Авангард из природных материалов: на конкурс самодельные и оригинальные, красивые, идеи

на конкурс самодельные и оригинальные, красивые, идеи

Фасоны и модели платьев

Поток времени не остановить. Не останавливается и мода. Следовать модным веяниям с каждым днем становится все легче, ведь все чаще на подиумах появляются наряды из подручных материалов.

Платья, сделанные собственными руками, не только покажут ваше мастерство и креативность, но также обновят гардероб парой новых оригинальных нарядов. Большинство представленных в статье платьев мало пригодны для повседневной жизни, но парочка идей прекрасно воплотятся в жизнь и сделают ваши образы интереснее.

Разнообразие подручных материалов

Для создания нарядов из подручных средств подойдет все кроме громоздких и тяжелых материалов.

Словом, в ход стоит пустить все, что завалялось на антресолях, и уже было одной ногой в мусорном ведре.

Зачем необходимо оригинальное платье

Платье из подручных средств позволит вам продемонстрировать свою креативность, принять участие в конкурсе, выделиться на торжестве, а также обновить старые наряды, которые вышли из моды или уже надоели вам.

Тем более, это самый оригинальный способ приобрести пару платьев без особых финансовых затрат.

Из мужской рубашки

На пике популярности сейчас платья из мужской рубашки большого размера. Можно найти множество способов превратить рубашку в платье, но мы остановимся на двух основных.

Первый из способов – без шитья. Рубашку застегиваем на себе так, чтобы горловина оказалась выше груди, а воротник стал как кайма. Рукава обматываем вокруг талии и завязываем на бант. Необычное и стильное платье готово!

Подробнее читайте в статье про то, как сделать платье из мужской рубашки.

Второй вариант, как вы уже поняли, это преображение рубашки в платье с помощью шитья. Интернет переполнен самыми разнообразными способами переделки, так что вы без проблем сможете найти подходящий вам вариант и выглядеть экстраординарно и ярко.

Из футболки или майки

Еще одним популярным материалом является мужская футболка или майка. Здесь также множество замечательных и интересных моделей.

Если футболка большого размера, а вы худенькая девушка, то можно с помощью шитья превратить эту футболку в платье.

Из платка

Пляжное парео или большой платок с такой же легкостью превращается в платье.

Взяв два одинаковых платка, свяжите их за один угол. Допустим, это будет правое плечо. Перекидываем один платок вперед, второй – назад. Задний платок берем за боковые углы и связываем на правом боку, а боковые углы переднего – поверх и на левом боку. Добавляем тонкий ремешок на пояс и вы прекрасны!

Из одного платка также можно соорудить интересный наряд, завязывая его различными способами.

Из мужских галстуков

Даже до этого дошла мода, а с ней и дизайнеры. Галстуки, сшитые между собой и органично подобранные друг к другу, превращаются в непревзойденное и великолепное платье-мини. Если в запасе у вас много материала – можно создать платье максимальной длины.

Эксклюзивно и превосходно смотрится платье из галстуков двух расцветок, не просто сшитых между собой, но в некоторых местах образующих переплетения.

Из палатки

А почему бы и нет? Представьте платье с открытым и приталенным верхом, спереди молния, длинная юбка, а сзади простирается шлейф. Выполненное в нескольких цветах, это платье эффектно смотрится само по себе. А если убрать все, что указывает на предыдущее назначение и использование ткани, то мало кто догадается, что это платье было создано вами из подручных средств.

Креативщики пошли дальше и туризм совместили с модой, создав платья-палатки.

Бумажное

У каждого дома был ремонт, после которого оставались куски, а то и рулоны обоев и бумаги. Со временем они запылились на чердаке или антресолях. Пришла пора их достать и вдохнуть в них вторую жизнь, создав своими руками бумажное платье.

Приталенный верх создаем с помощью нескольких мотков бумаги вокруг торса. Сзади или сбоку приклеиваем бумагу скотчем. Таким способом можно также сделать прямую юбку, которую соединяем с лифом. Если такой вариант вам не по душе – можно взять старую юбку, к которой пристрочить колечки-конуса из бумаги и в несколько слоев. Получится объемная и пышная юбка. Таким способом можно пришить шлейф или дополнительные яруса.

Самое удивительное, что создаются целые ателье по созданию оригинальных нарядов.

Для создания бумажных нарядов можно взять: обои, газеты, журналы, салфетки, обертки от конфет, коробки, упаковки, картон, гофрированную бумагу и даже туалетную.

Но сшить платье из детской книги додумается не каждый.

Платья из бумаги можно носить несколько раз, если их аккуратно разрезать «по шву», который потом заклеится скотчем. Просто и практически бесплатно. А главное – красиво. Не зря говорят, что все гениальное в простоте.

Из глянцевого журнала

Абсолютно у всех дома валяются кипы ненужных глянцевых журналов, в которых одна-две статьи вам нравятся. Вырезаем или вырываем статьи и складываем в папочку, а журналы пускаем на платье. Ведь у вас еще не было платья из журналов?

Иголка с ниткой, степлер, ножницы, журналы, скотч и платье-основа – все, что вам понадобится.

Съедобные

Из конфет

Да-да, вы не расслышали. Если вы не сладкоежка, то попробуйте создать платье из конфет. Пестрота оберток поможет вам создать определенную цветовую гамму, а разные по форме конфеты помогут оформить разные элементы наряда.

Все, что вам нужно, купить конфет и вооружиться иголкой и ниткой. Нашейте на старое платье конфеты, располагая их так, как вам велит фантазия – и успех вам обеспечен. Вы будете королевой бала, главное, от сладкоежек держаться подальше.

Из шоколада

Из этого прекрасного десерта создают целые коллекции платьев, которые завершают шоколадные фестивали.

Из фруктов и овощей

Для вегетарианцев и ведущих здоровый образ жизни художница из Кореи создает платья из капусты, лука, зелени, кожуры бананов и других вкусных и полезных овощей.

Из выпечки

Модельеры показали, как можно рукава-буфы заменить на вкусных хлебные батоны. Обычным бубликам также нашлось место в экстравагантном модном мире. Их использовали в качестве украшения.

Из мяса

Съедобное, но не совсем вкусное платье из сырого мяса. Выглядит оно тоже не эстетично, но это не помешало Леди Гаге использовать его в своих эпатажных целях.

Из шариков

Для смелых экспериментаторов подойдет идея платья из воздушных шариков. Для создания подойдут как продолговатые шарики для моделирования, так и обычные шарики, которыми украшают интерьер.

Соединять их можно во всевозможные переплетения и узоры – все в ваших руках и зависит от вашей фантазии. Легкое платьице из шариков эффектно и незабываемо переливается и играет светом, подойдет для решительных девушек, которые не боятся оказаться в центре внимания.

Нежно навеет ностальгию по детству платье из шариков для детского манежа. Если громоздкий силуэт немного беспокоит, то можно их заменить шарики от дезодорантов или на теннисные, предварительно разукрасив.

Из посуды

Накопившимся вилкам и ложкам, как и венчикам, также можно найти применение не по назначению. Платье из пластика более доступно и нежно смотрится, а из нержавейки придаст нужной остроты образу.

Не нужно считать, что битая посуда — это к несчастью. К счастью — в виде нового платья. Вот так с помощью фарфоровых осколок можно создать шедевр.

Из мусорного пакета

Превосходные и изумительные платья можно создать из мусорных пакетов. Надутые пакеты создадут пышный наряд принцессы. А пакеты, порезанные в бахрому, а затем пришитые пышными воланами помогут создать образ амазонки-воительницы.

Эффектно смотрятся платья-футляры из черных пакетов. Такой образ прекрасно подойдет для празднования Halloween.

Стоит также обратить внимание на прочий бытовой пластик. Из донышек от бутылок получается великолепное платье. А из одноразовой посуды – комбинированный наряд принцессы из сказки.

Из сумок

Клетчатые или по простонародному базарные сумки служат не худшим материалом для создания необычных нарядов. К тому же клетка всегда в моде.

Из дисков

На старую однотонную футболку, майку или платье можно нашить диски или кусочки дисков – наряд для похода в клуб или на дискотеку.

Платье из дисков смотрится интересно и необычно, а благодаря светоотражающим свойствам, еще и эффектно.

Из молний

Удивительно и экстравагантно смотрится платье из молний, представленное одним молодым дизайнером. А что ж мы, не дизайнеры разве? Сшиваем молнии между собой по выкройке и без вытачек. Размер подгоняем под себя.

Можно создать комбинированное платье, где лиф или юбка выполнены из молний, а второй элемент взят от другого наряда. Получится очень стильно и интересно.

