направлено на комбинирование разных стилей, чтобы смешать фантастику с реальностью. Эксперименты с цветом, формой, текстурой продолжаются!

создание модных эскизов одежды в СПб

ЗАНЯТИЕ 1
Модная иллюстрация как таковая.
Создание эскиза как возможность развития концептуальной идеи.
Коммуницирование моды через образы.
Просмотр работ художников-иллюстраторов на проекторе, поиск источников вдохновения.
Материалы, техники.
Основы построения человеческой фигуры. Практика.
Домашнее задание – теория по построению, наброски фигуры с натуры, зарисовки из журналов.

ЗАНЯТИЕ 2

Построение фигуры, основы пластической анатомии.

Построение фигуры в динамике.

Методы работы с материалами. Скетчинг. Практика.

Домашнее задание – теория по построению, пластическая анатомия, зарисовки сложных поз, скетчи с натуры, зарисовки из журналов.

ЗАНЯТИЕ 3

Стилизация. Просмотр работ художников-иллюстраторов на проекторе.

Совместные исследования способов стилизации модного рисунка. Скетчинг как переход к стилизации.

Использование различных материалов для передачи основной идеи рисунка.

Практика.

Домашнее задание – теория по построению головы. Изучить работы художников, попробовать применить различные стилизационные приемы в зарисовках сложных поз.

ЗАНЯТИЕ 4

Совместный просмотр домашних работ.

Построение головы, лицо.

Стилизационные приемы изображения лица, прически.

Практика.

Домашнее задание – изучить художественные приемы приемы иллюстраторов. Зарисовки лиц в ракурсах, с проработкой причесок.

ЗАНЯТИЕ 5

Сложные позы. Проработка и практика.

Изучение взаимосвязи типов движения, формы одежды и материалов. Практика.

Скетчи. Тушь. Практика.

Домашнее задание – прорисовки одежды на фигурах в статике и динамике.

ЗАНЯТИЕ 6

Фактуры.

Многообразие фактур и способы реалистичной передачи с помощью различных материалов.

Практика и совместные исследования способов

Просмотр работ художников на проекторе.

Домашнее задание – фактуры в одежде, зарисовки.

ЗАНЯТИЕ 7

Фактуры – продолжение.

Скетчи, тушь. Стилизационное решение фактур.

Совместная проработка на практике. Рисование меха, блесток, вязаных фактур, бархата, прозрачных, блестящих тканей, сеток.

Домашнее задание – изучение примеров работ иллюстраторов, применить фактуры в скетчах с натуры, зарисовках из журналов.

ЗАНЯТИЕ 8

Композиция рисунка.

Составление лук-борда.

Различные композиционные решения листа. Практика и совместное обсуждение.

Технический рисунок как составляющая модной иллюстрации. Практика.

Домашнее задание – изучить примеры работ художников: коллажи и лукбуки с рисунками.

ЗАНЯТИЕ 9

Технический рисунок, коллажи. Практика.

Домашнее задание – подготовка к финальному заданию: поиск инспирирующих источников, сбор контекстного материала, зарисовки фигур.

ЗАНЯТИЕ 10

Финальное задание – создание серии эскизов для коллекции в виде коллажа с использованием инспирирующих источников, фактур, материалов, технически проработанных рисунков, скетчей. Материалы на выбор студента.

Выдача сертификатов об окончании курса.

Модные Иллюстрации – логотипы fashion брендов

30 лучших логотипов в истории

Голосов: 2379 Рейтинг: 4.1584699453552

МЫ СПЕЦИАЛИЗИРУЕМСЯ НА БРЕНД-ДИЗАЙНЕ

Разработка образовательных приложений

Разработка и интеграция API

Создание сайта на WordPress

ПРИСОЕДИНЯЙТЕСЬ К НАМ

Что такое логотип?

Логотип — графическое изображение торговой марки. Он создается для легкой узнаваемости бренда компании среди потребителей.
Логотип должен быть уникальным и качественным, привлекать внимание покупателя. Логотипы были созданы для того, чтобы различать товары производителей из одной отрасли.

Компания KOLORO занимается разработкой единых в своем роде логотипов.

Существует несколько типов логотипов:

1. Логотип «Буква» — используется одна или несколько букв.
2. Логотип «Символ» — изображается в виде графических или буквенных символов.
3. Логотип «Эмблема» -— графический элемент изображения и текста.
4. Логотип «Логослово» — состоит только из букв.
5. Логотип «Абстрактный знак» — создает визуальную форму концепции компании с помощью символа.

Первый логотип в мире

Первым логотипом в мире было изображение собаки, которая слушает граммофон. Собаку звали Ниппер.
Один из братьев семьи Барро увидел как пес любит слушать фонограф Эдисона-Белла и решил запечатлеть этот момент, нарисовав рисунок «Собака слушающая фонограф».

В 1900 году брат Марка Барро, Френсис, отнес рисунок Ниппера в компанию по производству дисковых граммофонов. Владельцам компании рисунок очень понравилась и они решили выпускать свой товар с этим изображением. Но первоначальный вариант рисунка на котором был изображен барабанный граммофон, был заменен на дисковый. Рисунок стал первой торговой маркой компаний: «HMV music stores», RCA, «Victor and HMV records». Компания также стала выпускать пластинки с рисунком Ниппера.
Сейчас логотип использует музыкальный канал магазина HWV.

Эволюция логотипов мировых брендов

Логотипы мировых брендов не всегда выглядели стильно и лаконично. Некоторые компании, даже будучи популярными среди потребителей, перерисовали свои логотипы. Главные причины:

• ребрендинг;
• изменение направления деятельности;
• следование новым тенденциям.

Давайте, рассмотрим несколько примеров эволюции логотипов компаний.

• Мировая корпорация Apple

Первым логотипом компании была гравюра с Исааком Ньютоном под яблонькой, которую обвивала большая лента с подписью «Apple Computer Co» (1976-1977 гг). Дизайнером этого лого был один из основателей компании Рональд Уэйн. После ухода Рональда лого было изменено.

Второе лого Apple сделал дизайнер Роб Янов. От старого лого компании ничего не осталось, кроме, пожалуй, идеи с падающим на голову Ньютона фруктом. Новый фирменный знак Apple — радужное надкушенное яблоко (1977-1998 гг).

То лого, которое мы видим сейчас на продукции Apple, было изменено в 2007 году. «Яблоко» стало с металлическим с отблесками, а форма осталась прежней.

Samsung в переводе с корейского значит «три звезды». Компания создана в Южной Корее. В первых трех логотипах, использовали звезды и название Samsung.

В 1993 компания своему 55 летию решила создать новое лого. Оно существует до сегодняшнего дня. Это голубой эллипс в центре которого белыми стилизованными буквами написано «SAMSUNG».

Первые батончики производили в 1967 году в Британии. Они назывались Raider. Но через несколько лет, в 1979-м году, название было изменено. Raider стал Twix. После смены названия, продукцию начали экспортировать в США.

Название Twix составлено из двух слов, «двойной» и «бисквит». Батончики Twix, очень популярны во всем мире. В Ирландии их до сих пор продают под первым названием Raider.

Coca-Cola имеет самый узнаваемый фирменный стиль логотипа, которому уже более 117 лет. Компания была создана в 1886 году, а лого в 1893 году. Лого компании написано каллиграфическим шрифтом «Спенсер». Его создал Фрэнк Робинсон — бухгалтер и друг владельца компании.

В начале 1980-х годов, в связи с конкуренцией со стороны продукции Pepsi, было принято решение изменить лого компании на New Coke. Сделав этот маркетинговый ход, компания начала терять продажи. Потребителям не нравилось новое название напитка. Спустя некоторое время, напитку вернули прежнее название Coca-Cola, тем самым компания улучшила свои продажи.

В 1903 году была создана торговая марка Pepsi-Cola. Согласитесь, первое лого компании не очень то и симпатичное. Можно сказать — провальное.
Чтобы с вашим брендом этого не случилось, вам нужно обратится к команде профессионалов компании KOLORO, которая поможет сделать логотип идеальным.

После великой депрессии 30-х годов Pepsi-Cola смогла доказать компании Coca-Cola, что она может с ней конкурировать на одном уровне.

В 1962 году, компания изменила свой логотип на трехцветный мячик, а также убрала приставку Cola. Теперь она называется только Pepsi. Все же, лого компании меняется очень часто. С чем это связано — неизвестно.

В 1940 году была создана компания McDonald’s. Первый логотип компании — изображение повара Speedee. Позже лого Speedee перерисовали. В 60-х годах, Джим Шпиндлер изменил лого компании на то, которое мы знаем сейчас. И это буква M.

Логотипы фэшн индустрии (знаменитых модных брендов)

Практически каждый из нас может узнать и назвать монограммы брендов. Для модных домов логотип имеет очень важное значение, потому что большая часть модных домов названа в честь дизайнеров-основателей.

Модный дом был создан в 1854 году. Фирменный логотип компании — монограммы LV. Цвет монограмм и холста мог меняться, но сам логотип этого бренда не менялся по сей день, разве что немного упрощен в 2000-х годах.
Одежда бренда изготавливаются из очень качественных материалов и поэтому продукция стоит дорого.

Товары бренда Louis Vuitton копируют больше всего. Но распознать фейк очень легко — в подлиннике лого бренда всегда расположено симметрично.

Впервые логотип Chanel появился 1921 году. Его изобразили на флаконе парфюма Chanel № 5. Логотип компании — это двойная буква С. Она напоминает два обручальных кольца, которые не сомкнуты воедино. Буква С — это инициалы Коко Шанель (Coco Chanel).

Логотип Fendi был создан в 1972 году, новым дизайнером компании, Карлом Лагерфельдом. Логотип бренда — это большие буквы F, которые зеркально отображаются.

Логотип дома Versace — очень экстравагантный и неординарный. Он был разработан в 1978 году Джанни Версаче. Логотип представляет собой голову представительницы древнегреческой мифологии — Медузы Горгоны. Дизайнер объяснил почему он выбрал этого персонажа: «Это синтез красоты и простоты, который способен загипнотизировать любого, как и одежда, выпускаемая брендом».

В 1952 году бренд Givenchy начинает производить одежду высокого качества, а также линию ювелирных украшений и парфюмерии. Логотип бренда очень прост и лаконичен. Четырехкратная буква G размещена в квадрате. Она похожа на украшения кельтов.

Логотипы автомобильных марок

«Крылатые» автомобили:

Bentley — британский автомобиль класса «люкс». Характеристику автомобиля можно описать всего в двух словах — аристократическая роскошь. Логотип автомобиля — заключенная в крылья буква «B». Эмблема указывает на мощь, скорость, элегантность лимузинов Bentley.

Aston Martin — логотип автомобиля был создан в 1927 году. Это орлиные крылья, которые обрамляют надпись Aston Martin. Владельцы компании сравнили свой автомобиль с орлом. Потому что орел — быстрая, ловкая и хищная птица.

Chrysler — первым логотипом американских автомобилей была пятиугольная звезда создана в 1923 году. После присоединения компании к немецкому концерну Daimler AG в 1998 году лого изменили на «распахнутые крылья». Они демонстрируют виртуозность и уникальность автомобилей Chrysler.

Автомобили с логотипом животных

Jaguar — эмблемой которого первоначально было SS — Swallow Sidecar. С английского «swallow» означает «ласточка». После второй мировой войны, у большинства европейцев возникли негативные ассоциации с эмблемой SS (ассоциация с фашистами), поэтому владельцы компании решили изменить название марки. Swallow Sidecar заменили на Jaguar. Согласитесь, cила, изящность и грация, очень подходят к современным автомобилям марки Jaguar.

Lamborghini — поначалу итальянская компания занималась производством тракторов. Поэтому бык стал эмблемой компании. Это животное очень выносливо и сильно. Сейчас, автомобили марки Lamborghini — мощные, дорогие суперкары, и эмблема золотого быка им очень подходит.

Ferrari — автомобильный логотип этого бренда знаком всем. Его главные атрибуты — это гарцующий черный жеребец на желто-золотистом фоне с нарисованным итальянским флагом в верхней части логотипа.

Первоначально эмблема Ferrari была на самолете летчика Франческо Баракка, во времена Первой мировой войны. Энцо Феррари, попросил у Франческо отдать ему этот логотип. Летчик согласился и отдал право Энцо на использования лого.

Лучшие логотипы музыкальной индустрии

Virgin — британский звукозаписывающий лейбл. Создан в 1972 году Ричардом Брэнсоном и Саймоном Дрейпером. Название лейбла очень интересное. Virgin в переводе с английского означает «девственница».

Создал логотип Virgin Records (первая компания), английский иллюстратор Роджер Дин.

Спустя несколько лет, бренд Virgin стал очень популярным среди английских исполнителей. После подписания контракта Virgin с панк-рок-группой Sex Pistols, Брэнсон решил, что их компании не хватает дерзости. Поэтому, было принято решение изменить лого компании.

Легенда гласит, что один из художников нарисовал новое лого, которое мы знаем сейчас, на салфетке. Брэнсону оно очень понравилось. Новое лого Ричард ассоциировал из своей компанией. «Простота, мироощущение и энергия — это про нас», — говорил Брэнсон.

Sony Music Entertainment — создана в 1988 году и принадлежит компании Sony. Входит в «Большую четверку» звукозаписывающих компаний в мире. Sony Music охватывает практически весь шоу-бизнес.

Первое лого компании — разноцветные, маленькие треугольники в середине которых были буквы SMV. Лого компании очень часто менялось. В 2009 году компания Sony Music решила сделать логотип совершенно иным. Новое лого выглядит так: на белом фоне простой эффект красной кисти и появляется текст «SONY MUSIC» в соответствующем шрифте Sony.

AC/DC — знаменитая во всем мире рок-группа . Большинство людей может и не знать творчество группы, но лого AC/DC узнает каждый.

Создать логотип рок-группе помог креативный директор Боб Дефрином. Шрифт был выбран из Библии Гутенберга — это первая в истории печатная книга.

Намерение Уэрта состояло в том, чтобы создать эмблему в соответствии с библейскими образами песни AC / DC «Let There Be Rock». Конечно, молния и кроваво-красная окраска предполагают присутствие менее ангельских влияний.

The Rolling Stones — знаменитая британская рок-группа. Сделать логотип группе помог дизайнер Джон Паше. За свою работу он получил 50 фунтов. Дизайнер вдохновился выразительными губами и языком Мика Джаггера. Также он был вдохновлен индуистской богиней Кали.

Queen — британская рок-группа середины 1970-х годов. Она заполонила сердца многих слушателей. Лого создал солист группы Фредди Меркьюри. Он изобразил букву Q (название группы), которую окружают знаки зодиаков музыкантов группы.

Тренды в дизайне логотипов 2017

Тренды в дизайне меняются почти каждый сезон. Это касается не только одежды, макияжа и стиля, но и тенденций в графическом дизайне логотипов.
Тренды логотипов 2017 года

Минимализм

Много компаний прибегают к этому стилю, ведь минимализм — это простота и лаконичность. В минимализме используют очень мало цветовых гамм. Всё должно быть просто и исполнено в одном стиле, без лишних дополнений.

Например, всем известное приложение Instagram использовало этот стиль.

Первым логотипом компании было черно-белое изображение фотоаппарата Polaroid OneStep. В мае 2016 года компания решила сделать ребрендинг не только логотипа, но и сменить дизайн приложения. Сейчас это камера и радуга, выполненная с эффектом градиента.

Градиент цветов

Создать логотип с градиентом цветов — очень хороший ход для многих компаний, потому что этот тренд еще долго будет на пике популярности. Яркий пример — международная платежная система MasterCard. Дизайнеры компании упростили дизайн и использовали заливку геометрических фигур логотипа.

Черно-белый тренд

Черно-белый дизайн в тренде будет всегда. Лаконичность и простота двух цветов — это всегда беспроигрышный вариант.

Лучший пример — всемирно известный бренд Nike.

Создать логотип для бренда помогла Каролин Дєвидсон. На логотипе изображено абстрактное крыло богини Ники.

Геометрические фигуры

Чтобы создать уникальный но в тоже время простой логотип дизайнеры используют геометричиские фигуры, которые очень легко воспринимать и запоминать.

Пример — логотип YouTube — сервиса, предоставляющего услуги хостинга видеоматериалов. Логотип бренда — «пузырь» в середине которого находится значок «play».

Леттеринг

Довольно простой стиль. Буквы подбираются специально под конкретное название или текст и используется только один раз.

К леттерингу можно отнести логотип компании Google. Первое лого компании было создано в графическом редакторе соучредителем Сергеем Брином. Дизайнером нового стиля логотипа Google, стала Рут Кедар. Именно она придумала дизайн логотипа, который мы знаем сейчас.

Нарисованный от руки

Нарисованные от руки логотипы выглядят понятно и «по-народному». Очень много всемирно известных компаний используют этот стиль.

«Johnson & Johnson» — хороший пример нового тренда 2017 года. Логотип компании очень прост — это красный текст на белом фоне, написанный от руки.

Веб анимированные логотипы

Веб анимированные логотипы — тренд 2017 года. Они выглядят очень ярко, неординарно, С помощью Gif логотипов можно привлечь внимание потребителей.

Компания Disney уже давно использует этот тренд. Еще в 1985 году Тинкер Белл начал пролетать над замком спящей красавицы.

Компания KOLORO разработает для вас уникальный дизайн вашего логотипа, ведь наши специалисты всегда в теме новых тенденций мирового дизайна.

Логотипы брендов одежды в картинках: список, названия, история, фото

Логотипы брендов одежды интересны, потому что у каждого из них своя невероятная история. Они могут быть простыми, но узнаваемы миллионами людей по всему миру.

В этой статье мы рассмотрим логотипы самых известных брендов одежды, их значение и историю появления. Возможно, они вдохновят вас на создание собственного шедевра.

Рекомендуем: Click.ru – сервис контекстной рекламы для профессионалов

• Вознаграждение 8% с расходов на контекстную рекламу*
• Быстрое создание аккаунтов в Яндекс Директе и привязка существующих кампаний в Google Ads
• Бесплатные инструменты для профессионалов: генератор объявлений, медиапланер, автобиддер для управления рекламными кампаниями
• Нет комиссии на выплаты заработанного
• *Предложение для участников партнерской программы, соответствующих требованиям

Начать зарабатывать >>

Логотипы известных брендов одежды

Рассмотрим логотипы известных брендов спортивной, мужской, женской и детской одежды.

Логотипы брендов спортивной одежды

У логотипа Nike, простой галочки, есть свое название – свуш. Разработала его в 1971 году девушка-студентка Каролин Девидсон, всего за 35 долларов. Она предоставила основателю компании Филу Найту несколько вариантов логотипа для спортивной обуви, но он выбрал именно неприметную галочку. Его подкупила простота знака, и он верил, что со временем она будет нравиться потребителям все больше и больше. Гибкая, динамичная, простая – галочка теперь узнаваема во всем мире. На самом деле она символизирует крыло богини победы Ники (Nike), которая вдохновляла воинов на новые подвиги. Так теперь ее «крыло» вдохновляет на спортивные подвиги спортсменов по всему миру.