Из скотча

Удивительно, но разноцветная клейкая лента помогает создать неординарные, кислотные платья для вечеринки.

Осеннее из листьев

Осенью очень сподручным и бюджетным вариантом станет платье из листьев. Для того чтобы его создать нужны чистые целые листья, которые за хвостик пришиваем по такому же принципу, как и диски. Смотрится восхитительно и свежо. Но все же есть пара существенных минусов, на которые стоит обратить внимание.

1. Платье из листьев нужно создавать непосредственно перед мероприятием, на которое вы собираетесь его надеть. Листья пересыхают очень быстро, и может получиться не совсем то, что вы хотели бы.
2. Также листья – очень хрупкий материал. Хвостики отламываются, и листья опадают, создавая пробелы в канве наряда. Поэтому наряд стоит носить с осторожностью.

Из цветов и растений

Любовь к цветам никогда не угаснет. Они — прекрасное средство для проявления чувств, декора дома и в последнее время материал для платья.

Наряды из живых цветов остаются актуальными не только для различных фестивалей, а и для концертов.

Из прочих материалов

Материалов подручных настолько много, что уместить их в одной статье сложно.

Платья создают из перьев павлинов, но никто не запрещает экспериментировать с оперением пернатых.

Высушенная трава и солома так же сгодится для сплетения бального вечернего платья.

Одним словом, некоторые перечисленные выше материалы, а также перчатки, старые зонты, не нужные игрушечные мишки, крышки от пива, пивные банки, лампочки, волосы — не выбрасывайте. А вдруг когда-то пригодится.

А если у вас закончится фантазия, то воспользуйтесь рекламой производителей разных товаров.

Надеемся статья вам пригодится и станет полезной. Помните, что все в ваших руках – главное, запастись терпением и вооружиться фантазией, а остальное приложится. Удачи вам в ваших начинаниях.

Avangardspb — только самые лучшие салфетки

Наши заводы оснащены высококачественным европейским оборудованием, современными технологиями управления производством и отлаженной системой контроля качества. Ежегодно мы выпускаем до 36 тысяч тонн материала спанлейс разной структуры и плотности и 260 миллионов упаковок влажных салфеток.

Производство работает по межгосударственному стандарту ISO 9001-2011.

Производство влажных салфеток

Производственные здания, используемые для выпуска влажных салфеток спроектированы в соответствии с принципами «чистой зоны».

При проектировании и строительстве применялись решения, используемые в фармацевтике и микроэлектронике. А именно, технология «цех в цехе», при которой система подготовки воздуха, создающая избыточное давление очищенного воздуха внутри рабочей зоны, предотвращает попадание извне микроорганизмов и механических частиц. Внутренние цеха герметичны, в них поддерживаются специальные условия по составу, температуре и влажности воздуха. Эти условия обеспечиваются специальной системой вентилирования и фильтрации воздуха, а также увлажнителями.

Доступ сотрудников в цех осуществляется через систему тамбуров, которые по принципу действия напоминают шлюз. В первом тамбуре рабочие снимают верхнюю повседневную одежду и обувь, во втором — переодеваются в белые халаты, надевают специальные шапочки и маски, обрабатывают руки антисептиком. Допуск к работе осуществляется после визуального осмотра и контроля руководителем смены.

Производство оборудовано высококачественными европейскими производственными линиями, которые обеспечивают:

• автоматическую подготовку пропитывающих растворов в точном соответствии с рецептурой
• обработку нетканого материала ультрафиолетом
• автоматическую дозировку раствора
• безошибочную фасовку изделий
• 100% гарантию герметичной запайки швов на упаковке салфеток
• вода, используемая в процессе производства, проходит три ступени очистки

Настройка и проверка точности работы линий производится регулярно. Технологический процесс разбит на ряд простых операций, легко поддающихся визуальному и техническому контролю. Процедуры контроля четко регламентированы и составляют систему управления качеством «Just for You» («Именно для Вас»).

Постоянное изучение потребностей рынка, разработка новых продуктов и технологий, система контроля качества, механизм оперативного реагирования на изменение заказов клиентов, а также профессиональное обучение персонала всех уровней – от простого рабочего до директора по продажам – составляют систему управления производством «Just for You» . Эта система обеспечивает максимальную удовлетворенность партнеров компании «Авангард», а конечному потребителю гарантирует современную и качественную продукцию, отвечающую самым взыскательным запросам.

Производство спанлейс

Нетканый материал типа спанлейс представляет собой ткань, состоящую их натуральных и искусственных волокон, с повышенными характеристиками мягкости, впитываемости, гигиеничности и удобства в использовании.

Особенность данного материала заключается в его изготовлении– высококачественный гидроструйный способ скрепления волокон. Под воздействием струй воды из подготовительного холста вымываются лишние частицы волокон, непригодных к использованию; далее холст проходит стадию термической обработки и сушки в специальной камере посредством высоких температур, что обеспечивает дополнительную гигиеничность и чистоту получаемого материала. Данный технологический способ получения нетканого материала позволяет использовать его в области медицины, фармацевтики, косметологии и общей гигиены человека.

Перечень производимой из спанлейса продукции достаточно велик: это и гигиенические прокладки, памперсы, перевязочные медицинские материалы, хирургические халаты, одноразовые постельные принадлежности, используемые в стационарных условиях больниц, продукция для салонной и парикмахерской деятельности. Однако самое большое использование данного материала приходится на производство влажных салфеток..

Высококачественный нетканый материал спанлейс производится на европейском оборудовании по современным технологиям. Мы производим спанлейс любого формата в пределах от 0,06 до 3,4 м, плотностью от 29 до 80 г/кв.м, практически с любым вариантом намотки и возможностью выбора из девяти видов структур. Четыре производственные линии выпускают до 2,5 тысяч тонн материала в месяц.

Наличие отечественного производителя нетканого материала позволяет осваивать и расширять область его применения в медицине и косметологии отечественными компаниями, на базе российского сырья, с учетом потребностей российского рынка.

Продукция в одноразовой упаковке

С 2015 года мы производим продукцию в одноразовой упаковке.

Она представлена в трех видах:

· Косметические влажные салфетки

· Спиртовые влажные салфетки

· Саше

Свернуть

Русский авангард • Arzamas

Как Малевич, Кандинский, Родченко, Татлин, Ларионов и «бубновые валеты» создали радикально новое искусство XX века

Автор Галина Ельшевская

В марте 1915 года коллекционер Сергей Щукин, по слухам, купил с выставки «Трамвай В» работу Владимира Татлина, сколоченную из деревянных плашек. Некоторые исследователи сомневаются в факте покупки, но Щукин ее не опро­вергал, несмотря на широкую огласку события. Публика удивлялась и него­довала, в газете было напечатано ехидное письмо по поводу приобретения за большие деньги — цитата — «трех старых, грязных досочек». Но это озна­чало, что собиратель с безошибочным нюхом что-то почувствовал в том новом искусстве, которое в сферу его интересов вовсе не входило. 

Термин «авангард» для нас совершенно привычен, но в 1910-е годы он не был в ходу. Тогда чаще употреблялись слова, которые подчеркивали либо оппози­ционность искусства — «левые художники», либо новизну искусства, его вре­менной вектор — «будущники», «будетляне», «футуристы». Слово «футуристы» было главным, потому что оно интернациональное: были, например, и италь­янские футуристы, их лидер Маринетти приезжал в Россию. А после револю­ции термин «футуризм» стал распространяться на всех левых художников, и, например, критик Абрам Эфрос писал: «Футуризм стал официальным искус­ством новой России», имея в виду весь авангард.

Филиппо Томмазо Маринетти. 1909 год Wikimedia Commons

Примерно понятно, когда авангард появляется и заявляет о себе — в 1910-е; известны и его главные имена. Но довольно трудно это понятное в нескольких словах сформулировать. Вот, например, в авангардной живописи множество беспредметных версий, от экспрессивной абстракции Кандинского до супрема­тизма Малевича. Но целиком он никак не сводится к абстракции. Скажем, Ларионов, Гончарова, Филонов, и не только они, почти или совсем не отступа­ли от изображения предметного мира. А что касается художественной услов­ности, то ее мера не поддается простым подсчетам — так, чтоб сказать, что вот с этого места уже авангард, а раньше еще нет. Авангард — это разнообразие языков и концепций: и индивидуальных, и коллективных. Чья-то индивиду­альная стилистика очень часто становится групповой, у крупных фигур есть адепты, ученики. И всё вместе это среда. И как раз через среду, через принятые в ней нормы поведения авангард можно попробовать охарактеризовать.