Adidas

Компания использует не один логотип, а несколько, но все они хорошо узнаваемы. Но самый любимый поклонниками марки знак – это трилистник с тремя полосками, который появился в 1971 году. До этого на продукции бренда были просто три полоски, которые даже не регистрировались как торговый знак.

Логотип-трилистник символизирует разнообразие линеек спортивной одежды, которое предлагает бренд.

В 1994 году с расширением линейки спортивной одежды появился еще один логотип, символизирующий гору, препятствия, которые приходится преодолевать спортсменам.

В 2005 году появился еще один фирменный знак – круг с тремя полосками. Сейчас он обозначает линейку Style – одежду для повседневной носки.

Сейчас компания использует в разных линейках одежды все три знака – и все они хорошо знакомы поклонникам бренда.

Under Armour

Этот бренд высокотехнологичной спортивной одежды и экипировки начинал свой путь как простой стартап. Название бренда появилось случайно, благодаря оговорке брата основателя компании Кевина Планка (изначально было — Body Armour).

Узнаваемый знак бренда – не что иное, как монограмма, удачно соединенные первые буквы слов названия — U и A.

Kappa

Итальянский бренд спортивной одежды, который легко узнать по логотипу – мужчина и женщина, сидящие спиной друг к другу.

Их силуэты символизируют не только то, что бренд выпускает и женскую, и мужскую спортивную одежду. Это еще и символ единства целей.

Бренд очень любят многие спортивные команды по всему миру. Да и сами вы, прогуливаясь по магазинам, обязательно остановите взгляд на продукции этой компании.

Demix

Это российская марка, работающая в низком ценовом сегменте, при этом предлагая одежду хорошего качества. Логотип марки хорошо знаком тем, кто посещает магазины «Спортмастер».

Стильный логотип бренда – стилизованная буква «D». Знак обозначает гибкость и стремление вперед.

Логотипы брендов мужской и женской одежды

BURBERRY

Английский бренд мужской одежды долгое время носил очень узнаваемый, оригинальный логотип, разработанный еще его создателем Томасом Барбери, и немного доработанный дизайнером Фабьеном Бароном. Рыцарь на коне во всеоружии, с буквой B на щите: мужество, сила, стремительность – все истинно мужские качества в одной картинке.

В 2018 году бренд сменил логотип на монограмму: хитросплетенные буквы В и Т – это инициалы основателя компании.

Модный дом Zara использует очень простой логотип-надпись, название своей компании.

В январе 2019 года бренд изменил свой лого, и эта метаморфоза была воспринята многими экспертами и потребителями негативно.

Изменился шрифт, а буквы заходят друг за друга, переплетаются. Получился логотип с легким налетом ретро, в котором угадывается отсылка к модным журналам 70-х годов.

Chanel

Логотип всемирно известного модного дома можно узнать из тысячи.

Это логотип-монограмма: умело переплетенные две буквы С, которые развернуты в разные стороны. Это инициалы основательницы модного дома — Coco Chanel. Впервые логотип увидел мир в 1925 году – его разместили на флаконах духов. Затем лого «перекочевал» и на другие продукты бренда.

Стоит отметить, что такой подход – логотип-монограмма, обыгрывающий инициалы своего основателя — самый распространенный вариант логотипа в индустрии моды.

Lacoste

Логотип в виде крокодильчика узнаваем во всем мире. Появился он в 1933 году. Основатель компании Жан Рене Лакост изначально занимался выпуском теннисных рубашек, и при этом сам занимался этим видом спорта. У него даже было спортивное прозвище – Аллигатор. Нарисовал аллигатора в шутку один из друзей Лакоста, и этот маленький крокодильчик стал логотипом бренда.

Hermès

Французский бренд одежды класса люкс обладает интересным логотипом, который иногда используется как принт.

На логотипе можно увидеть запряженный экипаж и кучера. Фирменный цвет бренда- оранжевый. По словам основателей, знак показывает, как бренд эволюционировал с течением времени. В то же время он как бы намекает на аристократичность торговой марки.

Правда, на обуви и одежде бренда чаще можно заметить просто букву “H”.

Emporio Armani

Это лейбл, который входит в состав бренда Giorgio Armani. Если у самого бренда простой логотип – название компании, черные буквы на белом фоне, то у лейбла Emporio Armani лого поинтереснее.

Это полосатый орел, который раскинул крылья и смотрит вправо. На нем изображены буквы GA. Версий значения логотипа очень много, но самая распространенная – орел обозначает свободу, высокое качество и превосходство бренда.

В любом случае, орел очень узнаваем (и его часто пытаются подделать).

Versace

На логотипе этого модного дома изображена медуза Горгона – персонаж из древнегреческой мифологии.

Идея логотипа принадлежит самому основателю модного дома — Джанни Версаче. Он обожал мифологию, и образ Горгоны показался ему удачным. Женщина должна быть воплощением роковой привлекательности – вот такой посыл заложен в этот логотип.

Логотипы брендов детской одежды

Логотипы брендов детской одежды интересны тем, что отражают особый подход к детской аудитории. Они выполнены в ярких цветах, часто используют рисованных, «мультяшных» персонажей.

Это относительно молодая марка детской обуви, которая появилась в 2007 году. Но бренду уже доверяют многие родители в странах СНГ.

Логотип бренда типично детский: это щенок, который заинтересованно что-то рассматривает.

Забавный персонаж – воплощение детского любопытства и непосредственности.

Chicco

Эта компания производит товары для детей от рождения до 3 лет, в том числе и одежду. Один из известнейших детских брендов в мире родом из Италии.

Название бренда переводится с итальянского как «зернышко» (так основатель компании ласково называл своего первенца). И если присмотреться к форме логотипа и тому, как идет надпись, то можно увидеть очертания зернышка пшеницы.

Blukids

Молодой итальянский бренд одежды для детей до 14 лет. Известен доступными ценами и удобной, практичной повседневной одеждой в стиле кэжуал.

Логотип бренда – это его название, словно написанное детской рукой, синим и розовым фломастером (типичные «детские» цвета – для мальчиков и девочек).

Little Pieces

Датский бренд одежды для детей и подростков использует простой логотип. Последняя буква в слове «little» словно превращается в нитку, или шнурок, завязанный бантиком. Возможно, это отсылка к ленте в волосах у девочек, или к тому непростому навыку, который мы постигаем в детстве – мастерству завязывать шнурки.

Все логотипы брендов одежды разные. У каждого своя история и свое значение. Есть у них и нечто общее: например, логотипы модных домов женской и мужской одежды часто представляют собой монограмму из инициалов основателя или название компании, написанное особым шрифтом. Спортивные и детские бренды более яркие и интересные – потому что у них особая целевая аудитория.

Логотип какого бренда одежды лично вам по душе? Расскажите в комментариях!

Обзор трендов 2019 года в дизайне логотипов: подборка прогнозов студий и сервисов

От онлайн-генератора логотипов «Логастер».

Свой список тенденций мы опубликовали ещё в конце 2018 года. Лидирующую позицию в нём получила тенденция к упрощению логотипов, удалению малозначимых декоративных составляющих и акценту на отдельных деталях.

По мнению дизайнеров сервиса, стоит создавать композицию из текста и графики, а если это будет уместно, то и вовсе отдать предпочтение логотипу с вертикальной ориентацией.

Не менее значимыми специалисты считают геометрические формы (от полос и тонких линий до кругов и углов) и градиенты (призваны придать композиции объём и глубину, особенно в случае с неоном).

Ещё один перспективный тренд — авторские логотипы, стилизованные под ту или иную технику живописи (акварель, пастель и так далее).

Тренды от «Логастера»:

• Упрощение.
• Вертикальная ориентация и эксперименты с надписями.
• Опущение элементов.
• Акцентирование на деталях.
• Градиент.
• Неон.
• Углы и ломаные линии.
• Полоски.
• Акварель и другие имитации рисунков от руки.
• Текстовые логотипы.
• Геральдические элементы и штампы.
• Круги и округлые сегменты.
• Тонкие линии.

Templatemonster

Templatemonster обладает одной из наиболее крупных дизайнерских коллекций, при этом особенно выделяя текстовые логотипы. Так что нет ничего удивительного, что ведущими трендами, как считают специалисты этого сервиса, будут текстовые логотипы (в виде разнообразных экспериментов с начертанием), негативное пространство (скрытая в тексте графика), различные буквенные композиции и обрамлённые тексты.

Templatemonster солидарен с «Логастером» относительно актуальности тенденции к упрощению и минимализму с применением необходимого минимума цветов и простых геометрических форм.

Градиенты тоже нашли своё место в списке трендов этого сервиса, особенно в сочетании с экспериментальной геометрией или асимметричными деталями (так называемые лого-обманки). Помимо этого, Templatemonster считает достойным внимания приём наложения деталей, способный придать композиции законченность и оригинальность.

Тренды от Templatemonster:

• Креативное упрощение.
• Эксперименты с текстовыми конструкциями.
• Фрагментирование с потерей элементов.
• Выделение одной или нескольких деталей.
• Градиент.
• Переосмысление геометрических форм.
• Срезы.
• Негативное пространство с использованием текста.
• Наложение.
• Лого-обманки.
• Классические текстовые логотипы.
• Округлость.
• Обрамлённый текст.
• Рисунок от руки.

Graphicmama

Такой известный источник качественных иллюстраций, как Graphicmama.com, рекомендует обратить внимание на сочетание минимализма и нестандартной геометрии. Команда сервиса считает актуальной тенденцию к упрощению буквенных композиций и видит её воплощение в использовании всего одной или двух букв вместо названия компании целиком или полной замене графикой букв и символов.

Также Graphicmama высоко оценивает логотипы с металлическим эффектом — тренд, завоевавший популярность в прошедшем 2018 году.

Дизайнерские логотипы, по мнению сервиса, не менее популярны. Почти безграничная свобода обычно даёт оригинальный результат.

Тренды от Graphicmama:

• Минималистичный дизайн.
• Графика вместо букв.
• Градиент.
• Геометрия.
• Текстовые логотипы в минималистичном стиле.
• Нестандартные логотипы.
• Яркая расцветка.
• Логотипы с авторским дизайном.
• Металлический эффект.

Crowdspring

Профессиональный дизайн логотипов от Crowdspring примечателен своим акцентом на минималистичном стиле без неоправданно усложнённых элементов.

По мнению дизайнеров сервиса, в 2019 году трендовыми снова станут винтажные логотипы и броские эмблемы из 1980–1990-х годов как достойная конкуренция монотонному и унифицированному масс-маркету.

Компания также выделяет тенденцию к экспериментам с буквами. Деформированные или частично стёртые, они способны сделать логотип привлекательнее и более запоминающимся. Немалый простор для экспериментов даёт и использование геометрических форм и градиентной окраски вместо букв. Простые шрифты — одна из важнейших составляющих минимализма, которая снова в тренде.

Тренды от Crowdspring:

• Текстовый минимализм.
• Стёртые или частично удалённые буквы.
• Графика вместо букв.
• Градиентная расцветка.
• Креативная геометрия.
• Стилистика 1980-х и 1990-х годов.
• Выпуклые буквы.
• Рисунок от руки.
• Негативное пространство.
• Простые шрифты.
• Винтажная изысканность.
• Милые или комичные иллюстрации.
• Яркая расцветка.
• Эксперименты с перспективой.
• Хипстерский монохром.
• Гибкий дизайн.
• Металлический эффект.

Justcreative

Джейкоб Касс, основатель Justcreative, в качестве ключевой тенденции 2019 года определяет универсальность логотипов. Под этим понятием подразумевается возможность размещения логотипов на самых разных носителях — от чашек и визиток до иконок, баннеров и плакатов.

Едва ли не экстремальный уровень минимализма и противоположная ему детализация также входят в список актуальных тенденций, несмотря на некоторое противоречие.

Оптические иллюзии занимают особое место в списке от Justcreative, ведь они помогают сделать логотипы по-настоящему необычными и привлекательными.

Также дизайнеры уделяют внимание полуплоским логотипам со светотенью и рукотворным текстовым композициям.

Тренды от Justcreative:

• Доведённый до абсолюта минимализм.
• Обилие мелких деталей.
• Мягкая геометрия.
• Стилистика 1980-х и 1990-х годов.
• Интеграция негативного пространства.
• Наложение элементов.
• Забавные логотипы.
• Универсальные логотипы.
• Исторические и ретро-логотипы.
• Рукописный текст.
• Обновлённый винтаж.
• Визуальные иллюзии.
• Эмблемы и значки.
• Светотень полуплоских логотипов.

99designs

Команда 99designs придерживается мнения, что ключевым трендом 2019 года должен стать нетрадиционный взгляд на минимализм. Минималистичный стиль сочетается с абстракцией, и это позволяет установить акцент на основном посыле путём отсекания всего лишнего. Но при этом должное отдаётся и детализации, которая делает логотип привлекательным для аудитории.

По мнению 99designs, для получения трендового логотипа стоит поэкспериментировать с геометрическими формами, их сочетанием с яркими цветами, эффектами от наложения элементов и негативного пространства.

Также дизайнеры отмечают, что винтажные текстуры, классические гербы и прочая геральдика имеют все шансы получить второе рождение в 2019 году. То же касается и логотипов-обманок с их завораживающими 3D-эффектами, частично стёртыми буквами и асимметричными формами.

Тренды от 99designs:

• Обновлённый минимализм.
• Детализация.
• Необычная геометрия.
• Наложение.
• Старинная геральдика.
• Негативное пространство.
• Эксперименты с цветовой палитрой.
• Лого-обманки.
• Меняющийся динамичный логотип.

Canva

Поставщик профессиональных макетов для создания графики Canva определяет градиент как лидирующий тренд 2019 года. Полученные за счёт комбинирования цветов новые яркие оттенки привлекают внимание к логотипу и делают его более запоминающимся. В результате неон также будет востребован, наравне с нестандартной геометрией, необычными узорами и минималистичным стилем.

И пока остальные эксперты рекомендуют обратить внимание на текст, Canva предпочитает графические логотипы, ведь один удачный символ порой стоит тысячи слов. На практике это может воплотиться в форме полуплоского логотипа или нарисованной вручную иллюстрации. А если говорить о текстах, то достойным внимания считается такой тренд, как выпуклые буквы.

Тренды от Canva:

• Градиент.
• Геометрия.
• Стилистика 1980-х годов.
• Выпуклые буквы.
• Рисунки от руки.
• Неон.
• Полуплоские логотипы.
• Тонкие линии.
• Логотип из одного изображения.
• Обрамлённый текст.

Popwebdesign

Агентство Popwebdesign выделило две важные тенденции 2019 года: монохромные логотипы в минималистичном стиле и броские эмблемы, окрашенные в насыщенные цвета или нестандартные градиенты.

Команда агентства также считает важными анимированные динамические логотипы и иллюстрированные контекстные лого. Первые и вторые позволяют наглядно продемонстрировать идею бренда, его стиль и оригинальность, воплотив их в запоминающейся сюжетной графике или привлекательном персонаже.

Тренды от Popwebdesign:

• Монохромный минимализм.
• Иллюстрированные контекстные логотипы.
• Градиенты и необычные расцветки.
• Геометрия.
• Анимированные динамические логотипы.

Сервис WIX объявил текстовые логотипы наиболее значимым дизайном 2019 года. Предпочтительным считается ретро-стиль, предполагающий использование шрифтов с засечками, но без чрезмерной детализации и декоративности. Также командой сервиса отмечено обрамление текста как способ сделать логотип гибким и максимально читабельным.

Универсальность стоит во главе большинства трендов, обозначенных командой WIX. Те же рисованные логотипы считаются актуальными, но при этом должны подходить для самых разных мест размещения и ситуаций. В этом смысле хороши круглые логотипы, которые идеально размещаются как на визитках, так и на билбордах.

• Рисунок от руки.
• Текстовые логотипы.
• Гибкие логотипы.
• Круги и округлости.
• Шрифты с засечками.
• Обрамлённые текстовые композиции.
• Изображения рук.

Thelogocreative

Перечень трендов студии Thelogocreative возглавило новое видение минимализма, в котором воплотился максимально креативный подход к оформлению и поиску неоднозначного символизма. Противовесом минимализму служит не менее трендовая детализация, позволяющая разнообразить композицию и сделать её более богатой по смыслу.

Помимо этого, дизайнеры компании предлагают уделить внимание необычным графическим эффектам. Сочетание строгости геометрических фигур и жизнерадостности ярких цветов, 3D-иллюзии, адаптируемые под любой носитель гибкие логотипы — вариантов много.

Тренды от Thelogocreative:

• Обновлённый минимализм.
• Детализация.
• Оригинальная геометрия.
• Наложение.
• Эксперименты с негативным пространством.
• Гибкие лого.
• Классика в новой интерпретации.
• Иллюзорная перспектива.

Designshack

Список трендов от Designshack содержит немало уже знакомых трендов, среди которых представлены шрифты с засечками, наложение элементов, текстовые логотипы (состоящие только из строчных букв), детализация и прочие. Но в перечне есть и другие тенденции, незаслуженно обделённые вниманием со стороны большинства дизайнеров.

Примером могут послужить одноцветные композиции — следующий уровень упрощения после чёрно-белых лого. Также дизайнеры Designshack высоко оценивают плоские логотипы, формирующие особенно эффектные композиции с небольшими иконками и минималистичными шрифтами.

Тренды от Designshack:

• Обилие деталей.
• Простота линий и форм.
• Наложение.
• Строчные буквы на текстовых логотипах.
• Одноцветные логотипы.
• Круги.
• Инициалы, аббревиатуры.
• Шрифты с маленькими засечками.
• Плоские логотипы.

Borodaboroda

Специализируясь на помощи в создании трендовых и технологических продуктов, сервис Borodaboroda предоставил свою подборку трендовых дизайнов логотипов на 2019 год. По мнению экспертов, главная тенденция — всё то же упрощение в виде простой геометрии и плоского градиента.

Путь эволюции — нарисованные вручную логотипы, эксперименты с абстракцией и применение смелых цветовых решений и паттернов. Также имеет все шансы на камбек из 2017 года шрифтовый хаус, представляющий собой различные виды экспериментальной типографики.

«Апельсин»

Список трендов от компании Апельсин демонстрирует ценность не только универсальности логотипа, но и максимальной дизайнерской вариативности. Вопреки устоявшейся тенденции к упрощению рекомендуется отдать предпочтение многогранному и детализированному дизайну, позволяющему выделиться на фоне конкурентов.

Эксперты также советуют отойти от наработок классического дизайна и посвятить время экспериментам с градиентом, перспективой, необычными сочетаниями очертаний и цветов. New-age-геометрия позволит вырваться из рамок надоедливой строгости ровных углов и прямых линий.