1 / 2

Наталья Гончарова. Попугаи. 1910 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 2

Павел Филонов. Мужчина и женщина. 1912–1913 годыWikimedia Commons, Государственный Русский музей

Это совершенно новый тип поведения — вызывающий, нарочито грубый. Своего рода поэтика хамства, «маяковская» интонация — оскаленное «вам» и «нате». Конечно, в первую очередь принято эпатировать буржуа, чей вкус, чье отношение к искусству и вообще жизненные принципы заслуживают лишь пощечин. Скажем, в кафе «Бродячая собака» посетителей с деньгами, за счет которых заведение существует, пренебрежительно именуют «фармацевтами» и всячески третируют. Но не церемонятся и со «своими». Глава итальянских футуристов Маринетти говорил, что художнику необходим враг — манифесты итальянского футуризма и выдержаны в терминах войны. Историю русского авангарда тоже можно представить как историю ссор и взаимных подозрений. Владимир Татлин даже днем плотно занавешивает окна своей мастерской, потому что ему кажется, что Малевич подглядывает и крадет идеи. Паранойя, конечно, но характерная. Ольга Розанова обвиняет Малевича в плагиате; она пишет: «Весь супрематизм — это целиком мои наклейки, сочетание плоско­стей, линий, дисков (особенно дисков) и абсолютно без присоединения реаль­ных предметов, и после этого вся эта сволочь скрывает мое имя». Михаил Ларионов придумывает название «Бубновый валет», но в объединении с этим именем уже не будет ни его, ни его жены Гончаровой: случилась, как писали в газетах, «ссора хвостов с валетами». В начале 20-х годов Кандинский иници­ирует создание Инхука — московского Института художественной культуры, и совсем вскоре группа конструктивистов во главе с Александром Родченко оттуда его изгоняет. То же самое было в Витебске: Марк Шагал приглашает туда Эль Лисицкого, тот приглашает Малевича, после чего Шагалу приходится Витебск покинуть. Прежде ситуация конфликта никогда не выглядела столь тотальной. 

Преподаватели Витебского народного художественного училища. 26 июля 1919 годаСидят (слева направо): Эль Лисицкий, Вера Ермолаева, Марк Шагал, Давид Якерсон, Юдель Пэн, Нина Коган, Александр Ромм; стоит делопроизводительница училища.Wikimedia Commons

Но прежде и история искусства не протекала с такой скоростью. Течения в ней как-то плавно сменяли друг друга, и если даже не плавно, то с понятной траек­торией, — а теперь она помчалась галопом. Что-то только что казавшееся новым резко объявляется отсталым: ведь авангарду, чтобы быть, нужен арьер­гард. Как писал Маяковский, «наш бог бег». Движение происходит в режиме постоянных открытий, и поэтому важно заявить свое первенство — «это мое, это я придумал», — чтобы инновацию не присвоили конкуренты. Заявить манифестным образом. 

Авангард — время манифестов и деклараций. Художники пишут их, пытаясь объяснить свое искусство и обосновать свое главенство и в конечном счете свою власть. Слово — бойцовское орудие, иногда булава, иногда кувалда. Но при этом редкий художник умеет писать ясно. Часто это, если воспользо­ваться выражением Хлебникова, «самовитое слово»: шаманское, доходящее порой до полной глоссолалии  Глоссолалия — речь, состоящая из бессмыс-ленных звукосочетаний; часто о глоссолалии говорят в связи с религиозным экстазом.. А раз тексты манифестов загадочны, как заклинания, то смысл их во многом зависит от интерпретации тех, кто их читает. 

Это тоже увязывается с общим состоянием дел в мире: ведь вся жизнь теряет определенность, устойчивость, разумность. В ней уже не работают законы классической механики, где действие равно противодействию. Теперь парал­лельные прямые непонятным образом сходятся. От человека теперь можно ждать всего, поскольку скрытое в его душевных безднах бессознательное спо­собно заглушить голос сознания. Вышедшие в начале XX века книги Зигмунда Фрейда «Толкование сновидений» и «Психопатология обыденной жизни» даже в безоблачном детстве заставили прозревать подавленный сексуальный кошмар, и Первая мировая война, подтверждая это новое знание о человеке, окончательно обесценила ключевые понятия традиционного гума­низма. В 1915 году Альберт Эйнштейн публикует свою общую теорию относи­тельности, с которой начинается эра тотального релятивизма; теперь ничто уже не является окончательно достоверным и безусловно истинным. И худож­ник уже даже не говорит «я так вижу» — он обретает право сказать «я так хочу». 

Сама живопись, которая прежде удовлетворялась традиционным понятием о картине как окне в мир, теперь ограничиться им не может. Потому что в этом окне ничего стабильного уже не обнаруживается — там пустоты, провалы и черные дыры, текучий мир непонятных энергий. Вещи сорвались с мест, распались на части, и есть соблазн собрать их заново совершенно иначе. Новое искусство пытается освоить этот мир непосредственно, нарушив понятие гра­ницы. Поверхность картины вспучивается, на ней появляются коллажные наклейки, в живопись вторгаются реальные предметы — собственно, жизнь и вторгается. Потом это назовут словом «ассамбляж», а пока что называют «живописной скульптурой». И у таких попыток соединить искусство с реально­стью — большое будущее, они пройдут через весь XX век. Одна из самых ради­кальных — реди-мейды, готовые предметы, выставленные в качестве произве­дений, вроде писсуара «Фонтан» Марселя Дюшана. Но на русской почве такого не случится. Возможно, потому, что планетарные амбиции как раз такому шагу препятствуют. В отечественном авангарде силен метафизический привкус — и он не про вещи. 

Несмотря на многообразие концепций, в авангарде можно выделить два глав­ных вектора, которые не столько отрицают, сколько дополняют друг друга. Например, вектор Малевича — мироустроительный: речь идет уже не о пре­образовании искусства, но о преобразовании мира через форму и цвет. Мале­вич — безусловный харизматик и великий стратег, он подходит к своей дея­тельности как человек демиургической воли — с намерением изменить все. А рядом существуют разные формы органического авангарда — ненасильствен­ного, призывающего не менять природу, а прислушаться к ней: у Матюшина, Филонова, отчасти у Татлина. Татлин, считающийся родоначальником русско­го конструктивизма, вслушивается в голос материала, дорожит им. Его контр­рельефы — объемные композиции из деревянных, металлических и даже сте­клянных частей, прикрепленных к доске, — крайне радикальны в расставании с традиционной картинной плоскостью, и одновременно они обладают и каче­ством почти даосско-буддистского смирения перед природной данностью де­рева или железа. Существует легенда о том, как Татлин выбил стул, на котором сидел Малевич, предложив ему посидеть на абстрактных категориях формы и цвета. 

Владимир Татлин. Угловой контррельеф. 1915 годState Russian Museum / Bridgeman Images / Fotodom

Первые авангардные открытия были сделаны не в России, а на Западе. Напри­мер, французский фовизм Анри Матисса, Андре Дерена и других и ранний ку­бизм Пикассо и Брака выходят на арену почти одновременно — в 1905–1906 го­дах; тогда же оформилось первое объединение немецких экспрессионистов — группа «Мост». Фовистский период потом будет у Ларионова с Гончаровой и у Малевича, хотя в целом фовизм на русском искусстве сказался не очень сильно. Кубизм, наоборот, повлиял очень значительно — и на многих, но соединился с влиянием итальянского футуризма, который сформировался к 1909 году — тогда был опубликован первый футуристический манифест Маринетти. Кубофутуризм — русское слово и русское явление. А экспрессио­низм, чью стилистику можно иногда заметить у Ларионова и Давида Бурлюка, важен для России, потому что в его становлении существенную роль сыграл Василий Кандинский, художник настолько же русский, насколько и немецкий. Именно он в 1911 году вместе с Францем Марком организовал в Мюнхене экс­прессионистскую группу «Синий всадник». 

Казимир Малевич. Женщина с ведрами. 1912 годWikimedia Commons, MoMA

О Кандинском стоит сказать отдельно. Он — пионер беспредметности: первой абстрактной картиной считается его «Картина с кругом» 1911 года. Свои аб­стракции он делит на импрессии, импровизации и композиции; первые вдох­новлены впечатлениями от реальности, во вторых выплескивается бессозна­тельное, а композиции — это вещи продуманные, срежиссированные. В дея­тельности Кандинского сильна символистская подоснова — и в картинах, и в трактате «О духовном в искусстве», где он пытается описать воздействие тех или иных цветов на сознание. «Цвет, — пишет он, — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу». Примерно в том же направлении исследовал природу цвета Михаил Матюшин. 

1 / 3

Василий Кандинский. Арабы (Кладбище). 1909 годWikimedia Commons / Hamburger Kunsthalle

2 / 3

Василий Кандинский. Спальня на Антмиллерштрассе. 1909 годWikimedia Commons / Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau

3 / 3

Василий Кандинский. Дома в Мюнхене. 1908 годWikimedia Commons / Von der Heydt-Museum

С Матюшина, по сути, начинается русский авангард. Именно он организовал петербургский «Союз молодежи», зарегистрированный в феврале 1910 года (знаменитая выставка «Бубновый валет» откроется только в декабре того же года). Матюшин много старше всех своих товарищей, но он и его рано умершая жена Елена Гуро — важные фигуры в этом движении. Матюшина считают ско­рее теоретиком и организатором, чем практиком, поэтому он остается в сторо­не от ревнивых разборок по поводу главенства. С ним, например, дружен Мале­вич, и мистические обертоны матюшинских поисков принимаются им вполне сочувственно. А мистики там много: органическая концепция Матюшина свя­зана с верой в то, что искусство может стать способом выхода в четвертое измерение. Для этого требуется приобрести навыки расширенного смотре­ния — научиться видеть не только глазами, но всем телом. Так, его ученики пишут, например, пруд под Сестрорецком — расположившись к нему спинами: такая реализация метафоры про «глаза на затылке». Матюшин исследует при­роду зрения одновременно как символист и как биолог-систематик. Итогом этих исследований станет «Справочник по цвету», который выйдет в 1932 го­ду — в совсем уже неподходящее для этого время. 

1 / 2

Михаил Матюшин. Портрет Елены Гуро. 1910 годavangardism.ru

2 / 2

Михаил Матюшин. Стог. Лахта. 1921 годWikimedia Commons / Государственный Русский музей

Матюшин явился инициатором еще одного важного авангардистского предприятия — постановки оперы «Победа над Солнцем», осуществленной в 1913 году. Сам он, музыкант по основному образованию, написал музыку, поэт-футурист Алексей Кручёных — либретто на заумном языке, а Малевич сделал декорации, где впервые появился мотив черного квадрата. По сюжету будетляне завоевывают Солнце — и как раз черным квадратом оно и оказы­вается побеждено. Позднее, в 1920 году, оперу попытается поставить в Витеб­ске последователь Малевича Эль Лисицкий. В его постановке главный сюжет оперы о победе машинного над природным будет подан совсем прямо: вместо актеров там будут действовать механизмы — так называемые фигурины, при­водимые в движение электричеством. 

1 / 2

Казимир Малевич. Эскиз декорации к опере «Победа над Солнцем» Михаила Матюшина и Алексея Кручёных. 1913 годСанкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства

2 / 2

Обложка программки оперы «Победа над Солнцем». Художники Казимир Малевич и Давид Бурлюк. 1913 годWikimedia Commons

Как уже говорилось, «Союз молодежи», организованный Матюшиным, — пер­вое авангардное объединение, пусть и с подвижным составом. Но в это время конкретные выставки важнее объединений: выставка — это эффективный манифест, который видят и о котором говорят. Первая такая выставка — «Буб­новый валет» 1910 года. Название, придуманное Михаилом Ларионовым, отсы­лало к целому набору низовых ассоциаций: и к карточному шулерству, и к уго­ловной эмблематике. «Валетов» — Илью Машкова, Аристарха Лентулова, Петра Кончаловского и других — это вполне устраивало: они и хотели шокировать публику. 

Абсолютно шокирующей и провокативной была представленная на выставке огромная картина Машкова, где он изобразил себя и своего друга Кончалов­ского в виде полуголых борцов или гиревиков-атлетов. Но этим атлетам не чуждо прекрасное: на картине есть скрипка, рояль, ноты, — вот таков теперь образ художника, в нем есть всё. Лубочные картинки на стене — важный знак бубнововалетской ориентации на городской фольклор и народную эстетику: на вывески, расписные подносы, ярмарочные тантамарески. А альбом Сезанна на полке — еще один знак: «валеты» поклоняются Сезанну. При этом сезан­низм понимается ими как упрощенная геометризация мира — и через уже известный опыт французского кубизма. Вообще упрощение формы — это хорошо, правильно: не погрязать в мелочах, а увидеть вещи в целом и свежо, как впервые. Это захватывает, в этом есть игра. 

Илья Машков. Автопортрет и портрет Петра Кончаловского. 1910 год Wikimedia Commons / Государственный Русский музей

Игра — тоже важное слово для этой коллективной программы. Атмосфера весе­лого балагана — и художники упоенно примеряют карнавальные личины. Машков пишет автопортрет в роли заводчика в роскошной шубе на фоне паро­хода, художник Георгий Якулов на портрете работы Кончаловского оказыва­ется восточным человеком, а Лентулов пишет себя в роли краснолицего яр­марочного зазывалы. Тот же Лентулов пишет кубофутуристическую Москву: соборы срываются с места и буквально пускаются в пляс. Лентулов первым начинает использовать коллаж: клеит на холсты серебряную и цветную фольгу, фантики, даже кору; включает в изображение надписи — как рисованные, так и в виде обрывков плакатов и газет. То есть сама картина уже выходит за свои пределы — то в рельеф, то в беспредметность.

1 / 3

Петр Кончаловский. Портрет Жоржа Якулова. 1910 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

2 / 3

Аристарх Лентулов. Автопортрет «Le Grand Peintre». 1915 годГосударственная Третьяковская галерея

3 / 3

Аристарх Лентулов. Василий Блаженный. 1913 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

Бубнововалетский эпатаж спорит с искусством прошлого, которое им кажется не искусством, а литературой или философией. А для них искусство должно быть самим собой, игрой и радостью от потека краски. Оно теперь ни к чему за своими границами не отсылает, и кроме него, кажется, ничего на свете нет. Это отношение останется в русском авангарде. 

Если «валеты» продолжают работать в своем стиле и после первого выступле­ния, то Михаил Ларионов, давший им имя, наоборот, стилистику меняет от выставки к выставке.

Следующая выставка после «валетов» — «Ослиный хвост» 1912 года; название отсылает к недавнему скандалу в Париже, когда группа эпатажных художников выставила картину, якобы написанную хвостом осла. На своей выставке Ларио­нов представил программу неопримитивизма. Неопримитивизм — это систе­ма, обращенная к архаике, к искусству древнему и безличному. Собственно, художники уже к таким пластам обращались: например, Павел Кузнецов, один из главных людей в объединении «Голубая роза», в 1910-х писал свою «Киргиз­скую сюиту» — жизнь степняков, не потревоженную цивилизацией и не ме­няющуюся из века в век. Но там эта неизменность поэтизировалась, а у Ларио­нова и у других художников, переживающих свой примитивистский период, она увидена как нечто хтоническое и, пожалуй, жутковатое. И на «Ослином хвосте» выставляются вещи из солдатского и турецкого циклов самого Ларио­нова, серия «Евангелисты» Гончаровой, которая была снята цензурой, ее же «крестьянские» работы, живопись из крестьянского цикла Малевича и многое другое. А на следующей выставке, «Мишень», Ларионов представит картины на клеенке только что открытого Нико Пиросмани. 

1 / 5

Михаил Ларионов. Солдаты. 1909 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»

2 / 5

Казимир Малевич. Сбор урожая. 1911 годWikimedia Commons / Stedelijk Museum

3 / 5

Наталья Гончарова. Крестьяне, собирающие яблоки. 1911 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

4 / 5

Наталья Гончарова. Евангелисты. 1911 годФотография Михаила Кулешова / РИА «Новости»; Государственный Русский музей

5 / 5

Павел Кузнецов. Спящая в кошаре. 1911 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

Выставку «Мишень» 1913 года сопровождает манифест «Лучисты и будущ­ники». Лучизм — это ларионовская версия беспредметного искусства — и пер­вая для России, поскольку Кандинский свою беспредметность придумал в Германии. И здесь неожиданно Ларионов оказывается близок Матюшину в мистико-биологических рассуждениях о природе зрения. Человек глядит на предмет, и от предмета в его глаз идут некие лучи; вот эти лучи, а не сам предмет следует писать. При этом предметом может оказаться чужая карти­на — и отсюда следует еще один тезис манифеста: всёчество. Все стили искус­ства годятся для современного художника, все могут быть им присвоены и переформатированы. Художник обязан меняться, потому что сам мир меня­ется с огромной скоростью — и надо откликаться на эти изменения. На выстав­ке «Мишень» представлено все сразу — и лучистские абстракции, в которых еще слегка угадывается предметный мотив (например, птичьи головы в карти­не «Петух и курица»), и примитивистские работы — и среди них самая ради­кальная в этой стилистике серия «Времена года», вдохновленная одновременно лубком и детским рисунком. Следуя концепции всёчества, Ларионов не только совмещает примитивистские работы с лучистскими, но еще и оказывается изобретателем новых практик. Например, футуристического грима, а также футуристической кухни и футуристической моды. Правда, из всего этого воплощение получил только грим — абстрактная раскраска лиц, вдохновленная лучизмом. 