10 fashion-иллюстраторов в Instagram, которые вдохновят каждую

Самые стильные художники, которые обожают моду и красоту

Во время Недель Мод, премии «Оскар», а также таких обсуждаемых мероприятий, как Met Gala и королевских бракосочетаний пользователи сети с удовольствием и нескрываемым восхищением следят за художниками, которые делают мгновенные зарисовки прошедших событий. Помимо общего смысла, в своих работах иллюстраторы передают настроение мгновения, которое часто вдохновляет даже больше, чем фото или видео. Каждый мастер добавляет в свои рисунки часть себя, своего уникального взгляда на мир и свои глубокие внутренние эмоции. Именно это делает небольшие художественные произведения столь ценными и исключительными в своем роде. ELLE сделал подборку 10-ти лучших fashion-иллюстраторов, на которых стоит подписаться в Instagram и черпать в их скетчах ежедневные порции вдохновения.

1. ДИАНА СУЛТАНОВА

Уникальный стиль Дианы Султановой— модная иллюстрация с этническими мотивами, которые тесно переплетаются с народным фольклором — давно завоевал поклонников не только в нашей стране, но и за ее пределами. Художница окончила Лицей искусств во Владикавказе, а затем получила специальность дизайнера костюмов в московском университете имени Косыгина. Своими главными источниками вдохновения Диана считает готическую архитектуру, восточное искусство, а также творчество Прерафаэлитов. За модными рисунками Дианы следят такие модные бренды, как Valentino, Roberto Cavalli, Lanvin, Zuhair Murad — марки часто публикуют работы Султановой в своих профайлах, отмечая уникальный талант российской художницы.

«Для меня модная иллюстрация — это некий симбиоз моды и искусства. Порой иллюстрации, на мой взгляд, могут раскрыть суть коллекции и замысла автора гораздо лучше, нежели фотографии. Когда я создаю иллюстрацию, то пытаюсь передать свои ощущения от той или иной модели, создать вокруг нее особый сказочный мир».

2. Алена Лавдовская

Один из ведущих fashion-иллюстраторов в России и первый художник в нашей стране, поднявший этот жанр на столь высокий уровень. Алена — выпускница таких престижных учебных заведений, как Академии Искусства в Сан-Франциско, NABA в Милане и МГТУ им. Косыгина. Лавдовская проработала в индустрии моды и люксовом фэшн ритейле более 17 лет, начав карьеру в Gucci и в легендарном креативном отделе ЦУМа, где команда талантливых художников, стилистов и декораторов каждый день создает яркие проекты витрин и внутреннего оформления универмага. Сейчас за плечами девушки коллаборации с ведущими фэшн-брендами и глянцевыми изданиями, а также открытие собственной школы рисования.

«Для меня самый большой кайф − это рисовать репортажные иллюстрации с шоу, особенно мне нравятся атмосферные моменты во время шоу или бэкстейдж».

«Нужно делать то, что тебе нравится, следить за тенденциями, найти свой стиль, не жалеть себя и идти к цели. Понять, кто твой гуру и главный критик, чтобы не давал расслабляться. И рисовать. Кто работает, к тому обязательно приходит удача!»

3. БЕЛИНДА КСИА

Австралийский иллюстратор Белинда Ксиа известна своей любовью не только к миру моды, но красоты и интерьерного дизайна. В копилке художницы коллаборации с модными онлайн брендами, кафе и рождественскими ярмарками. В инстаграме иллюстратора можно найти скетчи с последними фэшн-трендами, интересные каллиграфические зарисовки и анимационные картинки.

4. ДОНАЛЬД РОБЕРТСОН

Журнал Vanity Fair называет американского иллюстратора — современным Энди Уорхолом из Инстаграма, а поклонники ценят Робертсона за его уникальный и ироничный взгляд на мир моды. Сейчас канадский художник проживает в Нью-Йорке и занимает должность креативного директора в компании Estee Lauder. Уверяет, что в жизни его больше всего вдохновляют королевские свадьбы, супер-кубки, а также собственная жена и пятеро любимых детей.

5. ЛЕНА КЕР

Российский иллюстратор Лена Кер считается одним из самых профессиональных модных художников в мире. На данном этапе сотрудничает с мировыми глянцевыми изданиями и такими модными брендами, как Dior, Jimmy Choo, J.Crew и Mark Cross. Художница считает себя не просто мастером по рисунку, но настоящим дизайнером, ведь именно такое видение своей работы позволяет Кер создавать скетчи, граничащие с настоящими фэшн-эскизами.

6. Кэти Роджерс

Американская художница родилась в Атланте, но на сегодняшний день проживает в Нью-Йорке — любимом городе, который дарит иллюстратору невероятное вдохновение. Художественный стиль Кэти легко узнаваем. Все ее работы легки по настроению и обладают детским очарованием. Для некоторых рисунков Кэти использует блестки, что добавляет эскизам объемности и реалистичности. Отметим, что Роджерс создала блог с личными иллюстрациями Paperfashion в 2009 году и за прошедшие 9 лет успела поработать с такими марками, как Clé de Peau, Kate Spade, Coach, Alicia Keys, Calypso St. Barths, Stuart Weitzman, Paul Mitchell, Target и Nabisco.

«Я трачу много времени, изучая фотографии с показов мод, журналы, новые тренды, дизайнерские новинки и так далее. Вдохновение приходит от разных вещей и людей. Я люблю наблюдать за людьми на улице, изучать их персональный стиль. В этом мне часто помогают блоги thesartorialist, copenhagenstreetstyle, facehunter и stylescout».

«Для своей работы я использую акварельные краски Winsor & Newtoon, кисти, чернила и ручки. Уже давно придерживаюсь мнения, что многое в рисунке будет зависеть от качества бумаги. Так что для новичков советую не экономить на материалах».

7. Меган Хесс

В своих интервью мельбрунский иллюстратор Меган Хесс рассказывает, что больше всего вдохновляется миром моды и гламура. В 2008 году Хесс иллюстировала книгу «Секс в большом городе» Кендес Бушнелл, с тех пор она работает со многими известными изданиями и марками. Ее знаменитые клиенты включают в себя: Chanel, Dior, Тиффани & Co., Yves Saint Laurent, Vogue, Harpers Bazaar, Fendi, Ladure, The Ritz Hotel Paris, Мишель Обама, Cartier, Montblanc, Ladure, Balenciaga, Guerlain и Paspaley. Также дизайнер выпускает ограниченные серии шёлковых шарфов и подушек с её фирменными принтами.

8. САРА ХАНКИНСОН

Еще один иллюстратор из Австралии создает свои иллюстрации с помощью акварели, угля, чернил и простого карандаша. Помимо элегантных модных рисунков, Сара обожает свадебную тематику, фуд-иллюстрацию и ботанические скетчи. Недавно художница стала мамой во второй раз, но, несмотря на это, темп работы не снижает. За плечами Сары сотрудничество с такими компаниями, как Target, Maybelline, Sportsgirl, Portmans, Hardie Grant Publishers и Implulse Body Spray. Своё вдохновение Ханкинсон черпает в фэшн-фотографии, книгах, журналах и блогах. Её кумир — художник Кэт Маклеод— австралийский иллюстратор, которая оформляла такие книги, как «The Cocktail: 200 Fabulous Drinks» («Коктейль: 200 потрясающих напитков») и «Bird» («Птица»).

9. КСЕНИЯ ОНЕГИНА

Иллюстратор из Санкт-Петербурга Ксения Онегина — профессиональный дизайнер интерьера, которая нашла себя в акварельной живописи несколько лет назад. Сейчас Ксения создает рисунки, а также жанровую живопись с акцентом на мир моды. В работах Онегиной превалируют иллюстрации девушек в сезонных образах, а также встречаются отсылки к таким фильмам, как «Завтрак у Тиффани» и «Реальная любовь». Рисунки отличает удивительный романтизм, поэтичность и беззаботность, которые вдохновляют на шоппинг и прогулки по городу.

10. САША ДЕЙНА

В работах украинской художницы, окончившей Академию искусств в Харькове, чувствуется не только особая магия и поэзия мира моды, но тонкий психологический взгляд на действительность. Герои иллюстраций Дейны помимо одежды — обыкновенные люди и известные актеры, чьи характеры и настроение считываются с одного взгляда на скетч.

«Мой любимый ритуал для вдохновения — налить чашку чая с лимоном и открыть книгу с картинами импрессионистов. Каждый сантиметр их работ можно смело вставлять в рамку и это не может не мотивировать».

Бренды одежды — список самых лучших марок одежды

С каждым днем модные направления активно расширяются и обновляются. Это приводит к тому, что образуются новые бренды одежды. Каждый из них имеет определенную направленность в мире моды и нашел своих поклонников. Некоторым кутюрье приходилось работать не один год, чтобы воплотить мету в реальность и получить мировое признание.

Бренды для молодежи

Рассматривая фото молодежи, становится понятно, что им по вкусу приходится одежда, которая будет демонстрировать их свободу. Мировые бренды прислушиваются к мнению своих поклонников, создавая гардероб, олицетворяющий дерзость, смелость, легкость и закрепощенность. Известные марки были слишком очарованы таким направлением стиля, что многие из ни решили оставаться в уличной моде навсегда.

Одним из самых востребованных остается бренд Burberry. Его основателем был Берберри. В 1856 году он смог открыть маленький магазинчик, который уже через 100 лет стал легендарной маркой. Она ценится за универсальные и практичные наряды. Особенность нарядов в черно-бежевой клетке, габардинах и тренчах.

Следующий молодежный бренд – это Lacoste. Его основателем стал известный теннисист Рене Лакост. Он совершенно неожиданно для всех стал разрабатывать стильную молодежную одежду, которая через некоторое время покорила сердца многих людей. Специализируется он на выпуске повседневного гардероба, спортивной одежды и изысканных модных тандемов.

Рассматривая модные бренды молодежной одежды, нельзя не упомянуть про таких метров:

• Фред Перри;
• Стон Исланд;
• Массимо;
• Генри Ллойд;
• Томми Хилфигер;
• Фила

Мировые бренды

После того, как модные фирмы одежды смоли завоевать известность и авторитет, они всеми усилиями пытались его сохранить. Для этого им приходилось придумывать постоянно свежие идеи, которые бы не пересекались с другими торговыми марками. Кроме этого, вся одежда должна быть высокого качество, ведь только так можно было продлить популярность. Сегодня имеется довольно большой список логотипов, но остановимся на самых востребованных.

Louis Vuitton

Этот бренд не нуждается в представлении, так как о нем знает практически каждый, даже ребенок. Специализируется она на пошиве качественных сумок, чемоданов и аксессуаров. Хотя каждый желающий сможет отыскать для себя не менее экстравагантную одежду для повседневной носки.

Prada

Этот бренд специализируется на выпуске чемоданов, сумок, верхней одежды. Отыскать в ассортименте можно практически все. Некоторые полагают, что иметь у себе какой-нибудь элемент Прада – это признак роскоши. И это действительно так, ведь вся продукция эксклюзивная и качественная. Но и стоимость также высокая.

Chanel

Логотип Шанель носит имя легендарного модельера Коко Шанель. Она могла продемонстрировать мру и внедрить в женскую моду брюки, которые на протяжении многих лет считались исключительно мужским элементов гардероба. Особый успех бренду Шанель принесло миниатюрное черное платье.

Christian Dior

Эта фирма продемонстрровала свои изделия в 1946 году. Отличается он изысканной продукцией. Специализируется бренд на изготовлении обуви, одежды, парфюмерии, а также средств по уходу за кожей. Отличительная особенность торговой марки в простоте, лаконичности. Кроме этого, дом моды всегда радует своих клиентов новыми и необычными коллекциями.

Гуччи

Это бренду мир обязан известному дизайнеру Гуччо Гуччи (Gucci), который впервые показал миру результаты своих трудов в 1921 году. С того времени его имя фигурирует в списке «самые лучшие бренды». Специализируется дом на выпуске кожаных изделий, аксессуаров, одежды и духов.

Giorgio Armani

Он был образован в 1975 году. Широкую известность он завоевал благодаря тому, что выпускает самые красивые вещи, получавшие популярность в коллекциях высокой моды. Особенным спросом марка пользуется среди молодых людей.

Burberry

Основателем этой фирмы считается Томас Бербери. Впервые мир увидит значки с надписью Burberry в 1856 году. Специализируется компания на выпуске качественной верхней одежды и пледов. До настоящего времени фирма не утратила свою популярность. Более того, она с каждым годом только увеличивается.

Оскар Де Ла Рента

Этот бренд занимает лидирующую позицию в мире мод. Сегодня многие знаменитые люди и известные политики одеваются, покупая гардероб у этого модного дома. Вряд ли какое-то крупное торжество могли пройти без торжественных нарядов этого бренда. Его основателем был молодой и перспективный дизайнер. Первую известность он приобрёл после того, как Жаклин Кеннеди приобрела эту одежду и решила регулярно обновлять свой гардероб, используя изделия этого дома моды.

Versace

Впервые увидеть одежду с эмблемой этого мирового бренда можно было в 1978 году. Основателем его считается Джанни Версаче. Его одежду используют многие артисты и люди, которые часто бывают на публике. Отличаются модели роскошным внешним видом, изысканностью, сексуальностью.

Этот бренд является довольно молодым. Итальянская компания вышла в свет в 1985 году. Ее основателями являются Доменико Дольче и Стефано Габбана. Модели одежды, выпускаемые этой торговой маркой, отличаются красотой и изящным внешним видом. Благодаря этому бренд очень быстро приобрел востребованность и мировую известность, которая не сдает своих позиций до сегодняшнего дня.

Популярные бренды России и стран СНГ

Рассматриваемая самые популярные бренды России и стран СНГ, необходимо упомянуть о таких:

Каждый из этих брендов выпускает свои оригинальные элементы одежды, благодаря чему удается удовлетворить вкусы людей разного возраста, положения в социоме и стиля.

Если говорить о юношах и девушках, которые приветствуют стиль панк, милитари и гранж, то работают в этом направлении такие знаменитые фирмы: Марк Джейкобс и Вивьен Вествуд.
Для молодых парней, девушек, которые предпочитают классику в тандеме со спортивным стилем одежду разрабатывают следующие мировые бренды:

Для молодёжи, которая любит одеваться стильно, при этом не боится смелых решений, стоит рассмотреть стиль бэби долл и кэжуал. Дополняют список известных брендов в России такие марки, как Бефри и Десигуаль. Для женщин более старшего возраста, которые из стиля бизнес-вумен желают перевоплотиться в загадочную незнакомку, стоит выбирать наряды следующих фирм:

Представители женской одежды

Если рассматривать все бренды одежды для женщин, то их насчитает около 300 видов. Среди них имеются популярные и еще не совсем известные фирмы. Стоит отметить, что дамы в своем выборе довольно капризными, на покупку одежд они готовы потратит не один день.

Так что в список мировых брендов женской одежды вошли только самые востребованные дома моды, к которым стоит отнести:

• Шанель.
• Анна Суи.
• Кира Пластинина.
• Глория Джин.
• Оджи.
• Гуччи.
• Виктория Сикрет.
• Манго.
• Colin’s.
• Зара.

Топ-10 самых дорогих марок:

Детские бренды

Дизайнеры, специализирующиеся на пошиве детского гардероба, особое внимание уделяют качеству продукции. Рассматриваемые топ бренды включают как зарубежные, так и российские фирмы. Самыми популярными остаются:

1. Алолика. Это отечественная марка, который специализируется на пошиве детской одежды. Используют для этого только безопасные материалы. Это относится не только к тканям, но и аксессуарам.
2. Baby Rose. Это турецкая фирма, которая занимается пошивом красивых платьев для юных модниц. Изделия отличаются оригинальным дизайном и высокими качественными характеристиками.
3. Картерс. Это известный американский бренд, специализирующийся на пошиве детского гардероба. Широкий спрос фирмы обусловлен высоким качеством и оптимальными ценами.
4. Френдс. Торговый дом, который занимается пошивом одежды для детей дошкольного возраста. Все изделия выглядят красиво, а для их изготовления используется гипоаллергенный материал.
5. Анко. Пошив одежды для детей осуществляется в Китае и Таиланде. Выпускаемые модели характеризуются оригинальным дизайном и высокими качественными характеристиками.

Сегодня с выбором эксклюзивной одежды никаких проблем возникнуть не должно, ведь имеется множество известных мировых брендов. Благодаря такому широким выбору подобрать наряд сможет каждый человек, исходя из возраста, стиля и особенностей фигуры. При этом важно учитывать и стоимость, ведь одежда известных брендов обходится недешево.

5 стилей в фэшн-иллюстрации

На дворе почти сентябрь, и через несколько дней, начиная с Нью-Йорка, стартует эстафета недель моды! Верный спутник насыщенных дней – фэшн-иллюстрация, и сегодня я хочу выделить несколько направлений в модной иллюстрации, но главное, рассказать о том, какие навыки пригодятся для, чтобы начать рисовать в понравившемся стиле.

1. На скорую руку

Эстетика быстрых скетчей покоряет с первого взгляда, потому что он как никакой другой соответствует духу недели моды. Он яркий, выразительный и очень экспрессивный. Кстати, скорость исполнения такой зарисовки может быть обманчива! Зачастую зритель думает, что рисунок выполнялся минут 5, тогда как художник трудился дольше. Здорово, если иллюстратор делает наброски в живую, они бесценны.

Главное, что нужно для того, чтобы освоить скетчинг, это набить руку на скорость. Например, открыть свежие снимки с показов в Лондоне (LFW пройдет 14-18 сентября) и дать себе по 3-5 минут на каждый образ, работая мягким карандашом или фломастером. Уверяю, что через несколько десятков набросков вы заметите прогресс.

2. «Как на фотографии».

Шучу, конечно. Для профессиональных художников этот распространенный комплимент на самом деле является сомнительным, но именно так я решила обозначить направление, максимально близкое к реализму. Я думаю, в этом стиле работают те мастера, которые вдохновляются лицами моделей и хотят наилучшим образом отобразить и подчеркнуть их красоту.

Реализм требует большого мастерства и оттачивания навыков. Изучение анатомии – необходимая база, потому что зритель очень легко считывает несоответствия в пропорциях. Для того, чтобы освоить это направление можно начать с азов, т.е. с академического рисунка карандашом.

иллюстрация Наили Бутусовой c образами Nikolay Legenda

Своим видением фэшн-иллюстрации делится дизайнер бренда Nikolay Legenda и яркий участник MBFWRussia ОЛЬГА КАПИТОНОВА.

«В работах для меня важна личность самого иллюстратора.

Нужно вырабатывать собственный почерк. Как и дизайнеры работают каждый в своем направлении, так и иллюстраторы. При желании можно уметь рисовать все, но потом каждый выбирает то, что становится ему ближе по стилю.

Прорисовка деталей одежды зависит от итоговой цели применения иллюстраций. Для передачи образа не так важны мелкие детали, но я считаю, что для иллюстратора было бы не лишним знание логики вещей, хоть и небольшое, но оно должно быть. У быстрых скетчей нет времени на прорисовку, здесь больше акцента на силуэт, фактуры и т.д. Но даже у таких набросков должен быть вид готовой работы.»

3. В мире сказок

Фэшн-иллюстрации в стиле фэнтези, на мой взгляд, самые недооцененные! Признаюсь честно, я не обладаю фантазией, чтобы создавать такую красоту, а фантазия определенно тут нужна. Если вы чувствуете, что в вашей голове рождаются необычайные образы, попробуйте зарисовать их хотя бы в черновом варианте. Базовые знания по рисунку и живописи не помешают точно, но на курсы фэшн-иллюстрации людям с уникальной фантазией идти нет необходимости.

4. «Лухари»

Самый востребованный среди заказчиков и на стоках стиль является современной версией «dolce vita». Среди всех авторов можно выделить Хайдена Уильямса и Меган Хесс. Их героини обладают шиком и лоском, а пропорции напоминают кукольные.

Хорошо изучив особенности пропорций этого жанра и внеся что-то от себя, можно успешно создавать собственные картины «красивой жизни».

5. Персонажи

На десерт я оставила уникальные, необычные арты, вдохновляющие в первую очередь личностью своего создателя. Художники-иллюстраторы этого ряда создали своих собственных персонажей. Это тот случай, когда никакие правила обучения не действуют. Главное, больше смелости, и чтобы все работы создавались в рамках одной творческой концепции. Вдохновение стоит искать внутри себя. Персонажи, уже созданные ранее, настолько яркие и известные, что любое подражательство будет считываться.

Желаю творческих успехов и яркой осени!

Хотите быть в курсе самых свежих публикаций?
Подписывайтесь на наш Telegram-канал

Наиля Бутусова

Художник-иллюстратор

Работает в жанрах fashion и архитектурной иллюстрации, участвует в выставочной деятельности. Наиля рисует для недели моды MBFWRussia, ведет свой блог в Instagram, издает авторскую полиграфическую продукцию.

Что такое Fashion иллюстрация (Fashion Illustration)

Работа фэшн-иллюстратора — создавать скетчи, наброски, картинки, лукбуки, рекламу, обложки в стиле fashion. Это значит — броско, ярко, с акцентом на смысловые детали образа.

Фэшн-иллюстраторы рисуют:

• 
  моделей в полный рост;
• 
  крупные планы, лица;
• 
  косметику и парфюм;
• 
  аксессуары;
• 
  сюжетные зарисовки;
• 
  узоры.

Диснеевские принцессы в стиле fashion, Guillermo Meraz

Одни художники делают скоростные зарисовки на модных показах, другие готовят иллюстрации для книг, журналов и онлайн-ресурсов. Еще один плюс качественного и долгосрочного обучения в профессиональных школах — опыт работы над реальными проектами из разных сфер индустрии. Такой подход помогает начинающим иллюстраторам найти свое направление.

Иллюстрации Маноло Бланика, дизайнера обуви

Фэшн-иллюстрация востребована не только в дизайне одежды. Можно рисовать для брендов аксессуаров, парфюма и косметики.

Екатерина Петропавловская во время обучения в Милане вдохновилась общением с представителями Valentino, Gucci и других модных домов и начала карьеру иллюстратора. Она рисовала иллюстрации для косметических брендов M.A.C, Benefit, TIGI, Kiehl’s, Avon.

Схемы макияжа для косметики M.A.C.

Часто художники работают вместе с рекламными агентствами и оформляют сезонные кампании брендов: постеры, билборды, витрины, стены в магазинах. H&M использует работы фэшн-иллюстраторов Алексис Макензи и Лауры Лайне для принтов на футболках.

Оформление стены для рекламы летней коллекции магазина одежды, Ste Johnson

Отдельное направление профессии — фэшн-паттерны. Это отрисовка принтов и узоров, которые будут использоваться в новой линейке одежды.

Иллюстрации Sabine Pieper

Как рисовать

Настоящий модный художник объединяет в себе традиции и прогресс. Он должен разбираться в анатомии, истории стиля, одежды и рисунка, владеть современными инструментами и знать тенденции рынка.

У моды свои требования к пропорциям тела — длинные ноги, тонкая талия, угловатые позы

Традиционно иллюстраторы рисуют на бумаге — для каждого материала она будет своя. Самые распространенные инструменты художников — тушь, акрил, акварель, дизайнерские маркеры. Они позволяют передать динамику и яркость картинки.

Если автор предпочитает создавать или обрабатывать рисунки в электронном виде, то ему необходимо разбираться в графических редакторах, как минимум в Adobe Photoshop и Adobe Illustrator.

Чаще всего иллюстраторы комбинируют оба способа работы — сначала рисуют эскиз вручную, а затем обрабатывают его в программе.

Иллюстрации Rongrong DeVoe

ПРИНЦИПЫ АНАЛИЗА АВТОРСКОГО СТИЛЯ В МОДНОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ | Опубликовать статью ВАК, elibrary (НЭБ)

Лапик Н.А.

Аспирант, Санкт-Петербургский государственный университет культуры и искусств

ПРИНЦИПЫ АНАЛИЗА АВТОРСКОГО СТИЛЯ В МОДНОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ

Аннотация

Статья посвящена проблеме анализа авторского стиля в модной иллюстрации. В статье рассмотрены различные трактовки характеристик стиля, разработанные  в системе современного искусствознания и теории моды. На основе выделенных трактовок, а также исследований автора статьи, определены основные принципы анализа стиля модной иллюстрации.

Ключевые слова: модная иллюстрация, стиль, полистилизм, авторский стиль, структура стиля.

Lapik N.A.

Postgarduate stuident, Saint-Petersburg State University of culture and arts

PRINCIPLES OF ANALISIS THE AUTHOR’S STYLE IN FASHION ILLUSTRATION

Abstract

The article is devoted to the problem of analysis of the author’s style in fashion illustration. The article considers different interpretations of the characteristics of the style, developed in the system of contemporary art theory and fashion. On the basis of the dedicated interpretations and also researches of the author of the article, were defined the main principles of the analysis of the style of fashion illustration.

Keywords: fashion illustration, style, polystylism, author’s style, the structure of style.

Стиль – неоднозначная категория. Его всегда сложно было назвать чем-то совершенно определенным. Сейчас словом «стиль» оперируют самые разные науки, и это дает возможность многозначной трактовки его понятия, сущности и структуры. Оно проникло во все сферы деятельности человека. Е. Устюгова, посвятившая много лет изучению проблеме стиля в различных областях, пишет: «традиционно стиль и стилизация считались исключительно эстетическими понятиями. Впоследствии сферой их действия стало признаваться все пространство культуры (стиль культуры, стиль мышления), а также жизненного поведения человека (стиль жизни). В современной литературе, посвященной проблеме стиля, приоритет принадлежит категории «стиль жизни», а все другие стилевые формы (стили искусства, научного мышления, культуры) считаются производными от нее (М. Дюфрен, Е. Ротхакер, Р. Барт, М. Фуко и др.)» [10, c. 158].

В центре внимания статьи – стиль модной иллюстрации. Несмотря на долгую историю, модная иллюстрация до сих пор не имеет четкого понятия, хотя обладает рядом особенностей, свойственных только ей. Ее следует отличать от книжной иллюстрации и фотографии. В строгом значении термина, к иллюстрации следует относить произведения, предназначенные для восприятия в определённом единстве с текстом (т. е. как бы участвующие в процессе чтения) и, ее главная задача – украшать и дополнять основную текстовую информацию. Отличие модной иллюстрации от книжной – в отсутствие строгой привязки к тексту, а от фотографии главным образом – в способе ее создания.

 Существует множество точек зрения относительно понятия модной иллюстрации, высказываемые как искусствоведами, так и самими авторами иллюстраций. Иллюстратор Б. Рейд, считает: «модная иллюстрация это изображение моды любым способом, кроме фотографии» [11, c. 8]. Данное утверждение не совсем точно, поскольку, современные иллюстраторы часто используют фотографию как основу для создания иллюстраций или как ее часть (например, коллаж), следовательно, фотографию исключать нельзя. К. Тейллон, автор книги «Digital fashion illustration with Photoshop and Illustrator» писал: «модная иллюстрация – это самый простой способ выразительной репрезентации дизайнерской одежды. Ее главная задача – изобразить одежду как можно более близко к реальности» [12, с. 7]. Это определение также поверхностно и не дает точного представления о предмете. Перед современной иллюстрацией больше не стоит задача – в точности изобразить модный костюм, он вообще может отсутствовать в произведении (во многом по причине доминирования абстракции в искусстве и деконструктивизма в моде).

Исходя из этого, можно заключить, что под модной иллюстрацией следует понимать изображение современного модного костюма и модных аксессуаров любым способом, включая фотографию, если она (фотография) была использована для создания качественно нового изображения.

Поскольку модная иллюстрация столь специфична, стиль модной иллюстрации также имеет свою специфику. Он будет включать в себя множество элементов стилей искусства и моды, и, следовательно, должен рассматриваться с учетом их особенностей.

Следует учитывать, что понятие «стиля» в искусстве и моде существенно разнится. И стиль в искусстве, и стиль в моде – это совокупность определенных компонентов, но характер этих компонентов различен. Для художественного произведения важны: идея, содержание и форма, сюжет, пространство, колорит, техники, приемы, материалы и т.д. Для модной вещи – силуэт, фактуры, декор, пропорции, объем, новизна и т.д. Кроме того, цели создания произведения искусства и новой модной вещи также различны. Художнику, по большому счету, безразлична судьба произведения. Он создает его движимым вдохновением, и, завершив работу, считается «выполнившим свою миссию» [8, с. 33]. Дизайнер, создающий вещь, также движим вдохновением, но его вдохновение подчинено «воле заказчика», зависит от господствующих тенденций и трендов, их переменчивости, и продажам.

«Мода» и «стиль» также не равнозначны. Чтобы понять сущность модных стилей, в первую очередь необходимо разобраться с природой моды. На этот счет так же существует множество точек зрения. Различию понятий моды и стиля  А. Гофман посвятил один из разделов книги «Мода и люди» (2004). Он пишет: «существует такое явление, как мода на тот или иной стиль, или “модные” стили; одни стили “входят в моду”, другие воспринимаются как “вышедшие из моды”. Кроме того, если “моды” меняются, то функционирование моды как таковой – процесс постоянный. <…> Ее постоянной изменчивости противостоит относительная устойчивость стиля» [5, с. 191]. Гофман также отмечает: «Стиль характеризует только сферу объектов, а именно их формально-эстетические признаки. Исследование различных стилей обычно заключается в анализе этих признаков, а также специфических методов их создания в той мере, в какой они воплощены в объектах (произведениях)» [5, с. 191]. В этом Гофман видит реальное отличие моды от стиля. В дополнение к этому уместно замечание Власова, который писал, что: «понятие “стиля” применимо только к художественному творчеству. В реальной жизни человека окружает огромное количество вещей, которые он также иногда называет стильными. Но использование слова “стиль” в быту или в иных, нехудожественных сферах человеческой деятельности возможно лишь в качестве метафоры» [4]. У Власова же можно найти понятие «фирменный стиль», важное для понимания стиля модной иллюстрации: «это не художественный стиль, а всего лишь персонификация моды, разновидность спекулятивной эстетики, “стиля жизни”, определяемого факторами коммерческой выгоды, чисто внешней эффектности, психологией новизны, т.е. предмета цивилизации, а не культуры (стайлинг)» [4].

Стиль модной гравюры, а затем литографии первого десятилетия ХХ века был подчинен доминирующим «большим стилям» искусства. Его достаточно легко интерпретировать, опираясь на научные труды, дающие характеристики «больших стилей». Но, в современном искусствознании термин «стиль» в том понимании, в котором он существовал ранее, уже не употребляется. Современное искусство, (как и мода) в целом существует во времени «бесстилья», в рамках которого «все стили хороши». И в искусстве и в моде доминирует полистилизм – «качество неоднозначности, неординарности, сложности художественного образа, богатства содержания и формы, тенденция, результатом которой является “стилевой контрапункт”. В примитивном выражении — эклектика, “соединение несоединимого” в одной композиции, когда отсутствует ясный принцип организации разнородных, разностилевых элементов» [4]. В ситуации полистилизма на первый план выдвигается проблематика персонального авторского стиля. Время стилистической чистоты прошло. Взаимопроникновении и смешении стилей носит тотальный характер, что отражается и на модной иллюстрации. Сейчас стиль можно рассматривать как: «утверждение индивидуальной уникальности, отклонение от стереотипа; способ выражения практической позиции субъекта» [9, с. 421].

Положительным фактором полистилизма можно признать стилистическое многообразие, позволяющее всем художникам выразить свою точку зрения на современную моду, но вместе с тем, полистилизм порождает и проблему отсутствия единых признаков стиля, проблему цитирования стилей прошлого и настоящего, а также смешения стилей разных авторов. Сложность изучения авторского стиля в модной иллюстрации как раз и состоит в необходимости учитывать все многообразие стилей в искусстве и моде в конкретный отрезок времени, а так же технические достижения времени.

Таким образом, поскольку стиль в модной иллюстрации образуется путем «смешения» отдельных элементов стилей искусства и моды, особенность анализа авторского стиля в модной иллюстрации будет состоять в привлечении знаний из различных областей и в целом носить междисциплинарный характер. Но, несмотря на существенные изменения в понимании сущности стиля, важность разбора всех составляющих авторского стиля, начиная с характеристики эпохи, и, заканчивая «манерой» художника как это требовало искусствознание прошлого, по-прежнему актуальна.

На сегодняшний день существует множество вариантов анализа оригинального авторского стиля в искусстве, как и критерий его изучения, предлагаемых различными исследователями. Но, никто последовательно не рассматривал проблему авторского стиля в модной иллюстрации и не классифицировал его качества, свойства, средства и приемы. Тем не менее, изучив наработки ученых относительно «уровней» стиля в искусстве и моде, можно вывести оригинальную «структуру стиля», которую можно будет использовать как своего рода схему, описывая любую модную иллюстрацию любого автора и периода времени. «Структура стиля» – термин, появившийся в системе искусствознания в процессе исследования проблематики авторского стиля. Под «структурой стиля» можно понимать совокупность историко-культурных, содержательно-формальных и иных уровней, признаков и элементов, характеризующих стиль автора. Ее можно представить как связующее звено между автором, произведением и зрителем, включая их в единую систему, позволяющую рассматривать произведение без отрыва от контекста и психологии зрителя.

 Структурный анализ стиля модной иллюстрации представляется в качестве одного из методов изучения стиля модной иллюстрации – структурно-семиотического подхода (М. Фуко, Ж. Бодрийар, Ю. Лотман, Р. Барт, У. Эко). Он дает возможность рассматривать стиль иллюстрации как единую сложную структуру с множеством внутренних связей, позволяет исследовать иллюстрацию как знаковую систему, увидеть как организовано «авторское сообщение», что оно выражает, помогает понять идеи автора и смыслы «текста». В ходе использования структурно-семиотического анализа мы можем выявить, каким образом структурировано повествование модной иллюстрации. Но, во избежание схематизации, нарушающей целостность художественного произведения, этот аспект анализа может быть включен в целую систему других методов, дополняя образно-типологический, иконографический, семантический, синергетический, сравнительный, феноменологический  способ изучение модной иллюстрации.

Становится ясно, что анализ стиля модной иллюстрации требует неординарного подхода. Он может быть представлен в виде многоуровневой схемы, на формирование которой оказывают влияние результаты исследований самых разных ученых. Наибольший интерес вызывают наработки ряда ученых, так или иначе затрагивавших «структурное» изучение произведения.

Наиболее всесторонне уровни и признаки стиля (которые можно объединить в определенную структуру стиля) рассмотрены русским искусствоведом В.Власовым. Он выделяет понятия, важные и для стиля модной иллюстрации: «историческая эпоха», «художественное направление», «архетип», «творческий метод», «исторический стиль» [4]. Однако, часть его понятий, например, «региональный художественный стиль», складывающийся «по географическим названиям; по национальным признакам», сложно применить к стилю современной модной иллюстрации, поскольку ввиду глобализации современной моды, «региональный стиль» для нее не характерен.

Ю. Борев рассматривая понятие «художественный стиль», описывает структуру стиля, расчленяя его на девять слоев. Наибольший интерес в ней представляют: «стиль периода творчества», «стиль произведения», «стиль элемента произведения», предполагающий “склеивание”, стыковку стилистически разнородных элементов» [2, с. 133-135]. Как и в случае «регионального художественного стиля» В. Власова, сложно судить о «национальном стиле иллюстрации» (как например, о стиле народа или нации в структуре Ю. Борева). Современная мода  интернациональна, иллюстраторы работают на дизайнеров и марки, стиль которых часто сложно отнести к стилю какой-либо нации. Современная мода, как и искусство – «массовая культурная практика» [7, с. 89], а значит, и модная иллюстрация носит интернациональный характер.

Р. Арнхейм, затрагивая вопросы стиля, особое внимание обращает на «поздний стиль» [1, с. 308] художника, как немаловажный компонент, он, безусловно, может учитываться при анализе стиля модных иллюстраций. Формальные и содержательные нормативы [3] произведения, приведенные В. Бранским, могут составлять «композиционную» часть анализа авторского стиля иллюстратора.  Автор связывает понятие стиля с эстетическим идеалом определенного периода времени.

«Принцип взаимодействия», разработанный и представленный А. Демшиной, также может стать частью структуры стиля модной иллюстрации. Автор представил модель взаимодействия искусств в виде системы и определил ряд принципов их взаимодействия — присвоение, реконструкция и раскраивание, которые «отражают процессы протекающие в изобразительном искусстве» и «других подсистемах культуры, использующие достижения художественной деятельности» [7, с. 63].

Учитывая искусствоведческие наработки  прошлого и настоящего, можно вывести определенные принципы анализа авторского стиля модной иллюстрации. Итак, анализ авторского стиля модной иллюстрации (структуру) можно представить следующим образом:

Культура времени (культурный контекст) – компонент, описывающий историческую эпоху или период, в котором иллюстрация была создана. Здесь имеет значение социальные, политические, технологические и иные предпосылки для появления иллюстрации. Искусство времени – компонент, описывающий художественный стиль эпохи, стили, художественные направления, течения, эстетический идеал времени.

Дизайн времени – дополнительный компонент, необходимый для описания работ иллюстратора, использованных в любых видах дизайна. В данном случае имеет значение стилистический характер предметного дизайна, господствующий в конкретную историческую эпоху, период времени, в котором дизайнерский объект был создан. (Рассматривать дизайн-продукт в создании которого принимал участие иллюстратор, логично путем трехслойного изучение стилей искусства, дизайна и модной иллюстрации).