1 / 2

Михаил Ларионов. Петух. 1912 годФотография Павла Балабанова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Михаил Ларионов. Лучистый пейзаж. 1913 годGetty Images / Государственный Русский музей

Путь Малевича к супрематизму — это довольно интенсивное чередование эта­пов. Малевич начинает с импрессионизма — как тот же Ларионов и отчасти Кандинский; затем обращается к неопримитивизму, а вслед за ним начинается кубофутуризм и алогизм. На алогичной картине «Англичанин в Москве» зеле­ного гостя столицы в цилиндре окружают сабля, свечка, селедка, лестница, а также фразы «частичное затмение» и «скаковое общество». Это поэтика абсурда, живописная заумь, коллажное совмещение в картине несовместимых предметов и текстов. Малевич избавляется от причинно-следственного поряд­ка — и это делает его алогичные картины пусть неполным, но все же аналогом того, что будет в западном искусстве, но не в российском, —  дадаизма.

Казимир Малевич. Англичанин в Москве. 1914 год Wikimedia Commons / Stedelijk Museum  

Для Малевича алогизмы только этап перед финальной фазой — супрематиз­мом. Стиль сложился в 1915 году и был представлен в декабре на выставке «0,10». В названии выставки ноль — это конец искусства, объявленный супрематизмом «нуль форм», символом которого стал «Черный квадрат», а десять — количество предполагаемых участников, на самом деле их было больше. 

Супрематизм — это геометрическая абстракция; геометрия для Малевича — это метафора тотальности. Весь мир сведен к геометрическим знакам — и больше в нем ничего нет. В 1919-м Малевич устраивает свою персональную выставку — итоговую: от самых ранних вещей, еще импрессионистических, до последних — супрематических, а несохранившиеся работы пишет заново. И завершает вы­ставку рядом пустых холстов на подрамниках. То есть живопись завершена. Супрематизм есть ее высшая точка, которая отменяет все дальнейшее.

1 / 2

Секция супрематических работ Казимира Малевича на выставке «0,10». 1915 годWikimedia Commons

2 / 2

Рекламный плакат выставки «0,10». 1915 годWikimedia Commons / Частная коллекция

Тем не менее супрематизм с самого начала предлагается к освоению и действи­тельно осваивается другими художниками — в отличие, например, от экспрес­сивных абстракций Кандинского, которые не станут объектом ничьих дальней­ших рефлексий. В 1920 году в Витебске Малевич создает общество Уновис, где все адепты пишут так же, как их гуру, и на их выставках под супрематическими картинами нет имен — предполагается, что это творчество анонимное и кол­лективное. Нет места индивидуальному художественному волеизъявлению, есть только утверждение системы, которая претендует на всеобщность, на то, чтобы быть окончательным переучетом всего в мире и последним словом о нем. Потому что «Супремус» — это «высший». Это последнее слово и, можно сказать, высшая мера. 

При этом этот универсальный язык годится для проектов будущего. И Мале­вич, и его ученики — Чашник, Суетин, Хидекель — придумывают архитектуру, основанную на супрематических формах. Они делают из гипса архитектоны и чертят планиты — модели жилищ для землянитов, людей грядущего космоса. Архитектоны беспредметны, лишены оконных и дверных проемов, их внутрен­нее пространство не проработано вовсе; Малевича интересовала не функция, а чистая форма — утопический модуль нового ордерного строя. И его посуда, созданная в начале двадцатых, в пору сотрудничества с Ломоносовским фар­форовым заводом, тоже не располагает к тому, чтобы ею пользовались, — из супрематического чайника трудно налить чай, а из получашки неудобно пить. Это манифестация формы, и форма самодостаточна. 

1 / 3

Казимир Малевич. Макет архитектонов. 1920-е годыPedro Menéndez / CC BY-NC-ND 2.0

2 / 3

Николай Суетин, Казимир Малевич, Илья Чашник. Петроград. 1923 годWikimedia Commons

3 / 3

Казимир Малевич. Супрематический чайный сервиз. Разработан в 1918 годуMuseum of Fine Arts, Houston / Bridgeman Images / Fotodom

Вообще, идея производственного, промышленного искусства в 20-е годы сделается оправданием авангардного формотворчества — и о ней мы вскоре поговорим. Но как раз у главных художников дореволюционного авангарда с ней все обстояло довольно сложно. Даже у тех, кто искренне был готов целиком уйти в изготовление функциональных вещей «для жизни». Скажем, у Татлина. С посудой и так называемой нормаль-одеждой все было нормально, а вот «великие проекты» оставались утопией. Невероятный махолет «Летат­лин» — не летал. Башня — памятник Третьего интернационала — так и не была построена; да и трудно было предположить, что этот грандиозный замысел многоэтажной вращающейся конструкции мог воплотиться. Татлин не любил слово «конструктивизм», он вообще старался держаться подальше от любых «измов», но его считали отцом этого движения, потому что он первым стал не изображать предметы, а делать их. На фотографии Георга Гросса и Джона Хартфилда два немецких авангардиста держат плакат с надписью «Искусство умерло — да здравствует машинное искусство Татлина». Но на самом деле идеи «правильного» машинного конструктивизма декларировали и практически осуществляли другие люди. Например, Александр Родченко. 

1 / 2

Владимир Татлин (справа) у памятника III Коммунистического интернационала. 1919 годGetty Images

2 / 2

Владимир Татлин. «Летатлин» — безмоторный индивидуальный летательный аппарат. 1929–1932 годыФотография Виталия Карпова / РИА «Новости»; Центральный музей Военно-воздушных сил Российской Федерации

Родченко — из самых продуктивных авангардистов второго поколения и из са­мых последовательных «производственников». Расцвет его деятельности при­ходится на послереволюционные годы. И сначала он как бы хочет сделать сле­дующий шаг на поле, освоенном старшими, — шаг в сторону большего лако­низма и, значит, большей радикальности. Скажем, у Малевича — геометриче­ские формы, плотные, а у Родченко — легкие линии (это у него называется линиизм, по поводу возможностей линии им даже манифест написан). У Тат­лина контррельеф связан со стеной, а у Родченко мобили свободно висят в воз­духе. Ничем метафизическим его опыты не отягощены, поэтому всему найден­ному легко будет чуть позже стать азбукой дизайна разных утилитарных ве­щей. Родченко с равным успехом будет работать в книжной графике, плакате и сценографии, оформлять интерьеры, делать мебель, заниматься фотогра­фией — и здесь его фотомонтажи и особенно приемы ракурсной съемки сде­лаются визуальным знаком времени. И не случайно именно он окажется ини­циатором изгнания Кандинского из Инхука: это было столкновение нового ма­териалистического подхода к искусству со старым, отвлеченным.

Реконструкция композиции Александра Родченко «Рабочий клуб» в Третьяковской галерее © Фотография Алексея Куденко / РИА «Новости»

Московский Инхук, как и ленинградский Гинхук, институты художественной культуры, были призваны выработать универсальные методы обращения с формами. В послереволюционные годы было принято искать универсальное, и вообще после революции авангардные художники активно участвовали в ра­боте просветительских учреждений, которых стало много. Внедряли свою веру, так сказать. Вера Кандинского — это синтез искусств с опорой на биологию, на телесность, на синестезию. Три искусства, по его плану, должны этот синтез обеспечить — живопись, музыка и танец; это и предложено к изучению. А для молодых художников во главе с Родченко все это как раз лишнее, не со­ответствующее историческому моменту. Какой танец, когда не налажено производство необходимого — вот в чем должна состоять задача художника. Естественно, группа Родченко побеждает в этом споре. Но эта победа — нена­долго: совсем скоро необходимое будет производиться совсем не в конструкти­вистском духе. О том, кто победит конструктивистов, пойдет речь в следую­щей лекции.

Что еще почитать про русский авангард:

Бобринская Е. Русский авангард: границы искусства. М., 2006.
Тильберг М. Цветная вселенная: Михаил Матюшин об искусстве и зрении. М., 2008.

Авангард и остальное: сборник статей к 75-летию Александра Ефимовича Парниса. М., 2013.

Русский футуризм. Теория. Практика. Критика. Воспоминания. М., 1999.