Мода времени – компонент, описывающий модные тенденции, тренды, стили в моде, модный образ, господствующий модный облик десятилетия и конкретного описываемого отрезка времени. «Фирменный стиль» – компонент, охватывающий понятия «стиль модного дома», «стиль марки», «стиль дизайнера», одежда/аксессуары которого изображены на иллюстрации.

«Стиль издания» – компонент, описывающий стиль того издания, для которого иллюстрация была создана. Характеристика издания может включать: стиль фотографий; стиль текстов и шрифтов; тематика текстов; стиль дизайнеров и фотографов, типаж моделей, работающих для издания; аудитория издания и др.

«Стиль автора» – один из главных компонентов, описывающий индивидуальный стиль иллюстратора. Стиль автора, в свою очередь,  включает в себя: технологии, используемые художником (компьютер, фотоаппарат и др.), творческий метод – техники и материалы, применяемые художником.

Жанр иллюстрации – автопортрет, портрет, натюрморт, ню, «жанровая иллюстрация» и др.

Композиция – содержательные и формальные характеристики иллюстрации. Содержательная характеристика предполагает описание художественного образа и сюжета иллюстрации. Анализ формы может включать: описание перспективы, цвета (яркость/ блеклость, контрастность/ монохромность, четкость/ диффузность), плоскостности/ объемности, хаотичности/ упорядоченности, статики/ динамики, законченности рисунка, графичности, деформации, геометризации, абстрактности, символики, расстановки и группировки фигур, статуарности, симметрии/ ассиметрии, масштабности и пропорций, стилизации (условности), стилевых контрастов (эклектизм) и др.

«Стиль периода творчества» – предполагает описание стиля автора, свойственного ему в конкретный период творчества, в котором была создана иллюстрация.

«Стиль произведения» – предполагает описание уникального стиля конкретной иллюстрации. «Стиль элемента произведения» – предполагает описание стилей разных элементов одной эклектичной иллюстрации, собранной в виде коллажа из разных фрагментов, в том числе фрагментов чужих произведений.

Герой иллюстрации – обобщенный образ, соответствующий периоду времени (например, образу десятилетия), имеющий определенные описательные характеристики. Прототип героя иллюстрации (прообраз) – архитипичный образ, взятый из сферы массовой культуры или искусства, конкретный человек, кинематографический персонаж и др.

Идея (концепция) иллюстрации – мысленный прообраз иллюстрации, выделяющий его существенные черты, главная мысль иллюстрации, замысел или наиболее существенная часть замысла иллюстрации. Идеи позволяют различать прообразы, придуманные и реализованные разными иллюстраторами. Источник идеи – образы, послужившие для художника истоком новых идей для иллюстрации. Источником идей могут быть: прошлое (история, исторические образы), изобретения на основе новых технологий, гениальные идеи конкретного человека (гения, творца). Мессидж (послание) – смысл, идейное содержание иллюстрации, послание, связанное с эстетическими качествами произведения (красотой линии, цвета, колорита).

Принцип взаимодействия – принципы, отражающие модели взаимодействия искусств. Принцип присвоения в модной иллюстрации может выражаться, например, в использовании логотипа марки в качестве элемента изображения: принцип реконструкции — в создании определенного сюжета или истории, которая в последствии может превратиться в штамп или визуальное клише; принцип раскраивания (деконструкции)  – «оперируя элементами формообразования разных систем» [7, c.и63] может выражаться, например, в перенесении формообразующих элементов большого стиля (например, рококо) в новое произведение (современную иллюстрацию).

Таким образом, можно заключить: изучение современных стилей искусства усложняется отсутствием признаков единого стиля, а стилей моды – отсутствием единой тенденции, но множеством различных трендов. Стиль модной иллюстрации – тонкая материя, которая включает в себя достижения различных сфер: искусства, моды, новейших технологий и т.д. На сегодняшний день не существовало исследований, позволявших рассмотреть все компоненты этого вида творчества в комплексе. Тем не менее, на основе уже проведенных исследований, можно вывести ряд принципов анализа стиля модной иллюстрации, позволяющих всесторонне рассмотреть оригинальный стиль любого автора. Приведенная структура позволит выявить стилевое многообразие творчества иллюстратора в целом и его конкретного произведения. Она может служить основой методологии изучения модной иллюстрации.

Литература

1. Арнхейм, Р. Новые очерки по психологии искусства/ Р.Арнхейм. – М.: Прометей, 1994. – 152 с.
2. Борев, Ю. Эстетика. Учебник/Ю.Б.Борев. – М.: Высшая школа, 2002. – 511 с.
3. Бранский, В. Искусство и философия/ В.Бранский. – Калининград.: Янтарный сказ, 1999. Разд.: Культурология//Библиотека Гумер: сайт URL: http://www.gumer.infobibliotek_Buks/Culture/bransk/ (дата обращения 21.04.2013)
4. Власов В. Стили в искусстве: Словарь в 3-х тт. / В.Власов.— СПб.: Кольна.—Т.I, 1998. — 672 с.
5. Гофман, А. Мода и люди. Новая теория моды и модного поведения/А.Б.Гофман. – СПб.: Питер, 2004. – 208 с.
6. Гройс, Б. Политика поэтики/Б.Гройс. – М.: Ад Маргинем Пресс, 2012. – 400 с.
7. Демшина, А. Проблема взаимодействия искусств в эпоху постмодернизма: российская художественная практика: дис. …канд. культурологи: 24.00.01 / Демшина Анна Юрьевна; РГПУ им.А.И.Герцина. – СПб., 2003. – 165 с.
8. Лола, Г.Н. Дизайн-код: культура креатива. СПб.: Элмор, 2011. – 140 с.
9. Устюгова, Е. Стиль//Лексикон нон-классики. Художественно-эстетическая культура XX века. / Под ред. В.В.Бычкова.— М.: Росспэн, 2003. – 607 с.
10. Устюгова, Е. Этические и эстетические смыслы стиля и стилизации/Е.Н. Устюгова//Этическое и эстетическое: 40 лет спустя. Материалы научной конференции. 26-27 сентября 2000 г. Тезисы докладов и выступлений. – СПб.: Санкт-Петербургское философское общество, 2000. – 157-160 с.
11. Borrrelli, L. Fashion Illustration next. – San Francisco.: Chronicle books, 2004. – 184 p.
12. Tallon, K. Digital fashion illustration with Photoshop and Illustrator. – London.: Batsford, 2008. – 177 р.

Referneces

1. Arnhejm, R. Novye ocherki po psihologii iskusstva/ R.Arnhejm. – M.: Prometej, 1994. – 152 s.
2. Borev, Ju. Jestetika. Uchebnik/Ju.B.Borev. – M.: Vysshaja shkola, 2002. – 511 s.
3. Branskij, V. Iskusstvo i filosofija/ V.Branskij. – Kaliningrad.: Jantarnyj skaz, 1999. Razd.: Kul’turologija//Biblioteka Gumer: sajt URL: http://www.gumer.infobibliotek_Buks/Culture/bransk/ (data obrashhenija 21.04.2013)
4. Vlasov V. Stili v iskusstve: Slovar’ v 3-h tt. / V.Vlasov.— SPb.: Kol’na.—T.I, 1998. — 672 s.
5. Gofman, A. Moda i ljudi. Novaja teorija mody i modnogo povedenija/A.B.Gofman. – SPb.: Piter, 2004. – 208 s.
6. Grojs, B. Politika pojetiki/B.Grojs. – M.: Ad Marginem Press, 2012. – 400 s.
7. Demshina, A. Problema vzaimodejstvija iskusstv v jepohu postmodernizma: rossijskaja hudozhestvennaja praktika: dis. …kand. kul’turologi: 24.00.01 / Demshina Anna Jur’evna; RGPU im.A.I.Gercina. – SPb., 2003. – 165 s.
8. Lola, G.N. Dizajn-kod: kul’tura kreativa. SPb.: Jelmor, 2011. – 140 s.
9. Ustjugova, E. Stil’//Leksikon non-klassiki. Hudozhestvenno-jesteticheskaja kul’tura XX veka. / Pod red. V.V.Bychkova.— M.: Rosspjen, 2003. – 607 s.
10. Ustjugova, E. Jeticheskie i jesteticheskie smysly stilja i stilizacii/E.N. Ustjugova//Jeticheskoe i jesteticheskoe: 40 let spustja. Materialy nauchnoj konferencii. 26-27 sentjabrja 2000 g. Tezisy dokladov i vystuplenij. – SPb.: Sankt-Peterburgskoe filosofskoe obshhestvo, 2000. – 157-160 s.
11. Borrrelli, L. Fashion Illustration next. – San Francisco.: Chronicle books, 2004. – 184 p.
12. Tallon, K. Digital fashion illustration with Photoshop and Illustrator. – London.: Batsford, 2008. – 177 r.

Модные иллюстрации Эрте

Фаворитами в области модной иллюстрации в Европе были художники, приехавшие из России ещё в 10-е годы прошлого столетия, и среди них — Роман Тыртов.

Роман Тыртов родился в Петербурге 23 ноября в 1892 году в дворянской семье. В детстве он любил рисовать, проявлял интерес к театру, посещал классы Академии изящных искусств в Петербурге. В 1912 году он переезжает Париж и покидает Россию навсегда. Впоследствии, когда в 1923 году Эрте заберёт своих родителей к себе в Париж, его отец, адмирал Тыртов, скажет: «Ты был прав, уехав в Париж».

Имя Романа Тыртова (Эрте), ассоциируется с великолепием, характерным для ар-деко. Он стал одним из самых известных художников-иллюстраторов, модельеров и декораторов ХХ столетия. Его творческий псевдоним Эрте возник из его инициалов — Роман Тыртов. Популярность пришла к нему ещё до Первой мировой войны и оставалась с ним до самой смерти в 1990 году.

Он начинал у Поля Пуаре во времена Русских сезонов. Первые театральные костюмы Эрте создал в 1914 году, одновременно он учился в Академии Р. Жульена в Париже. Затем Эрте создаёт костюмы для спектакля «Минарет», в котором блистала знаменитая тогда танцовщица Мата Хари. Познакомившись с Сергеем Дягилевым, Эрте принял его предложение сотрудничать. Он создал костюмы для балетных номеров Анны Павловой — «Гавот», «Времена года», «Дивертисмент».

Роман Тыртов: фото в 18 и 97 лет

В 1915 году обложка журнала Harper’s Bazaar впервые была выполнена по эскизу Эрте. И с этого момента художник продолжал работать для журнала, выполняя рисунки моделей одежды и обложки, долгое время — до 1936 года. Его журнальная графика, можно сказать, заложила основы эстетики ар-деко. Он сотрудничал с журналами мод «La Gazette du Bon Ton», «Cosmopolitan», «Dilineator», «Sketch» и «Vogue».

В 20 — 30 годы Эрте работал в Америке в опере Чикаго. Значение его работ высоко оценивалось. Работы Эрте пользовались огромным успехом в оперных, театральных и балетных труппах Парижа, Нью-Йорка, Монте-Карло, Чикаго. Эрте рисовал эскизы и создавал костюмы для голливудских актрис немого кино. Здесь, в этой работе, отразился дух парижской моды и русского балета, а также эстрадных ревю. Его работы в кино оказывали влияние и на других художников по костюмам. Эрте создавал эскизы, используя только свои собственные идеи. Его образы рождались под влиянием древнегреческой и древнеегипетской мифологии, индийской миниатюры и русского классического искусства. Он не признавал женские образы с короткими юбками, прямым силуэтом, что было характерно для 20-х годов. Платье с асимметричным декольте Эрте создал в 1921 году.

Одновременно он работал и создавал костюмы в различных парижских мюзик-холлах, для ревю и шоу. Его заказчицами были Жозефина Бейкер, известные в то время парижские кабаре. С 30-х годов Эрте поселяется в пригороде Парижа Булони. Для своей квартиры он создал интерьер, в котором сочетались русская мебель и экзотические шкуры леопардов и зебр. У него был огромный аквариум и много кошек. Недалеко от него жили князь и княгиня Юсуповы, время от времени они общались.

Во все времена своей жизни Эрте выглядел моложаво и элегантно. В конце 60-х годов снова вспыхнул интерес к искусству ар-деко. На экраны вышли фильмы «Кабаре», «Смерть на Ниле», «Великий Гэтсби», которые воскрешали память об ушедших 20-х годах, а вместе с ними вышли из забытья и художники того времени — Соня Делоне, Тамара Лемпицка и Эрте. Ему уже было под 70, и снова — взлёт славы. Его снова пригласили рисовать афиши в мюзик-холл «Фоли-Бержер», в котором ему уже доводилось работать в 1917 по 1930 годы.

Нью-Йоркский музей Метрополитен организовал в 1967 году ретроспективную выставку Эрте. Тогда вышло много книг о его творчестве. Его рисунки появились на немецких майках, итальянских тарелках, японских полотенцах. Последней работой стал спектакль, бродвейский мюзикл «Звёздная пыль», который он оформил, когда ему было 97 лет. Сейчас работы Эрте на мировом художественном рынке оцениваются очень дорого — десятки тысяч долларов за эскиз. До последних дней он не только работал, но и путешествовал. Во время поездки на остров Маврикий Эрте заболел, и на частном самолёте был переправлен в Париж, где и скончался 21 апреля 1990 года. Знаменитого художника отпевали в парижском соборе Александра Невского. Гроб Эрте был выполнен по его эскизу. Роман Петрович Тыртов похоронен на Булонском кладбище в семейной могиле.

Из: Mylitta.ru

Также читайте:

Скульптуры Эрте – гения ар-деко

Коньяк от Эрте

Руководство по модной иллюстрации для новичков

2. Выберите тему.

Для Кармана «выбор чего-то странного, необычного или интересного — всегда хорошо, потому что если это известный классический предмет (например, женщина на картине Лестера), он не будет столь убедительным, как то, чего люди раньше не видели. ” И если вы хотите, чтобы ваша иллюстрация выглядела без усилий, сделайте ее простой. «Тема не должна быть слишком сложной», — советует Карман. «Я считаю, что лично мне не нравится, когда в пьесе много чего происходит.Простота сильнее ». Женская фигура в изумительной шляпе, туфлях со сложной вышивкой или фактурной футболке — все это может стать началом чего-то прекрасного.

3. Изучите пропорции тела.

В модной иллюстрации фигура, которую вы рисуете, обычно делится по размеру головы. «Общий рост взрослого человека в среднем составляет от 7 до 8 длин головы. Модные модели в среднем имеют рост от 8 до 9 голов.Иллюстрации с модными фигурами еще больше преувеличивают это, используя от 9 до 10 голов, и даже доходят до 11 голов для очень преувеличенных стилей », — говорит Хун. В истории моды фигура с 10 головами была стандартной удлиненной фигурой для женских фигур. Но Хун подтверждает, что есть место и для нарушения традиций: «Мы определенно начинаем использовать разные типы телосложения. Пропорция 8½ головы — более реалистичная длина тела, и в наши дни она выглядит намного современнее ».

4.Примите позу.

Считайте позу своей фигурой основой вашего дизайнерского рисунка. Он определяет, как одежда будет свисать с формы, оживляя различные ткани и силуэты. Сначала поиграйте с кривыми и другими геометрическими фигурами, чтобы создать элементы тела, затем потренируйтесь рисовать разные позы, чтобы увидеть, какие из них придают наиболее реалистичное движение внешнему виду вашего персонажа.

5. Нарисуйте одежду.

Представьте, как одежда будет выглядеть на вашей фигуре, — это дает возможность безудержно творчески.«Если я решу сделать предмет одежды центром моего творчества, он, как правило, будет иметь интересные пропорции или красивую цветовую комбинацию. Это то, что я могу представить, как воплощаю это на бумаге, например, изображаю перья определенным мазком кисти или снимаю шифоновый материал с помощью легкой смывки краски », — говорит Карман. Всегда помните о ткани, которую вы показываете, и оставайтесь верными ее текстуре и рисунку, чтобы ваша модная иллюстрация выглядела реалистично.

Попробуйте смешать разные материалы.

Иллюстраторы часто используют разные материалы для рисования, чтобы вызвать определенное настроение. «Цель состоит в том, чтобы привнести энергию, поток или индивидуальность, которые, возможно, не были частью первоначального видения дизайнеров», — говорит Карман. Привнесите свою чувственность в свою модную иллюстрацию, используя карандаш, уголь и краску по отдельности или смешанные вместе.

Основы модной иллюстрации. Учебник | автор iskn | iskn

Учебник

Прочтите эту статью на на французском .

В разгар Парижской недели моды мы хотели поговорить о модной иллюстрации! Давайте рассмотрим основы рисования модных набросков и несколько советов, которые помогут вам начать работу с этой техникой. Вдохновляйтесь, хватайтесь за перо и дайте волю своему воображению, чтобы создавать потрясающие наряды!

MEGAN HESS

CARLY KUHN

JESSICA DURRANT

JEANETTE GETROST

BIL DONOVAN

POPPY WADDILOVE

KATIE MORRODGIS ME

Пропорции тела

Чтобы начать рисовать в моде, вам нужно знать анатомию тела. Хорошее чувство пропорций, естественных движений и осанки помогут оживить ваш набросок.

Изображение с сайта paperdollschool.blogspot.com

Изображение с сайта fenzyme.com/fashion-sketches-and-illustrations/

2. Определите позы своего персонажа

Когда у вас будут четкие пропорции тела, потренируйтесь рисовать разные позы.Это осветит одежду и придаст ей движение. Вы можете работать с кривыми и геометрическими фигурами для размещения элементов тела.

Изображение с сайта ciudaddemontevideo.anunico.com

Изображение с прихода Жюстин Лимпус

3. Поместите одежду

Когда ваш набросок и поза будут готовы, вы можете перейти к самому интересному: воображению одежды. Для этого вам нужно подумать о своем стиле, о ткани, которую вы используете, и о складках наряда.Всегда помните о рассматриваемой ткани (шерсть, хлопок, шелк?) И узорах.

Изображение из прихода Жюстин Лимпус

4. Исследуй и найди свой стиль

Попрактикуйся, пробуя разные стили и техники, чтобы усовершенствовать свой стиль и найти свой индивидуальный подход. Чтобы понять, что вам нравится и что отражает ваше видение, требуется обучение и тестирование различных инструментов и снаряжения. Теперь решать вам!

Рисунок Дженни Уолтон

Теперь вы готовы экспериментировать, не забудьте показать нам свои тестовые эскизы! Вы также можете прочитать наше интервью с модельером Клемансом, создателем бренда Good People.

Модный рисунок и иллюстрация в 20 веке

Жанна Пакен (1869-1936), модельер, Париж, 1907. Номер музея. E.1432-1957

1900-е годы

На протяжении большей части первого десятилетия 20-го века мода в основном демонстрировала сезонные модификации, а не какие-либо фундаментальные изменения. Однако по мере развития века концепция «естественной фигуры» изгнала корсетную и преувеличенную S-образную фигуру, которая была модной в начале десятилетия.Эти нововведения, явившиеся значительным освобождением для женщин, сопровождались появлением ярких и ярких цветов.

«Оригинальность и роскошь»: Дом Paquin

В 1890 году Жанна Пакен (1869–1936) и ее муж Исидор Пакен открыли свой Maison de Couture Rue de la Paix в Париже, недалеко от знаменитого Дома Уорта. Вскоре Paquin прославилась тем, что использовала цветную подкладку для печальных черных пальто и добавляла украшения из кружева или богатой вышивки к черным платьям.Новаторское, но в то же время тонкое использование меха стало одним из фирменных знаков дома. В эпоху, когда модная реклама только зарождалась, Жанна Пакен была первым кутюрье, отправившим манекены на модные гонки в Лоншан и Шантийи.

В 1900 году Жанна Пакен была избрана президентом секции моды Всемирной выставки, и на протяжении всей своей карьеры многие ее творения участвовали в этих международных ярмарках. Оригинальность и роскошь дизайна Paquin вскоре укрепили международную репутацию модного дома.Одним из ее величайших достижений стало открытие зарубежных филиалов в Буэнос-Айресе, Мадриде и Лондоне — она ​​была первым парижским кутюрье, сделавшим этот шаг, и многие последовали ее примеру. Она была первой женщиной в своей области, удостоенной Почетного легиона в 1913 году.

После смерти Жанны Пакен в 1936 году дом перешел в руки испанского модельера Антонио Кановаса дель Кастильо. Пакуин купил Дом Уорта в 1953 году, но закрыл свои двери 1 июля 1956 года. У V&A есть великолепная коллекция альбомов с эскизами Пакуина, начиная с 1897 по 1956 год.

1910-е

1910-е годы были периодом кардинальных перемен в моде. Хотя многие тенденции уходят корнями в моду предыдущего десятилетия, Первая мировая война закрепила движение к более практичной и менее строгой одежде. По мере того как женщин вызывали на фабрики и в офисы, модная одежда упрощалась и укорачивалась.

Флорри Вествуд

Флорри Вествуд (даты неизвестны) была лондонским дизайнером, работавшим в начале 20-го века. О ней мало что известно, кроме ее рисунков, из которых мы видим, что она создавала элегантную элитную, хотя и консервативную моду.Многие сотни ныне анонимных портных и дизайнеров, подобных ей, существовали в городах по всей стране до середины 20 века, когда в моде преобладала готовая массовая одежда.

1) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1918-9. Музей № E.1539-1977

1) Три «оригинальных дизайна» на снимке 1918-1919 годов очень типичны для конца 1910-х годов. Они отличаются высокой талией и женственными материалами и цветами. Они также предвосхищают андрогинный образ 1920-х годов с их линейными прямыми силуэтами.Рядом с платьями написано следующее описание дизайнеров:

‘Слева: платье из розовато-лиловой тафты и нинона со вставкой из кружева цвета слоновой кости. Кушак из розовато-лиловой ленты в тон платью.

В центре: Простое вечернее платье из синего атласа и розового тюля. Широкий кушак представляет собой анютиную черную ленту с яркими аппликациями оранжевых цветов.

Справа: платье из креп-жоржета цвета слоновой кости с двумя глубокими полосами из самоматериала персикового цвета. Прошивка — очень тонкое кружево.’

2) На этой модной иллюстрации изображены три дизайна вечерних платьев, нарисованные карандашом и разноцветными красками. Он подписан и датирован художником. Подобная коллекция дизайнов, представленная вместе, демонстрирует растущую тенденцию женщин отказываться от ограничительных корсетов. В первые годы 1910-х дизайнеры начали продвигать использование более легких и мягких тканей, чтобы сделать свои творения более плавными. Этот новый подход, ориентированный на плавность, контрастировал с жесткими силуэтами S-Bend предыдущих десятилетий.

3) Эти четыре разных дизайна зимних пальто от Флори Вествуд датированы 15 января 1919 года. Они подчеркивают новую моду в дизайне линейного силуэта и длины до щиколотки. Они также демонстрируют новую форму (более высокий охват шеи и более широкий охват плеч) меховых воротников и манжет.

3) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1919. Номер музея. E.1538-1977

2) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1918. Номер музея. E.1536-1977

Мелани Вермонт

Рисунки Мелани Вермонт (1897 — 1972) из ​​коллекции Виктории и Альберта были переданы музею миссис М.Голдфлейм, племянница художника. В то время Мариано Фортуни (1871–1949), испанский дизайнер из Венеции, изобрел новый особый процесс складывания и новые методы окрашивания для своих платьев. Его новаторские проекты вдохновляли других дизайнеров, но также пользовались огромным успехом, поскольку давали женщинам свободу передвижения, которой они так жаждали.

4) Эти два дизайна вечерних платьев карандашом, выполненные Мелани Вермонт на изображении справа, являются хорошими примерами того, как в то время дизайнеры все чаще использовали струящийся материал, который позволял им создавать платья со сложными драпировками, тем самым отодвигаясь от них. от ограничительных корсетов, модных в предыдущее десятилетие.В первые годы 1910-х дизайнеры начали продвигать использование более легких и мягких тканей, чтобы сделать свои творения более плавными. Этот новый подход, ориентированный на плавность, контрастировал с жесткими силуэтами S-Bend предыдущих десятилетий. Туника правого дизайна изготовлена ​​из плиссированного материала.

5) На этой иллюстрации показаны пять дизайнов костюмов для девочек, выполненные карандашом и цветной заливкой. В этом десятилетии акцент в детской одежде изменился с талии на бедра, а платья и юбки также стали короче (выше колена), как показано на этих рисунках.Центральная фигура одета в зеленое дневное платье с плиссированной юбкой и замысловатым поясом, который сочетается с ее маленьким воротником и манжетами на рукавах. Также показаны два дизайна пальто. Вторая фигура слева носит бело-красное короткое пальто в клетку с пуговицами Аламо, тогда как следующая фигура справа носит бело-синюю полосатую куртку с темно-синим воротником и соответствующими манжетами.

4) Мадлен Вермонт (1897-1972), модный дизайн, Лондон, 1913. Номер музея. E.957-1977

5) Мадлен Вермонт (1897-1972), модный дизайнер, Лондон, 1913.Музей № E.954-1977

1920-е годы

На развитие моды после войны во многом повлияло изменение отношения женщин. Более молодые женщины были воодушевлены своей независимостью во время войны и сознательно пренебрегали стилевыми предпочтениями поколения своих матерей в отношении оборок, оборок и кружева. Они подстригли волосы и носили юбки до колен с простыми линейными платьями, которые придавали им мальчишеский силуэт.

Норман Хартнелл

6) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1920-е годы.Музей № E.29-1943

Норман Хартнелл, уроженец Лондона (1901 — 79), основал свой дом моды в 1923 году и вскоре прославился своими роскошными и романтическими вечерними платьями и свадебными платьями. Хартнеллу приписывают введение длинных юбок, которые ознаменовали конец эры хлопушек, и его дизайн был востребован утонченной британской «элитой».

Хартнелл, очень «светский» портной, однако, возможно, наиболее известен своими давними связями с английской королевской семьей.Он разработал платье, которое королева Елизавета носила на свадьбе с принцем Филиппом, герцогом Эдинбургским в 1947 году, а также платье для коронации в 1953 году. В 1977 году Хартнелл был назначен KCVO, первым рыцарским званием, присвоенным за заслуги перед модой.

6) Хартнелл разработал это платье с учетом двух материалов: нижнее платье выполнено из твердого материала и покрыто шифоном от плеча до подола. У платья вырез «лодочка» с узкими рукавами до локтя, которые расширяются по краю «гребешок».Это соответствует подол платья. Хартнелл дополнила дизайн поясом из бисера с кисточками, сочетающимся с полоской из бисера на рукавах. Также в дизайне изображена большая повязка на голову со сверкающей вышивкой. Простота и изящество этого платья идеально подошли бы для модных коктейльных вечеринок той эпохи.

Hilda Steward

Ничего особенного не известно о Хильде Стюард, кроме ее рисунков, из которых мы можем видеть, что она создавала элегантную одежду высокого класса.Многие сотни ныне анонимных портных и дизайнеров, подобных ей, существовали в городах по всей стране до середины 20 века, когда в моде стала преобладать готовая одежда массового потребителя.

7) Это вечернее платье без рукавов, созданное Хильдой Стюард в 1920 году, похоже, выполнено из атласа с короткой кружевной трехслойной верхней юбкой, свисающей с пояса. Ремень немного выше талии спереди и поддерживает верхнюю юбку только сбоку назад, оставляя переднюю часть полностью свободной.

На фигуре браслет выше локтя и большая повязка на голове, типичная для 1920-х годов, для удержания новой короткой модной стрижки. Подпись дизайнера появляется в правом нижнем углу в виде двух ее инициалов, пересекающихся друг с другом, включая дату, идущую рядом с ней в вертикальной полосе.

8) Это дизайн оранжевого дневного платья с верхней юбкой, образованной двумя плиссированными вставками. Фигура держит меховую накидку, похожую на соболью; он сочетается с некоторыми меховыми деталями платья, в том числе на подоле.У черной шляпы с большими полями есть два страусиных пера.

На поясе должно быть золотое украшение. Подпись дизайнера появляется в правом нижнем углу в виде двух ее инициалов, пересекающихся друг с другом, включая дату, идущую рядом с ней в вертикальной полосе.

8) Хильда Стюард, дизайнер одежды, Лондон, 1923. Номер музея. E.1039-1988

7) Хильда Стюард, дизайнер одежды, Лондон, 1920. Номер музея. E.1045-1988

Виктор Штибель

Виктор Штибель (1907 — 73) родился в Южной Африке в 1907 году, но поселился в Англии в 1924 году.Проработав три года в Доме Reville, он открыл свой собственный дом моды в 1932 году. Член-основатель Объединенного общества лондонских дизайнеров моды, Штибель был назначен его председателем в 1946 году. Штибель был очень успешным, и его клиентура включала ведущих актрисы дня, но также члены королевской семьи и представители аристократии. Он создал прощальный наряд для принцессы Маргарет после ее свадьбы с лордом Сноудоном в 1960 году.

Дизайны Виктора Штибеля в коллекциях Виктории и Альберта охватывают период с 1927 по 1935 год.

9) Лицо модели на этом рисунке с сильно подчеркнутыми глазами следует традиции, установленной звездой немого кино Тедой Бара, которая популяризировала слово «вампир» (сокращение вампира, которое она сыграла в одном из в ее фильмах), чтобы обозначить хищную самку, чьи глаза, обведенные холом, были ее самой запоминающейся особенностью.

Комбинация волос и ободка на шее делает акцент на глазах и кроваво-красных губах. Обнаженное левое плечо уравновешивается весом волос, находящихся слева, в то время как обнаженное плечо и нога, одновременно обнаженные и скрытые тканевыми полосками, намекают на намерение и скрытые удовольствия.

10) Это дизайн Stiebel для вечернего платья в черном и серебристом цветах с аппликацией или вышивкой в ​​виде змеи, обернутой вокруг него от неровного подола до лифа. Он поразителен и оригинален во всех деталях. Внутренняя часть платья на зеленой подкладке — это контрастирует с черным цветом снаружи.

Платье имеет квадратный вырез с широкими бретелями. На модели жемчужное чокер с соответствующими серьгами и браслетом. Короткая стрижка каре с челкой была типичной для этой эпохи.На оправе этой конструкции есть небольшой набросок платья.

9) Виктор Штибель (1907-76), модельер, Лондон, 1928. Номер музея. S.545-1983

10) Виктор Штибель (1907-73), дизайнер одежды, Англия, около 1927 года. E.1077-1983

1930-е годы

После краха 1929 года и Великой депрессии новые, более приземленные взгляды, навязанные миру, открыли огромные возможности для новой простоты, как это сформулировала Коко Шанель (1883–1971).В Британии мода стала более эклектичной, но в то же время более женственной и изящной, и к 1930 году «мальчишеский» образ исчез.

Виктор Штибель

11) Дизайн одежды Виктора Штибеля, Лондон, 1933. Номер музея. S.544-1983

С середины 19 века кутюрье одевали крупных театральных звезд. Виктор Штибель (1907–1976) создавал постановки во время учебы в университете, а затем работал дизайнером одежды в Доме Reville. В 1932 году он открыл свой собственный дом моды и вскоре стал востребован для создания современных костюмов для ведущих актрис.Мэри Эллис, для которой был разработан этот костюм, была ведущей актрисой и певицей, и одеть ее в престижный мюзикл, написанный Джеромом Керном и Оскаром Хаммерстайном II и спродюсированный Си Би Кокраном, было бы отличной рекламой для молодого кутюрье. Он разработал все ее платья в постановке и платья для ее коллеги по фильму Евы Листер, а также всю современную одежду в зоопарке и репетиционных сценах; Остальные костюмы были из гардероба Cochran и костюмерной фирмы Morris Angel & Son.

11) Платье было верхом шика, с огромными плиссированными плечами, жирным бантом, коротким жакетом и длинной юбкой. Перчатки-перчатки помогали уравновесить широкие плечи, а большой лук привлекал внимание к лицу. Хотя дизайн выполнен в бледно-оранжевом цвете, в примечаниях указано, что он должен быть выполнен из зеленого атласа, контрастирующего с матовой тканью юбки и экзотическим мехом перчаток. Такой дизайн должен был льстить владельцу, а не подчиняться дизайнеру, и у ведущей леди было бы одобрение и, возможно, даже выбор от кутюрье.

12) Расклешенная нижняя юбка синего платья от Stiebel — образец нового кроя, представленного в этом десятилетии. Покрой отличается своей простотой, и Stiebel представил воротник с бантом и высокие манжеты, украшенные разноцветной лентой, чтобы нарушить однообразие.

Эти детали подходят к тонкому оранжевому ремню. Надпись карандашом: «Прилагаю ленточки нужного мне типа для воротника и манжет».

13) В 1930-е годы стало модным носить «домашние пижамы» — брюки с широким низом из мягкого материала.Этот дизайн Виктора Штибеля показывает, как эту концепцию можно преобразовать для более официальных мероприятий — от домашних коктейлей до круизных вечеринок.

Подобные рисунки были созданы дизайнером-сюрреалистом Эльзой Скиапарелли. Вырез на шее Stiebel, верх без рукавов прекрасно контрастируют с широким низом брюк. В дизайн входят ярко-оранжевые перчатки, шляпа с полями и подходящая обувь.

12) Виктор Штибель (1907-76), дизайнер одежды, Лондон, 1934-5. Музей № E.1075-1983

13) Виктор Штибель (1907-76), дизайнер одежды, Лондон, 1934-5.Музей № E.1074-1983

Норман Хартнелл: создание королевской семьи

14) Дизайн одежды, Норман Хартнелл, Лондон, 1936-9. Музей № E.37-1943

В 1935 году Норман Хартнелл получил свой первый королевский заказ, и с этого момента вплоть до своей смерти в 1979 году он продолжал создавать оригинальные дизайны для королевской семьи, важных членов британского общества, а также международных деятелей. Коллекции V&A содержат множество примеров довоенного дизайна Хартнелла, отражающих его очень изысканное, элегантное и непревзойденное использование материала и вышивки.Эти два платья After Six были созданы для Ее Королевского Высочества принцессы Елизаветы; оба очень женственные и нежные.

14) Это вечернее платье было разработано для H.M. Королева Елизавета. Карандашная надпись «Гала» внизу страницы говорит о том, что она была создана для важного события. Платье полностью покрыто множеством цветных последовательностей и, несомненно, ослепило бы других гостей. Горловина-лодочка также отделана пайетками; рукава три четверти длины и вышиты до кончика плеча.

На спине — длинный отдельный шлейф, также полностью расшитый по краю с голубыми и розовыми пайетками в форме пирамид. Королева изображена в бриллиантовой тиаре. Этот ансамбль дополнен замысловатым жемчужным ожерельем и подходящими серьгами. На левом плече Королева также изображена с королевским поясом, поддерживаемым драгоценным камнем с рубином и бриллиантом. Это платье демонстрирует мастерство Хартнелла в создании платьев со сложной вышивкой.

15) Этот дизайн представляет собой ярусное платье с пышной юбкой, с тонкой талией и многоярусной кокеткой, образующей объемные короткие рукава.Юбка перешита голубой лентой, которая подчеркивает разные слои. Платье можно носить с соответствующими украшениями и перчатками.

Вторая модель из розовой сетки с заостренной талией, которая удерживает пышную юбку из сетки, перевязанную бледно-голубой лентой. Боди украшено небольшим декольте в форме сердца, обшитым такой же голубой лентой, а рукава преувеличенно короткими и объемными. Вдобавок на левой стороне шеи есть украшение из цветов.

16) Этот дизайн формального вечернего платья был специально создан для H.М. Королева Мэри. Платье ниспадает прямой линией с небольшим шлейфом на спине. Удлиненная линия v-образного выреза отделана кружевом.

Поверх платья он создал свободный жакет с рукавами, отороченными мехом норки и отороченными кружевом. Завершает этот роскошный ансамбль великолепный ряд драгоценных камней на шее и сверкающая диадема.

16) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1930-е годы. Музей № E.19-1943

15) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1930-е годы.Музей № E.15-1943

1940-е годы

Вторая мировая война оказала глубокое влияние на моду, и она стала регулироваться и оформляться правительственными постановлениями. Однако, несмотря на эти строгие правила и жестокие потрясения, вызванные войной, дизайн от кутюр, возглавляемый группой талантливых портных, процветал.

The New Look

«Я создавала одежду для женщин, похожих на цветы, с округлыми плечами, полными женскими бюстами и широкой талией над огромными широкими юбками.’

Этими словами Кристиан Диор (1905 — 57) описал влияние своей первой коллекции весной 1947 года. В то время все еще действовало нормирование и использовались строгие военные стили. Dior представил силуэты песочных часов и роскошные ткани, смягчив ранее квадратные подплечники и подтянув талию, создав ярко выраженный женственный образ. Его первая коллекция была настолько популярна, что пресса окрестила ее «New Look» и сразу же подражала дизайнерам со всего мира.

17) Дизайн одежды Марджори Филд для Field Rhoades, Лондон, 1940-е годы. Музей № E.426-2005

17) Этот рисунок Марджори Филд изображает женщину в сшитом на заказ костюме с принтами и большой шляпе, украшенной перьями с обеих сторон. По линии талии жакета нашиты двухрядные пуговицы, создающие впечатление узкой талии. В правой руке она держит зонтик, сделанный из того же материала, что и костюм. Марджори Филд, высококлассный лондонский дизайнер, быстро применила модный силуэт Dior New Look в своих нарядах.

18) Рене Грюо итальянского происхождения (1909–2004) переехал в Париж в 1924 году и начал свою карьеру в качестве иллюстратора моды в самых престижных журналах, включая L’Officiel и Marie Claire. Его сотрудничество с Christian Dior началось в 1947 году, и Грюау, который в совершенстве уловил суть New Look, вскоре стал признанной фигурой в мире Haute Couture. Этот рисунок был заказан для журнала мод «Femina» примерно в 1949 году.