Энциклопедия русского авангарда. В 4 т. М., 2013–2014.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

shell

Каждая из данных спецификаций содержит набор испытательных стендовых и лабораторных методов. Основная цель всех тестирований моторных масел, на которых базируются требования автопроизводителей – оценить характеристики моторных масел в реальных эксплуатационных условиях (защита от износа, склонность к образованию высокотемпературных и низкотемпературных отложений, антиокислительная стабильность, совместимость с каталитическими нейтрализаторами и сажевыми фильтрами, экономия топлива и т.п.), учитывая конструкционные особенности автомобиля и тип эксплуатации.

Классификация API (American Petroleum Institute)

Наиболее известная классификация моторных масел по уровню эксплуатационных свойств, используемая в международном масштабе. Категория S (Service) – моторные масла для бензиновых двигателей легковых автомобилей. Для каждого нового поколения масла присваивается дополнительная буква по алфавиту: API SA, SB, SC, SD, SE, SF, SG, SH, SJ, SL, SM, SN

В каждой из этих категорий классы эксплуатационных свойств масел обозначают первыми буквами латинского алфавита. Чем дальше по алфавиту находится класс масел, тем для более современных двигателей она разработана. Более новый класс заменяет предыдущий (например, API SN можно использовать в тех автомобилях, где рекомендуются моторные масла класса API SL). Введение в классификацию API каждого нового класса было обусловлено существенным ужесточением или изменением требований к эксплуатационным свойствам масел нового поколения.

Классификация ACEA (Association des Constructeurs Europeens de L-Atomobile)

Ассоциация Европейских производителей Автомобилей ACEA (Association des Constructeurs Europeens de L-Atomobile), представляет интересы европейских производителей легковых и грузовых автомобилей и автобусов на уровне ЕС. ACEA предъявляет к маслам более высокие требования по сравнению с классификацией API.

A — моторные масла для бензиновых двигателей легковых автомобилей;
B — моторные масла для дизельных двигателей легковых автомобилей;
С — моторные масла для бензиновых и дизельных двигателей легковых автомобилей, оснащенных сажевыми фильтрами и каталитическими нейтрализаторами (Евро-4 и выше)

Напольные покрытия

При строительстве или ремонте очень важным является это напольные покрытия, цены на которые во многом зависят от качества материала. Напольные покрытия играют большую эстетическую роль в дизайне помещения. На сегодняшний день, рынок отделочных материалов насыщен множеством вариантов напольных покрытий и по этому можно без труда найти напольное покрытие, согласно своим требованиям и материальным возможностям. Предлагаемые производителями ассортимент включает в себя такие виды покрытий как: ковролин, ламинат, паркетная и массивная доска, бытовой и коммерческий линолеум, пробковые и тёплые полы и новинка на рынке наполльных покрытий — натуральный линолеум Armstrong (Армстронг).

Виды напольных покрытий

Каждый из видов обладает рядом своих преимуществ и недостатков. Например в Челябинске, напольные покрытия в котором хорошо пользуются спросом. Большинство специалистов рекомендуют начинать выбор покрытия с учётом области его дальнейшего использования, так как именно от этого во многом зависит и срок службы напольного покрытия, и его привлекательность в процессе эксплуатации.

Напольные покрытия бывают плиточными, рулонными, деревянными и ламинированными. Современный рынок напольных покрытий готов предложить покупателю продукцию на любой вкус и цвет, любого качества, любой прочности, изысканности внешнего исполнения, долговечности наряду с превосходными акустическими свойствами. Самыми распространёнными покрытиями являлись и являются — деревянные покрытия. Но! Важно обращать внимание на то, что прежде чем покупать напольные покрытия данного типа важно знать его недостатки. Это низкие декоративные характеристики, повышенные требования к влажности воздуха, регулярная необходимость в реставрации. Из плюсов, это безусловно – комфортное тактильное ощущение, чистота природного материала, а так же удобство в эксплуатации.

Встречая объявления с такими фразами как: «Куплю напольное покрытие», многие продавцы спешат предложить ламинированные покрытия. Но нужно знать, что такому покрытию свойственна: невысокая стоимость при наличии высоких декоративных качеств. К ламинированной поверхности не прилипает грязь и пыль, она устойчива к перепадам влажности воздуха к царапинам.

Посещая магазины, выставочные залы напольных покрытий или же реальные строительные салоны, многие покупатели обращают внимание на то, что дорогими являются плиточные виды покрытий. Высокая цена объясняется, прежде всего, сложностью производства при котором учитываются требования: прочность и долговечность.
Рассматривая представленный выбор напольных покрытий в виде плиток или ламинированных панелей, обязательно будет представлено большое разнообразие цветовых гамм, позволяющих с лёгкостью подобрать материал к интерьеру комнаты. Это может быть как плитка, имитирующая состаренный кирпич или мрамор, явным преимуществом которой будут прекрасные декоративные свойства и высокая прочность. Недостаток — сложный процесс укладки и высокая цена.

Особой популярностью у покупателей пользуются рулонные напольные покрытия. Это может быть коммерческий, полукоммерческий линолеум, натуральный линолеум или ковровые виды покрытий, неоспоримыми плюсами которых является простота ухода и укладки, легкость замены, износостойкость и декоративность. Кроме всех выше описанных делений, также следует отметить виды напольных покрытий, которые можно распределить: по способам укладки (клеевым, замковым), по назначению (коммерческие, бытовые), по цене, по классу износостойкости, по пожаробезопасности, по водостойкости, по тепло и звукоизоляции.

Памятка: какой бы вид напольного покрытия не был выбран, важно помнить, что самому дорогому и изысканному полу также требуется соответствующий уход и правильная укладка.

На Дону пройдет областной военно-спортивный слет «Авангард»

На Дону пройдет областной военно-спортивный слет «Авангард»

ENG

Если Вы хотите открыть английскую версию официального портала Правительства Ростовской области,
пожалуйста, подтвердите, что Вы являетесь реальным человеком, а не роботом. Спасибо.

If you want to open the English version of the official portal Of the government of the Rostov region, please
confirm that you are a human and not a robot. Thanks.

Сайты органов власти

Главная

Новости

На Дону пройдет областной военно-спортивный слет «Авангард»

Дата
публикации: 25 мая 2021 10:37

Областной военно-спортивный слет «Авангард» — это традиционное мероприятие, которое на протяжении семи лет проводилось «Ростовпатриотцентром» под названием «Военный городок». В этом году слет был переименован в «Авангард» и готов снова открыть свою площадку для будущих защитников Родины.

Слет пройдет с 29 мая по 6 июня в две смены (по 4 дня каждая) на территории этно-археологического комплекса «Затерянный мир» (х. Пухляковский, Усть-Донецкий район).

Участие примут молодые люди от 14 до 17 лет включительно. Всего – 18 команд по восемь человек (юноши).

Участников слета ждет насыщенная программа, разработанная по методике военно-патриотических профильных смен лагеря «Авангард». На протяжении четырех дней с ребятами будут работать специалисты и инструкторы из числа действующих военнослужащих Южного военного округа.

Юношам предстоит узнать основы общевойсковых дисциплин и действия солдата в боевой обстановке, основы разведки и военной топографии, преодолеть полосу препятствий и армейский квест, проявить себя в рукопашном бою и совершить марш-бросок, и это далеко не все этапы военно-спортивной программы слета. В вечернее время ребята примут участие в тематической казачьей программе и посмотрят фильмы историко-патриотической тематики.

— Главная цель слёта — формирование у молодежи позитивного отношения к военной службе и получение начальных знаний в области обороны страны. Мероприятие весьма востребованно, поскольку эта цель достигается, а знания, полученные на слете, становятся хорошей базой для становления юноши как молодого гражданина и будущего защитника, — прокомментировал председатель комитета по молодежной политике Ростовской области Юрий Лескин.

В течение прошедших семи лет в слете приняли участие более тысячи молодых людей в возрасте от 14 до 17 лет.

Управление информационной политики правительства Ростовской области

@  Перцева Татьяна Сергеевна, сотрудник управления,
тел. (863) 240-57-70

Размещено: 25 мая 2021 10:37

Поиск по разделу производится только по той форме слова, которая задана, без учета изменения окончания.

Например, если задан поиск по словам Ростовская область, то поиск будет производиться именно по этой фразе, и страницы, где встречается фраза Ростовской области, в результаты поиска не попадут.

Если ввести в поиск запрос Ростов, то в результаты поиска будут попадать тексты, в которых будут слова, начинающиеся с Ростов, например: Ростовская, Ростовской, Ростов.