19) Это дизайн Бернарда Блоссака (1917–2001).Блоссак был иллюстратором моды, который регулярно рисовал для Vogue, L’Officiel и Harper’s Bazaar. На этом рисунке изображено черное болеро с цветочным узором в стиле New Look.

18) Рене Грюау (1909–2004), модная иллюстрация, Париж, 1949. Номер музея. E.397-1986

19) Бернар Блоссак (1917-2001), модная иллюстрация, Париж или Лондон, конец 1940-х. Музей № E.167-1987

Марджори Филд

Марджори Филд (Филд Роудс), дизайнер одежды, Лондон, 1940-е годы.Музей № E.430-2005

У V&A есть значительная коллекция высококачественных дизайнов Марджори Филд для фирмы Field Rhoades. Происхождение этих дизайнов можно проследить до Гвен Мандли, художницы и друга дизайнера. Field Rhoades был зарегистрирован в лондонских уличных каталогах по адресу 77, South Audley Street, London W1 в течение 1948–49 годов; это соответствует дате дизайнов, найденных в этой коллекции. Марджори Филд также разработала дизайн под названием или для фирмы «Матита».Matita была компанией готовой одежды высокого класса, которая регулярно рекламировалась в Vogue в 1940-х годах.

20) Дизайн одежды, Урсула Штернберг-Герц, Лондон, около 1947 года. E.844-1989

Урсула Штернберг-Герц

Урсула Штернберг-Герц была уважаемой художницей, которая много выставлялась в Европе и США. В 1940-х годах она подала заявку на участие в конкурсе в текстильную фирму Ascher в Лондоне, которая была известна своей работой с художниками по созданию узоров и рисунков для шелковых шарфов и мебельной ткани.Она выиграла 3-е место, но проработала в Ascher Studio год и много лет внештатным дизайнером.

20) Этот нарисованный эскиз модно одетой женской фигуры украшает переднюю панель папки с рисунками для тканей и одежды Урсулы Штернберг Герц, первоначально представленной Ашеру в рамках конкурса. Эта смелая и красочная доска демонстрирует важность, которую дизайнер придавал общей презентации. Надписи выполнены акварелью и гласят: «Sender Ursula Sternberg-Hertz London 30 Ch.Де Бойсфорт Брюссель и Асер Вигмор-стрит в Лондоне ». Папка скреплена зеленой бархатной лентой.

1950-е годы

Пятидесятые годы, которые часто ассоциировались с подъемом молодежной моды прет-а-порте, были плодотворным и успешным десятилетием для модного «истеблишмента», воплощенного домами высокой моды и традиционными портными. Фэшн-иллюстрация продолжала процветать во множестве издававшихся в то время журналов.

Сигрид Хант

Сигрид Хант (позже Розен) была иллюстратором и редактором моды.Она приехала в Англию из Берлина в начале 1930-х годов и работала в престижных изданиях, включая Vogue, Tatler и The Sketch. С конца 1950-х по 1971 год она работала в Германии в компаниях Sudkurrier Welt der Frau и Die Mode.

Различные подготовительные этапы, показанные для обложки обложки журнала Tatler от 5 мая 1954 г., являются хорошим примером процесса и различных этапов журнальной иллюстрации.

Сигрид Хант, карандашный набросок, Великобритания, 1954 год. E.687-1986

Передняя обложка Tatler, оформленная Сигрид Хант, 5 мая 1954 г.Музей № E.684-1986

Сигрид Хант, цветной дизайн, Великобритания, 1954. Номер музея. E.685-1986

Жан Демарчи

Жан Демарчи (даты неизвестны) был иллюстратором моды 1950-х годов, который работал в мягкой пастели для создания романтических, абстрактных образов высокой моды. Возможно, такие иллюстрации больше соответствовали роскошному и женственному идеалу моды, чем фотография. Эти иллюстрации, особенно из коллекции Stiebel 1953 года, демонстрируют часть этой общей эстетики в том, как они передают мягкую, тактильную природу тканей.

Однако привилегированный статус модного рисунка быстро исчез в 1950-х годах, и фотография вскоре стала более заметной в послевоенных журналах, которым требовались более резкие изображения.

21) Это изображение было нарисовано для Harper’s Bazaar примерно в 1955 году. На нем изображено гламурное вечернее платье от Christian Dior (1905–1957) с пышной юбкой и сложным бантом.

22) На этой иллюстрации изображено вечернее платье лондонского модельера Виктора Штибеля (1907–1976), нарисованное для Harper’s Bazaar в 1953 году.Штибель любил использовать смелые контрастные полоски в своем дизайне, а также обычно ссылался на исторические платья с объемными корзинами и сумками.

21) Жан Демарши, модная иллюстрация, Париж или Лондон, около 1955 года. E.685-1997

22) Жан Демарши, модная иллюстрация, Лондон, 1953. Номер музея. E.686-1997

1960-е

До конца 1950-х и 1960-х годов подростки должны были одеваться и вести себя так же, как их родители. Однако в «Swinging Sixties» возник новый молодежный рынок, поскольку подростки восстали против эстетики и ценностей поколения своих родителей и установили свои собственные тенденции в моде и музыке.

Среди прочего была представлена ​​мини-юбка, и мода считалась очень старомодной. Лондон, а не Париж, теперь был ведущим в моде, чему способствовали школы моды и колледжи города, которые создавали творческую среду для молодых талантливых дизайнеров.

Мэри Куант

23) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.520-1975

Дочь уэльских школьных учителей Мэри Квант (род. 1934) получила диплом в области художественного образования в Голдсмит-колледже в Лондоне.Там она познакомилась с Александром Планкетом Грином, который впоследствии стал ее деловым партнером и мужем. Поступив в ученичество к модистке, Квант начала шить себе одежду. На них повлияли битники из «Челси», которых она знала, и танцевальные костюмы, которые она помнила с детских уроков.

В 1955 году, когда «мода не была предназначена для молодежи», Куант открыл Bazaar, бутик на Кингс-роуд. Она изобрела привлекательные витрины, чтобы привлечь клиентов. Ее одежда была простой формы в сочетании с яркими цветами, такими как алый, чернослив и зеленый.Цены были низкими по сравнению с ценами от кутюр.

Прославившись популяризацией мини-юбок, в 1966 году Quant была удостоена награды OBE. В начале 1960-х годов ее изделия были куплены сетью магазинов J.C. Penney для массового производства для американского рынка. Лейбл Quant начал появляться во всем мире на аксессуарах и косметике.

23) Эта модель имеет свободный лиф, длинные узкие рукава и вертикальную молнию спереди. Юбка очень короткая, оторочена по краю желтым цветом.Носятся колготки такого же цвета. Есть маленький детский воротник и очень узкий пояс с пряжкой спереди. Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х годов и продолжались довольно долго после этого.

24) Этот смелый дизайн мини-платья цвета баклажана из замазки сделан с небольшим лифом liberty с прикрепленной к нему полной мини-юбкой. Верх платья имеет коровий вырез из желтого материала внутри, а снаружи — бежевый с желтым.

Имеется соответствующий головной платок, пояс и манжеты.Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х годов и продолжались довольно долго после этого.

25) В этом дизайне Мэри Куант решила не обращать внимания на талию и добавила очень короткую юбку с оборками, прикрепленную к телу платья, создавая эффект «мини». Рукава очень короткие и окаймлены красной кожей Glace kid. Основное платье выполнено из трикотажной шерсти розового цвета.

Воротник и передняя прорезь окаймлены такой же гладкой кожей, что и рукава. Кожа имеет латунные проушины, позволяющие продеть ленту с шнурком для обуви.Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х годов и продолжались довольно долго после этого.

24) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.525-1975

25) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.523-1975

1970-е

1970-е были десятилетием пионеров, когда мода превратилась в провозглашение индивидуальности. Одним из следствий этих изменений в одежде было то, что мода все в большей степени становилась предметом заботы как мужчин, так и женщин.

Модель «Manly Sweater», Патрик Колфилд для Ritva, Лондон, 1972 г. E.413-2005

Ритва и Патрик Колфилд

Трикотажная фирма Ritva была основана Майком и Ритвой Росс в 1966 году, производя революционную женскую одежду машинного трикотажа ярких цветов и облегающих форм. Они продавались в одних из самых модных универмагов и бутиков на Кингс-роуд, а с 1972 года — в собственном магазине Росс.

Новое направление в мужской трикотажной одежде появилось в 1969 году, когда Майк Росс разработал линию свитеров Ritva Man’s с аппликациями, вдохновленную бейсбольными рубашками (коллекция V&A включает прототип, Museum no.Т.14-2000). Каждый свитер был уникальным, со своей расцветкой.

Это привело к созданию Коллекций художников 1971 и 1972 годов, когда Росс пригласил друзей художников, включая Дэвида Хокни и Элизабет Фринк, для создания «носимых произведений искусства».

«Мужской свитер» художника Патрика Колфилда (1936–2005) с аппликациями из кожи и трубкой «trompe l’oeil» — это ироническая версия традиционной мужественности 1950-х годов. V&A также приобрело оригинальные рисунки Колфилда для свитера, и вместе они представляют собой необычный документ сотрудничества искусства и моды.

Этот рисунок на бумаге цветным карандашом содержит элемент коллажа. Один меньший лист бумаги с одним рисунком крепится к большему листу с дополнительными рисунками. На рисунках изображены различные варианты трубки и нагрудного кармана. На одном из рисунков нагрудного кармана также изображено изображение птицы. Несколько примечаний на черном карандаше, включая имя художника и титул «P C Manly sweater».

Патрик Колфилд (1936–2005) для Ritva, дизайн одежды «Manly Sweater», Лондон, 1972.Музей № E.414-2005

Патрик Колфилд (1936-2005) для Ритвы, Manly Sweater, Лондон, 1972 г. T.18-2000

John Bates

Плодовитый и новаторский дизайнер, Джон Бейтс (род. 1938) часто использовал металлические, пластиковые и прозрачные ткани в своих творениях. Его, пожалуй, больше всего помнят как дизайнера гардероба Дайаны Ригг для телесериала «Мстители» в 1965 году.

26) Это шелковое платье 1978 года интересного дизайна с квадратными плечами, блузонным телом и пышной юбкой сложного кроя.На талии завязан пояс, а рукава имеют расклешенные манжеты, похожие на высокий воротник.

27) Этот дизайн 1974 года предназначен для длинного набивного кафтана с волнистым низом. Боковые стороны отделаны кисточками. Принт особенно красив и индивидуален, здесь можно увидеть детализацию стилизованных цветов и птиц. Это дополняется отстрочкой по краю вокруг кафтана. Экзотический элемент этого дизайна делает его особенно ярким.

26) Джон Бейтс (род. 1938), дизайнер одежды, Лондон, 1978.Музей № E.570-1975

27) Джон Бейтс (р. 1938), дизайнер одежды, Лондон, 1974. Номер музея. E.569-1975

Зандра Роудс

Выпускница Королевского художественного колледжа Зандра Роудс (род. 1940) прославилась своими принтами на шифоне и использованием ярких ярких цветов. Британские производители сочли ее дизайн слишком экстравагантным, и в 1969 году она открыла собственный магазин на Фулхэм-роуд в Лондоне. Экстравагантный внешний вид и стиль Родса часто привлекали широкую огласку.Ей приписывают то, что она ввела моду панк в модную индустрию своей коллекцией 1977 года под названием Punk Chic.

Зандра Роудс (род. 1940), дизайн шубы, Лондон, 1970-е. Музей № C.282-1974

Зандра Роудс (р. 1940), дизайн шубы, Лондон, 1970-е. Музей № C.286–1974.

Билл Гибб

28) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1970. Номер музея. E.123-1978

Билл Гибб (1943–88) был модельером, чьи творения определили образ 1970-х годов.Он открыл свой бутик Alice Paul в Кенсингтоне в 1967 году. Он был спроектирован специально для молодежного рынка с чистыми линиями, несущими отпечаток современных тенденций. В 1970-е годы его стиль развивался в эклектических и романтических направлениях, вдохновленных сценой хиппи, средневековой живописью и живописью прерафаэлитов.

28) Это модный дизайн для длинной юбки со складками, блузки с длинными рукавами, кружевной куртки и шляпы-клош с двумя прикрепленными образцами ткани. Этот дизайн был показан в Vogue в 1970 году и в Sunday Times среди других журналов.Этот дизайн показывает, как используются разные шерстяные ткани с контрастным цветом и рисунком.

29) Жакет дизайн с беретом.

30) Это дизайн куртки с принтом из кожи и замши с капюшоном. Кажется, что на Узоры повлияли этнические узоры. В других дизайнах в конце 70-х годов начали использовать смесь разных тканей и цветов, например, кожа с шифоном). Этот дизайн является хорошим примером того, как в этот период кожа обрабатывалась более модным и красочным способом.

29) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1976. E.127-1978

30) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1976. E.128-1978.

1980-е годы

Возрастающее значение женщин на рабочем месте потребовало новой эстетики моды, и это десятилетие ознаменовалось появлением «Power Dressing». Широкие плечи с мягкой подкладкой стали модными, а женская одежда была вдохновлена ​​мужской модой и традициями пошива одежды. В этот период также была представлена ​​роскошная вечерняя одежда, примером которой являются роскошные платья Oscar de la Renta.

Олег Кассини

Олег Кассини (1913–2006) был известным американским модельером, который одевал Джеки Кеннеди во время ее пребывания в Белом доме. У Кассини также был прибыльный бизнес по продаже готовой одежды и лицензирования с широким ассортиментом фирменных аксессуаров и косметики.

Дизайн одежды, Олег Кассини, США, 1988. Номер музея. E.25-2000

Дизайн одежды, Олег Кассини, США, 1988. Номер музея. E.24-2000

Билл Гибб

Билл Гибб (1943–88) был модельером, чьи творения определили образ 1970-х годов.Он открыл свой бутик Alice Paul в Кенсингтоне в 1967 году. Он был спроектирован специально для молодежного рынка с чистыми линиями, несущими отпечаток современных тенденций. В 1970-е годы его стиль развивался в эклектических и романтических направлениях, вдохновленных сценой хиппи, средневековой живописью и живописью прерафаэлитов. Его романтическая эстетика была менее успешной в течение 1980-х, и он представил свою последнюю полную коллекцию в 1985 году.

На рисунке внизу справа показан дизайн для поп-звезды Линси де Поль для ее выступления на Королевском варьете в 1986 году.Выполнена в цвете, черной тушью и фломастером. К этому времени бизнес Гибба разваливался, и этот проект может стать одним из его последних.

Дизайн одежды Билла Гибба, Лондон, 1986. Номер музея. E.522-1993

Эскиз костюма Билла Гибба, Лондон, 1986. Номер музея. E.523-1993

Антони и Элисон

Лондонский дизайнерский дуэт Антони и Элисон — это Антони Бураковски и Элисон Робертс. Они познакомились в 1982 году, когда изучали моду в колледже Святого Мартина.Они известны своим эклектичным и игривым дизайном, в том числе множеством лозунгов и футболок в вакуумной упаковке.

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.679.2-1997

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.680.2-1997

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.679.2-1997

Маноло Бланик

Маноло Бланик (р. 1942) — один из самых известных и успешных дизайнеров обуви своего времени.Его творения были увековечены в эпизодах сериала «Секс в большом городе», а его имя теперь стало синонимом роскошной обуви с изысканным дизайном. За заслуги перед британской индустрией моды он был удостоен почетного звания главнокомандующего Британской империей в списке наград королевы 2007 года по случаю дня рождения.

Эти модели предназначены для женской обуви, возможно производство Zapata Shoes Ltd, Лондон, 1980.

Маноло Бланик (род. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980. Номер музея.E.1334-1979

Маноло Бланик (р. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980. Номер музея. E.1331-1979

Маноло Бланик (р. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980 г. E.1332-1979

7 иллюстраторов рисуют свои любимые образы от кутюр для Vogue

Это было 88 лет назад, в июле 1932 года, когда цветная фотография впервые появилась на обложке Vogue. № На нем изображена женщина в купальном костюме, держащая мяч, и в своей графической простоте он имел что-то вроде иллюстративного.Это был переломный момент для все еще молодой среды модной фотографии, но также и для модной иллюстрации, которая так долго была языком моды. Для ясности: Vogue использовал фотографии до этого времени и продолжит использовать иллюстрации после него, но динамика власти безвозвратно изменилась. Казалось, технология восторжествовала.

Иллюстрация, конечно, никуда не делась, но, как и в случае с модой, ее сфера сузилась и она стала более специализированной.Оба изделия повышают уровень ручной работы и индивидуальности, которую она привносит. Ощущение близости, вызванное ручной работой, которую демонстрирует иллюстрация, стало еще более желанным, поскольку мы были изолированы друг от друга во время пандемии.

Здесь мы чествуем искусство иллюстрации, создавая рисунки образов, отобранные из архива Vogue Runway семью художниками. Так они видят кутюр.

Валентино, осень 2019 года от кутюрИллюстрировано Грейс Линн Хейнс

Первый член резиденции Кехинде Уайли Блэк Рок Сенегал, Грейс Линн Хейнс, калифорнийка из Нью-Джерси, прежде чем переключить свое внимание на живопись, изучала иллюстрацию.Беря в качестве предмета «сложные темы и стереотипы, окружающие черных женщин и женственность», картины Хейнс отличаются контрастом ярких цветов с мощно плоскими и графическими силуэтами черной краски, «сформированными, — говорит она, — для изображения черных женских тел». В моей работе, продолжает она, «черный цвет выглядит вдохновляющим, достойным и возвышенным».

Йоргелис Марте в Valentino, мода осень 2019 Фото: Vogue Runway Archive

Работа в процессе

Иллюстрировано Грейс Линн Хейнс

«Для этого проекта я выбрала показ Valentino осень 2019 года.Эта выставка запомнилась мне тем, что она сознательно установила новый шаблон для коллекций. Пьерпаоло Пиччоли из Valentino решил продемонстрировать несколько моделей Black, бросив вызов традиционному стереотипу модели Black. Его послание инклюзивности находит отклик в мире, в котором наши лидеры, похоже, стремятся продвигать изоляционизм, инакомыслие и страх. Пиччоли сказала: «Единственный способ оживить моду сегодня — это принять различные женские идентичности и культуры». Я твердо придерживаюсь этого мнения. В нашем нынешнем политическом климате я считаю важным продемонстрировать черную женскую фигуру не только как сильную, но и возвышенную и мощную, но в то же время божественную.

Maison Margiela, весна 2020 года от кутюр Иллюстрация Джеки Маршалла

В линии Джеки Маршалла, кажется, есть молния; есть позитивная энергия, которая пульсирует в ее цветных рисунках и коллажах. По образованию дизайнер, эта британка знает моду наизнанку и любит ее, о чем ясно свидетельствуют ее рисунки.

Lotka Lakwijk в Maison Margiela, весна 2020 от кутюр

Фото: Алессандро Лучони / Gorunway.com

Незавершенные работы

Иллюстрация Джеки Маршалла

«Мне нравится эта коллекция Margiela, каждый раз, когда я смотрю на нее, я вижу что-то новое.Особенность этой коллекции в том, что для меня, получив образование дизайнера, а не художника, я хотел бы создать такую ​​вещь сам. Я люблю деконструктивную сторону вещей, мне нравятся силуэты; цвета потрясающие.

Я начал экспериментировать со всем, что было вокруг меня, и коллажировать. Я буквально только что это сделал; Я просто плыл по течению. У меня есть идея, но я никогда не узнаю, пока не начну. Я не подхожу ко всему одинаково, мои линии не одинаковы для каждого дизайнера, которого я рисую.[Для этого рисунка] Я играл со слоями. Я вручную распечатываю свою бумагу для использования, и у меня получился похожий цвет, но он также был покрыт слоями цветов за ним. Когда я купил газету, они пронумеровали ее, и она мне понравилась, поэтому я оставил ее ».

Givenchy, осень 1996 года от кутюрИллюстрированный Джеймсом Томасом

Джеймс Томас обладает даром наполнять абстрактные силуэты и этюды фигур воздушной поэзией. Художник из Лондона, Нью-Йорка, креативный директор в моде на протяжении многих лет, создает крупномасштабные коллажи, вырезанные из бумаги, в которых цветные блоки синкопированы с медитативным белым пространством.

Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 г. от кутюр

Фото: Condé Nast Archive

Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 г. couture

Фото: Condé Nast Archive

«Я был вдохновлен проиллюстрировать один из моих любимых образов от кутюр от Givenchy осени 1996 года, потому что он выражает ясное повествование, грандиозную концепцию и щедрость духа — отличительные черты высокой моды.

Я создал эту иллюстрацию, построив холст в натуральную величину на световом коробе, на который я нанес коллаж из ацетатной бумаги на трех стеклянных поверхностях, чтобы создать глубину и тень.»

Chanel, весна 2004 г., от кутюр

Иллюстрировано Сарой Сингх

В работе Сары Сингх есть текучесть, которую она поддерживает, терпеливо накладывая ее, пока чернила, а мазки — на компьютере. Эта влажная линия более выразительна, чем точна, и Сингх, пересаженная шведка, использует ее, чтобы делать драматические заявления, которые не погружаются в детали, а напрямую затрагивают суть ее сюжетов.

Alek Wek в Chanel, весна 2004 от кутюр

Фото: Марсио Мадейра Видео: Сара Сингх

«Я выбрала это платье, потому что оно выглядело пушистым и защищающим, и его носил Алек Век.У нее свой внешний вид, естественный вид — у нее нет выпрямленных волос — у нее своя красота. И она должна была надеть свадебное платье, и она была Черной, что было необычно для того времени. Я просто подумал, что это такой сильный образ.

Рисунок состоит из пера, туши и смывки чернил, а затем я сканирую все рисунки и накладываю их в Photoshop ».

Christian Dior, весна 2005 от кутюр

Иллюстрировано Фридой Ваннербергер

На первый взгляд рисунки женщин Фриды Ваннербергер могут показаться плавными, похожими на бумажную куклу; но посмотрите внимательнее и прочтите названия работ, и станет ясно, что это женщины, а не девушки, не игрушки, и что они используют моду, чтобы ориентироваться в своих сложных мирах.И, как и Ваннербергер, лондонская шведка, ее женщины склонны к пышным рукавам.

Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 от кутюр

Фото: Vogue Runway Archive

«Я очарован тем, как платье было и продолжает быть связано с историей, а также тем, как мы развиваемся как общество [с точки зрения] идентичности, власти и соблазнения. [Когда я был] рос в середине 2000-х, показы от кутюр были вершиной постановочных повествований — я был очарован тем, как много мелких деталей (образа) работали вместе, чтобы создать образ (образ), который играет роль более широкое повествование (шоу, рекламные кампании, редакционные статьи).

Джон Гальяно и его траектория в Сент-Мартинсе были причиной, по которой я хотел учиться в CSM, так что в основном благодаря этой коллекции — и тщательному изучению Библии с дополнениями к взлетно-посадочной полосе 2003–2006 годов — я нахожусь в Лондоне! Я выбрал очень избирательный подход к деталям здесь, сосредоточив внимание на головном уборе, украшении лица через украшения и ожерелье. Изысканная пышная юбка истекает кровью.

Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 от кутюр

Фото: Марсио Мадейра Видео: Фрида Ваннербергер

Я работала тонким линером на акварельной бумаге 300 GSM.Это странный размер, он образовался из остатков бумаги после заказанного проекта. Я привык к размеру и с удовольствием работаю с кадрированием / размещением тела на бумаге. Я всегда начинаю с глаз, затем с остальной части лица и позволяю им направлять меня вместе с остальной частью фигуры. Мне нравится просто работать с линиями; для меня это очень медитативно. Иногда я набрасываю линии индикации для различных вариантов углов тела, но мне нравится быть довольно настойчивым с моим маркером и смотреть, куда он меня ведет.»

Жан Поль Готье, весна 2010 от кутюр. Иллюстрация Криса Гамбрелла

Эмина Кунмулаж в образе Jean Paul Gaultier, весна 2010 от кутюр

Фото: Моника Феуди / Gorunway.com

В своих быстрых набросках Крис Гамбрелл умеет передать характер с помощью мельчайших жестов. Его законченные работы — это мрачные этюды цвета и фактуры. Попав «на глаза» в архивах Vogue Runway из своего родного города Бристоль, Англия, он сократил 50 вариантов до одного.

«Я нарисовал образ 12 из весенней коллекции от кутюр 2010 Жана Поля Готье, потому что его драматизм и красота требовали передачи чернильных текстур.Этот образ выделялся для меня своей сбалансированностью и неуравновешенностью; вес широкой плечевой части с заостренными эполетами в виде бахромы, встречающимися с удлинениями шляпы, и все, что наклоняется и раскачивается в одну сторону, вы можете почувствовать движение. Как облако на переливающемся горизонте или Икар, встречающийся со стихиями, драма втянула меня.

Как и во всем, что я рисую, сюжет выбирает сам, темный текстурный фон, выполненный чернильной акварелью, отбрасывает защищенные белые области вперед с отметками восковых мелков ода кутюрной природе ручной работы.”

Christian Lacroix, весна 1988 от кутюр

Иллюстрация Мэри Барендрегт

Катуча Ниан в картине Кристиана Лакруа, весна 1988 года от кутюр

Фото: Дэниел Саймон / Getty Images

Мэри Б. из Амстердама использует цветные карандаши и масляную пастель для своих портретов и модных рисунков. В некоторых ее работах есть захватывающая неловкость, которая для этого зрителя вызывает в памяти незабываемый шаг, который Леон Дам продемонстрировал на подиуме в Margiela, и который был настолько захватывающим.Совершенство может отталкивать, несовершенство манит человека.

«Что мне нравится в моде, так это мастерство и преданность материалам и тканям. Я хотел запечатлеть это ощущение и уловить текстуры и принты в своих рисунках. Для меня важно, чтобы рисунок «жил» и дышал. Было весело нарисовать это платье от кутюр от Lacroix; это действительно положительно повлияло на меня! Я использовала цветные карандаши и выбрала этот [ансамбль] с весны 1988 года, потому что он по-прежнему очень впечатляет после стольких лет.Это одновременно шикарно и круто, с яркими цветами и красивым дизайном ».

Познакомьтесь с Хайденом Уильямсом, модным иллюстратором голливудских звезд

Британский модный иллюстратор и дизайнер Хайден Уильямс является частью новой волны молодых людей, которые используют свои платформы социальных сетей для создания глобальных брендов.

Модные иллюстрации 27-летнего юноши получили 1,2 миллиона подписчиков в Instagram и привлекли внимание таких голливудских звезд, как Рианна, Бейонсе, Кайли Дженнер и многие другие.

Уильямс говорит, что он черпает вдохновение из того, что происходит в СМИ, чтобы создавать свои работы.

«Я думаю, что поп-культура играет огромную роль в моей работе, поэтому мне всегда нравится смотреть на то, что происходит в СМИ, и черпать вдохновение из музыки, фильмов и многого другого», — говорит он.

Уильямс впервые начал рисовать в детстве. Позже принцессы Диснея стали частью его вдохновения из-за их женственности, элегантности и изысканности.

«Я понял, что мои интересы и вид искусства, который я создаю, связаны с модным дизайном и модной иллюстрацией, поэтому я продолжил это», — объясняет он.

На протяжении тысячелетия рост социальных сетей сыграл огромную роль в том, чтобы его работы заметили, особенно знаменитости. Рианна, например, заметила его иллюстрации, а затем повторно разместила их, так Уильямс привлек внимание и большее количество поклонников.

С тех пор работы Уильямса были замечены Бейонсе (которая разместила его работы на своем веб-сайте) и Ким Кардашьян Уэст, которая продолжает публиковать его работы.

Недавно иллюстратор также сотрудничал с Кайли Дженнер, самой молодой миллиардершей в мире. Он создавал иллюстрации для ее косметической компании.

О Дженнер он говорит: «Она позвонила мне лично по телефону и спросила, могу ли я создать иллюстрацию для ее упаковки».

Иллюстратор, изучавший моду, говорит, что его аккаунт в Instagram сыграл решающую роль в привлечении новых возможностей, а также в обмене информацией с другими людьми, которые любят моду.

Он говорит, что одно из его любимых коллабораций было с Братцем, который прослушал его во время празднования своего 18-летия.

«Это определенно один из моих любимых проектов, над которыми я работал на сегодняшний день, потому что я глубоко связан с брендом с детства и коллекционирую куклы с момента их дебюта в 2001 году, так что для меня это гораздо более сентиментально и лично. , — поясняет он.

Уильямс говорит, что ему также понравилось, что компания привлекала его ко всему процессу, от принятия решения о том, какие ткани будут использоваться, до того, какую обувь и аксессуары нужно добавить.

Его самым важным моментом было увидеть готовый продукт с его именем на нем.

«Быть ​​цветным человеком и иметь на упаковке свои иллюстрации, подпись, портрет и биографию — важный момент, который встречается невероятно редко. Так что я очень горжусь. Я считаю это важной вехой в своей карьере », — говорит Уильямс.

Он рассказал, что генеральный директор MGA Entertainment (компания по производству игрушек, которая делает Bratz) Исаак Лариан верил в свое видение с самого начала и дал ему свободу для творчества.

Когда дело доходит до его собственного творческого процесса, Уильямс предпочитает простоту. Он рассказал, что начинает вручную, используя карандаш, а затем добавляет цвет спиртовыми маркерами. Определение на его рисунках происходит от карандаша-карандаша.

Он заканчивает процесс сканированием иллюстрации в свой ноутбук, где редактирует и очищает ее.

Иллюстратор также недавно запустил канал на Youtube, где он будет размещать видеоролики о своем творческом процессе.Что касается текущих проектов, Уильямс сообщил, что он работает над сверхсекретной шляпой, которая будет раскрыта позже в этом году.

Подробнее:

Избегайте проецирования: Кот Бонкерс — ни политическая, ни феминистская художница

Графический дизайнер Рофива Мудау использует известные лица, чтобы вдохновить молодежь

Блэр Имани пишет свою историю

модных иллюстраций: 10 известных модных иллюстраторов

СВЯЗАННЫЙ: Этичные модные бренды, от которых вы можете чувствовать себя хорошо

Что такое модная иллюстрация?

Модная иллюстрация — это искусство рисования, раскрашивания или зарисовки модных концепций, идей, нарядов или фигур индустрии.Их можно использовать для «визуализации» одежды до того, как она будет произведена, или для маркетинга бренда или линейки продуктов. Модная иллюстрация также была популярным выбором для обложек журналов — то есть до тех пор, пока модная фотография не стала отраслевым стандартом.

Модные эскизы бывают разных сред. Иллюстраторы могут использовать традиционные инструменты, такие как тушь, маркер, гуашь и акварель, для создания своего искусства. Цифровая иллюстрация также невероятно популярна благодаря появлению Photoshop, Illustrator и другого программного обеспечения для творчества.

В отличие от модной фотографии, которая представляет собой реалистичное и точное воспроизведение модели или наряда, модная иллюстрация является более стилистической формой модной коммуникации. У каждого художника есть собственное уникальное видение и эстетика, что приводит к широкому диапазону взглядов и стилей.

Гетти

Какие бренды известны своими модными рисунками?

Даже в 2019 году множество брендов все еще используют модную иллюстрацию, чтобы продвигать новые линии одежды или просто выделяться среди своих конкурентов.Dolce & Gabbana, Tiffany & Co и Коко Шанель — это лишь некоторые из имен, которые активно использовали модную иллюстрацию в последнее десятилетие.

Известные иллюстраторы дизайна одежды на протяжении всей истории

Пол Ирибе (1883-1935)

Карл Эриксон (1891–1958)

Рене Грау (1909-2004)

Энди Уорхол (1928-1987)

Антонио Лопес (1943-1987)

Лучшие иллюстраторы моды со всего мира

Керри Хесс

Возраст: 39

Страна: Австралия

Наиболее известна: Ее работа с Louis Vuitton и Vogue

Работали бренды: Cartier, Tiffany & Co, Cartier, Lancome, Louis Vuitton, Net-a-Porter

Instagram: @kerriehessillustration

Посетите веб-сайт Керри Хесс здесь.

Меган Хесс

Возраст: 40

Страна: Австралия

Наиболее известен за: Делаем иллюстрации к книгам «Секс в большом городе»

С которыми работали бренды: Dior, Louis Vuitton, Jimmy Choo, Givenchy, Tiffany & Co, Balmain, Valentino, Prada

Instagram: @meganhess_official

Посетите веб-сайт Меган Хесс здесь.

Холли Николс

Возраст: 28

Страна: США

Самый известный: Ее популярный аккаунт в Instagram

Работающие бренды: TRESemme, Disney, Nordstrom, Saks

Instagram: @hnicholsillustration

Посетите веб-сайт Холли Николс здесь.

Джейсон Брукс

Возраст: 50

Страна: Англия

Наиболее известен за: Его культовое искусство для звукозаписывающей компании Ministry of Sound Hedkandi

Работали бренды: Chanel, L’Oreal, Cartier, Vogue

Instagram: @jasonbrooksart

Посетите веб-сайт Джейсона Брукса здесь.

Солей Игнасио

Возраст: 30

Страна: Филиппины

Наиболее известна: Сотрудничество с Forever 21

Работающие бренды: BYS, Forever 21, TRESemme, Aldo,

Instagram: @choleil

Посетите веб-сайт Солей Игнасио здесь.

Гретхен Рёрс

Возраст: 30

Страна: США

Самая известная за: Ее серия «Съедобный ансамбль»

Бренды, с которыми работали: Whole Foods, Harper’s Bazaar, The New York Times

Instagram: @groehrs

Посетите веб-сайт Гретхен Рёрс здесь.

Шон Райан

Возраст: 33

Страна: Англия

Самая известная за: His Badly Drawn Models series

Работали бренды: Armani, Calvin Klein, Selfridges, Missguided

Instagram: @badlydrawnmodels

Посетите веб-сайт Шона Райана здесь.

Блэр Брайтенштейн

Возраст: 29

Страна: США

Самый известный за: Очищающее средство для лица Her Fresh Soy Face Cleanser

Бренды, с которыми работали: Saks Fifth Avenue, Oscar de la Renta, Louis Vuitton, Alexander McQueen, Prada, Chanel

Instagram: @blairz

Посетите веб-сайт Блэра Брайтенштейна здесь.

ДжэСук Ким

Возраст: 32

Страна: Южная Корея / Австралия

Наиболее известен: Девочки его «Susu»

Работающие бренды: Cartier, Dolce & Gabbana, Bulgari, Bloomingdales

Instagram: @jaesukkim

Посетите веб-сайт Джезука Кима здесь.

Дональд Робертсон

Возраст: 57

Страна: Канада

Наиболее известен: Запуск американской версии Marie Claire

Работающие бренды: MAC, Bobbi Brown, Cosmopolitan, Glamour

Instagram: @drawbertson

Посетите веб-сайт Дональда Робертсона здесь.

Учебник для начинающих по моде. Иллюстрация

От австралийских сестер Хесс до канадца Дональда Робертсона, иллюстраторы моды имеют разное происхождение и стили. Иллюстраторы в этом списке — лишь верхушка айсберга — сегодня в индустрии моды работает множество талантливых художников!

СВЯЗАННЫЙ: Назад в 60-е: как последние новости мужской моды ссылаются на ретро-прохладу

Пошаговых модных рисунков: как нарисовать модную фигуру за 10 шагов — 2021

Пропорции модной фигуры не пропорциональны человеческому телу.Как правило, модная фигура соответствует отраслевому стандарту длины «девять голов»: это означает, что длина модной фигуры примерно в девять раз превышает размер головы рисунка. Эти удлиненные фигурки помогают продемонстрировать одежду, особенно платья и юбки.

Вот пошаговое руководство по завершению модного рисунка:

1. Проведите вертикальную линию по центру листа . Эта линия, тянущаяся от головы до ступней, будет центром баланса модной фигуры.
2. Разделите бумагу на девять равных частей . Девять разделов будут включать голову, бюст, талию, бедра, бедра, икры, лодыжки и ступни модной фигуры. Вы можете нарисовать горизонтальные линии, примерно в одну восьмую дюйма каждая, чтобы разделить девять частей.
3. Нарисуйте область таза . Посередине линии баланса нарисуйте квадрат таза модной фигуры. Его можно наклонять в разные стороны для создания разных поз.
4. Нарисуйте туловище и плечи .Нарисуйте две линии вверх от вершины квадрата таза, чтобы создать туловище. Линии снова изгибаются внутрь и наружу, чтобы создать талию. Плечи должны быть примерно такой же ширины, как и таз, но линии плеч могут быть наклонены, чтобы создать позу, закругленную вперед.
5. Нарисуйте шею и голову . Шея должна составлять одну треть ширины плеч и половину длины головы. Нарисуйте круг для головы пропорционально туловищу.
6. Нарисуйте ноги .Ноги фигуры должны быть примерно в четыре раза длиннее нарисованной головы. Ноги делятся на две части: бедра и икры. Верхняя часть бедер должна равняться длине головы. Сужайте линию до колена и снова до щиколотки так, чтобы щиколотки были примерно на четверть размера головы.
7. Нарисуйте руки . Нарисуйте руки сужающимися линиями до локтя, а затем снова до запястья. Руки можно расположить вдоль тела или на бедрах.Закончите руками и пальцами.
8. Нарисуйте ступни . Стопы должны быть примерно равны длине головы.
9. Создайте свой модный дизайн . Теперь, когда модная фигура нарисована, вы можете начать создавать свои дизайнерские творения поверх фигуры.
10. Проиллюстрируйте свой дизайн .