Лучше задавать ОДНО ключевое слово для поиска и БЕЗ окончания

Для более точного поиска воспользуйтесь поисковой системой сайта

«Это провокация»: «Авангард» прокомментировал информацию о наркотиках у Емелина — Газета.Ru

Прослушать новость

Остановить прослушивание

close

100%

В «Авангарде» выступили с официальным заявлением по ситуации с капитаном команды Алексеем Емелиным, которого транспортировали из Казани в Москву. Ранее появилась информация, что в организме хоккеиста обнаружены следы наркотических веществ.

«Транспортировка Алексея Емелина из Казани в Москву прошла успешно. Состояние хоккеиста стабильное, продолжаются необходимые процедуры и обследования. Алексей на связи с командой, уже пожелал ребятам удачи в важнейшем матче финальной серии Восточной конференции КХЛ. Клуб ждет официальное заключение от врачей НИИ им. Склифосовского по диагнозу Алексея Емелина. На данный момент у клуба нет какой-либо информации, подтверждающей наличие в организме Алексея Емелина наркотических или каких-либо других запрещенных веществ. Точно также с удивлением наблюдаем в СМИ заголовки о том, что Алексею якобы предстоит операция по трансплантации печени. Мы не получали никаких документов на этот счет. Считаем данную информацию провокацией, направленной на дестабилизацию обстановки в команде перед важнейшей игрой», — говорится в заявлении ХК «Авангард»..

Капитан «Авангарда» был госпитализирован в Казани после первого матча финала Восточной конференции против «Ак Барса». В ночь на 7 апреля хоккеист был перевезен на реанимобиле в Москву.

Сегодня издание «БИЗНЕС Online» сообщило, что в анализах Емелина обнаружены следы наркотических средств — опиатов и каннабиноидов. В пресс-службе МВД подтвердили, что данные медицинской экспертизы, как это и положено в таких случаях, поступили в ведомство. Начата проверка.

Ранее сообщалось, что Овечкин забил 724-й гол в карьере в НХЛ.

Авангард — Art Term | Тейт

Авангард — первоначально французский термин, означающий в английском авангард или авангард (часть армии, которая идет впереди остальных). Впервые он появился в связи с искусством во Франции в первой половине девятнадцатого века, и его обычно приписывают влиятельному мыслителю Анри де Сен-Симону, одному из предшественников социализма.Он верил в социальную силу искусства и видел художников, наряду с учеными и промышленниками, лидерами нового общества. В 1825 году он писал:

Мы, художники, будем служить вам авангардом, сила искусства очевидна: когда мы хотим распространить новые идеи, мы наносим их на мрамор или холст. Какая великолепная судьба для искусств — это проявление положительной власти над обществом, истинная священническая функция и марш в фургоне [т. Е. авангард] всех интеллектуальных способностей!

Начало авангарда

Авангардное искусство, можно сказать, началось в 1850-х годах с реализма Гюстава Курбе, на которого сильно повлияли ранние социалистические идеи.За этим последовали последовательные движения современного искусства, и термин авангард более или менее синонимичен современному.

Некоторые авангардные движения, такие как кубизм, например, были сосредоточены в основном на инновациях формы, другие, такие как футуризм, де Стидж или сюрреализм, имели сильные социальные программы.

Развитие авангарда

Хотя термин авангард изначально применялся к новаторским подходам к созданию искусства в девятнадцатом и начале двадцатого веков, он применим ко всему искусству, которое раздвигает границы идей и творчества, и все еще используется сегодня для описания искусства, которое является радикальным или отражает оригинальность видения.

Понятие авангарда воплощает идею о том, что об искусстве следует судить в первую очередь по качеству и оригинальности видения и идей художника.

Movers and shakers

Из-за своего радикального характера и того факта, что он бросает вызов существующим идеям, процессам и формам; Художники-авангардисты и произведения искусства часто идут рука об руку с противоречиями. Прочтите подписи к работам ниже, чтобы узнать о вызванных ими ударных волнах.

Эдгар Дега
Маленькая танцовщица, четырнадцать лет
1880–1, отливка около 1922 г.

Tate

Невинная, хотя она и может казаться нам сегодня, «Маленькая танцовщица» Дега «, четырнадцать лет, » вызвала бурю негодования, когда она впервые была выставлена ​​на выставке импрессионистов 1881 года в Париже.Фигура описывалась по-разному как «отталкивающая» и «представляющая угрозу для общества». Критики и публика были расстроены реализмом работы, а также тем, что Дега представлял провокационный современный предмет … танцоры считались частью более изощренной стороны развлечений и не более чем проститутками.

Жорж Брак
Бутылка и рыбки
c.1910–12

Tate
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон 2021

Примерно в 1907 году Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали революционно новый стиль живописи, который преобразовывал повседневные предметы, пейзажи и людей в геометрические формы. Кубизм проложил путь для многих стилей абстрактного искусства двадцатого века, но название движения происходит из уничижительной реакции критика, который описал одну из пейзажных картин Брака как «кубистские причуды».

Рауль Хаусманн
Художественный критик
1919–20

Tate
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021

Дада, возможно, высшее авангардное движение, родилось из отвращения к социальным, политическим и культурным ценностям того времени, особенно к ужасам и безумию Первой мировой войны. Сатирические и бессмысленные выходки дадаистов вызвали возмущение, и одна из их выставок была закрыта полицией.Но, как это ни парадоксально, хотя они утверждали, что являются антиискусством, эффект от движения должен был открыть дверь для многих будущих достижений в искусстве.

Марсель Дюшан
Фонтан
1917 г., реплика 1964 г.

Тейт
© Наследие Марселя Дюшана / ADAGP, Париж и DACS, Лондон 2021

Марсель Дюшан представил свою скульптуру Фонтан (перевернутый писсуар) для выставки, организованной Обществом Независимых под вымышленным именем.Хотя общество должно было показать все, что было представлено членами, работа возмутила правление и была отклонена. Дюшан считается одной из самых важных фигур в современном искусстве, вдохновляя многих более поздних художников и художественных течений, особенно концептуального искусства.

Ман Рэй
Несокрушимый объект
1923 г., переработка 1933 г., тиражная копия 1965 г.

Tate
© Man Ray Trust / ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021

Отчасти вдохновленный идеями психоаналитика Зигмунда Фрейда, сюрреализм был движением писателей и художников, которые экспериментировали со способами высвобождения бессознательного.Многие искусствоведы считали сюрреализм абсурдным или бессмысленным, но это движение оказало огромное влияние не только на искусство, но и на литературу, кино, музыку и философию.

Джексон Поллок
Желтые острова
1952 г.

Tate
© ARS, NY and DACS, London 2021

«Капельные» картины Джексона Поллока могут показаться нам сейчас очень знакомыми, но его подход к рисованию (он положил свои холсты на пол и буквально капал и брызгал краской на поверхности. ), и полученные в результате картины вызвали сенсацию, которая вышла за рамки самих работ, закрепив за ним репутацию одного из самых известных художников-авангардистов двадцатого века.

Энди Уорхол
Черная фасоль
1968 г.

Tate
© 2021 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Лицензия DACS, Лондон

Поп-художники потрясли веками традиционные ценности изобразительного искусства, когда они отвергли все, чему их учили в художественной школе, и вместо этого приняли популярную культуру, которую они увидел вокруг себя — такую ​​как упаковку товаров и рекламу.Хотя сейчас это признанное и уважаемое направление искусства (которое имеет высокие цены на арт-рынке), поп-арт когда-то считался серьезной угрозой миру искусства.

Карл Андре
Эквивалент VIII
1966 г.

Tate
© Карл Андре / VAGA, Нью-Йорк и DACS, Лондон 2021

Когда в 1972 году в галерее Tate была выставлена ​​модель Equivalent VIII Карла Андре, состоящая из двадцати семи огнеупорных кирпичей, организованных в виде прямоугольников, это вызвало возмущение публики, и критики сочли ее в национальных СМИ появились изображения кирпичей и карикатуры, высмеивающие скульптуру.Андре и другие художники-минималисты часто использовали безличные материалы (например, кирпичи или люминесцентные лампы), чтобы поставить под сомнение представление о том, что произведение искусства является уникальным творением одаренного человека, и предотвратить его превращение в товар.

Рудольф Шварцкоглер
3rd Action
1965 г., напечатано в начале 1970-х гг.

Tate
© Поместье Рудольфа Шварцкоглера, любезно предоставлено галереей Krinzinger

Венские художники, связанные с акционизмом, подняли перформанс на новый уровень авангарда.Их «действия» были призваны подчеркнуть повсеместное насилие человечества и были намеренно шокирующими, включая самоистязание и квазирелигиозные церемонии с использованием крови и внутренностей животных. В июне 1968 года на одном из выступлений они столкнулись с законом, и обвинения были выдвинуты против Гюнтера Бруса, Отто Мюля и Освальда Винера.

Джозеф Бойс
Информация Действие 1972
Авангардное искусство часто имеет социальное или политическое измерение.Йозеф Бойс, принадлежавший к сети художников-авангардистов Fluxus, использовал в качестве отправной точки концепцию, согласно которой все является искусством, что к каждому аспекту жизни можно подходить творчески, и, как следствие, каждый имеет потенциал стать художником. Хотя он был страстным и харизматичным профессором искусства в Дюссельдорфской академии, его отношения с властью были бурными, и он был уволен в 1972 году.

Фото: Саймон Уилсон
Фотоархив Тейт: Семь выставок 1972

Мартин Крид
Работа №227
Свет включается и выключается 2000
С середины 1960-х годов художники-концептуалисты отстаивали идею и творческий процесс художника над арт-объектом. Мартин Крид вызвал споры в 2001 году, когда представил свою концептуальную работу № 227 в галерее Тейт Британия. Он состоит из пустой галереи, которая попеременно освещается и погружается в темноту, когда свет включается и выключается. Работа вызвала возмущение. Одна посетительница галереи забросала стены яйцами, чтобы выразить отвращение к произведению искусства.

Фото: Tate Photography © Мартин Крид

авангардных брендов — Who’s Next — Le Magazine

Вырезы, цвета; принты, приходите и откройте для себя эти авангардные творения!

Аннет Гёрц

Созданные вместе с ее мужем Хансом-Йоргом Велш, творения Аннет Гёрц неподвластны времени, естественны и точны, и очаровывают своим ясным и авангардным кроем.Эти лаконичные модные вещи демонстрируют сдержанную и современную женственность.

Elemente Clemente

В Elemente Clemente творчество является синонимом природы и ответственности. Немецкий бренд создает свои коллекции с философией, альтернативой постоянным изменениям: «Человек — часть природы, и ему не избежать этого». Изделия созданы с уважением к окружающей среде с использованием биологических, переработанных или натуральных материалов.

Crea Concept

Созданная 15 лет назад компания Créa Concept создает свои продукты, сочетая стиль и индивидуальность с городской культурой и современным искусством.Свободные и изысканные, с минималистскими деталями, их коллекции вызывают свободу, оставаясь при этом элегантными.

Джейко

В своих коллекциях Сабина Бардон раскрывает уникальную принцессу в каждой женщине. Романтизм, аутентичность и поэзия прекрасно характеризуют эти произведения с фантастическим дизайном. Джайко черпает вдохновение в природе, ее изделия из натуральных материалов, украшенные необычными деталями, переносят нас в романтический мир.

С.Данжу

Созданный Стефани Данжу, S.DANJOU предлагает широкий выбор современных роскошных кожаных изделий ручной работы во Франции. Ее коллекция одежды и аксессуаров для женщин вдохновлена ​​мужской одеждой с этическим подходом, с использованием натуральных, органических и переработанных материалов.

Вуэду

Vuedu происходит от французской игры слов «vu et dû». Их минималистичные коллекции с новаторской эстетикой характеризуются необычными сочетаниями материалов и цветов, вдохновленными архитектурой и дизайном.Даниэла Винчигуэрра, основательница и дизайнер, дает женщинам возможность одеваться, но весело проводить время.

Эстетика авангарда и слияние старых и новых материалов

Сотрудничество по всей Австралии исследует разнообразие искусства и дизайна коренных народов с помощью материалов, скульптуры и моды.

Грейс Лилиан Ли, Бронежилет — розово-оранжевое переплетение, 2018. Фотография Уэйда Льюиса. Изображение предоставлено художником

Пересечение искусства и дизайна в Австралии имеет богатую и давнюю историю.На протяжении более 65000 лет аборигены и жители островов Торресова пролива создавали культуру, которая сохраняется и сегодня на современном рынке. От центра города Аделаиды до аэропорта Мельбурна или художественной галереи Бендиго до острова Милингимби в Восточном Арнемленде сотрудничество между общинами коренных народов и компаниями, не принадлежащими коренным народам, столь же разнообразно и далеко идёт, как и австралийцы, которые его создают.

Знаменитая ежегодная выставка Tarnanthi в Художественной галерее Южной Австралии в Аделаиде является ярким событием в области искусства и дизайна аборигенов и жителей островов Торресова пролива в Австралии.Он показывает, как эти две дисциплины часто пересекаются легко и гибко, уважая материальность и формируя методологии, богатые традициями и современным искусством.

Bula’Bula Arts, изображение любезно предоставлено художниками, Bula’Bula Arts and Art Gallery, Южная Австралия; фото: Саул Стид.

Директор и куратор

Tarnanthi Ники Кампстон ​​объясняет это тем, что они одно и то же. «Художники выражают свои культурные знания с помощью своих произведений искусства, будь то рассказ о родовых историях или их современном жизненном опыте», — объясняет она.«Вот почему наше искусство и культура так богаты и полны разнообразия».

В Австралии насчитывается более 250 различных языковых групп, каждая из которых имеет свои уникальные истории и культурные знания. «В некоторых регионах художники используют определенные средства, чтобы делиться своими историями, включая природные ресурсы для создания ткачества или рисунков из коры, в то время как другие используют современные средства, такие как акриловая краска, фотография, эстамп, скульптура», — добавляет Кампстон.

Художественная ярмарка Тарнанти проходит во время выставки сакэ, названной так: Тарнанти: Открытые руки 2020.На ярмарке представлены 49 художественных центров и представлены работы известных сообществ, таких как APY Art Center Collective, Женский центр Баббарры и Iwantja Arts. Ткачи пустыни Тянпи, у которых в настоящее время есть иммерсивная крупномасштабная инсталляция в Национальной галерее Австралии, представляют серию скульптур из тканого волокна, в том числе биплан, вертолет, Тойоты и собак, а также корзины.

Джанет Мараварр, изображение любезно предоставлено художником, Женский центр Баббарры и Художественная галерея Южной Австралии

«Это уникальная возможность покупать произведения искусства напрямую у художников и дизайнеров со всей Австралии», — говорит Кампстон.«Все художники работают в арт-центрах, принадлежащих или управляемых аборигенами, где им помогают создавать свои работы безопасным и этичным способом. Все деньги от продаж на художественной ярмарке Tarnanthi идут напрямую художникам и арт-центрам ».

В этом году Художественная ярмарка в Тарнанти представляет собой портал для художественных центров, где можно совершать прямые покупки, где бы вы ни находились, предлагая уникальные возможности собрать лучшие образцы дизайна и искусства аборигенов и жителей островов Торресова пролива. Обеспечивая этичную и уважительную продажу произведений искусства и дизайна коренных народов, Тарнанти следует Кодексу искусства коренных народов и был разработан в тесном сотрудничестве с сообществами художников и в партнерстве с некоммерческой организацией аборигенов Агентство.

Инсталляция, вид Lyn-Al Young, Ngoorntook (зима) 2020. Шелк, бриллиант. Предоставлено художником. Фотограф: Леон Стрельба

В художественной галерее Bendigo, Piinpi: современная мода коренных народов объединяет эти нити искусства и моды. Выставка также отражает то, как мода первых наций может отражать не только времена года, но и связь дизайнеров со страной и культурой. Само название исследует это, Piinpi, от народа Каничи Тампанью (с полуострова Ист-Кейп-Йорк), отсылает к изменению ландшафта во времени и пространстве.

Для куратора «Первого народа Бендиго», женщины из Южного Каантжу Шонаэ Хобсон, выставка Piinpi является важной выставкой для широкой публики, позволяющей познакомиться с богатством и новаторством материальной культуры первых народов Австралии. «Подобно живописи на холсте, ткачеству и керамике — мода коренных народов — еще одно средство самовыражения и повествования», — объясняет она. «Художники на этой выставке создают будущее моды в Австралии и посылают мощные послания сопротивления и культурного лидерства через свои работы.”

По сути, такие выставки, как Piinpi, показывают, что мода коренных народов не является «трендом», но вместо этого ставят дизайнеров из числа коренных народов в центр глобальной повестки дня моды, а также вызывают критические дискуссии об этических и устойчивых практиках.

Вид инсталляции: Одежда Элизы Джейн Кармайкл выставлена ​​рядом с коллекцией художников Ярреныти Арлтере. Фотограф: Леон Стрельба

«Признание моды коренных народов как вида изобразительного искусства свидетельствует об авторитете каждого дизайнера и художника», — утверждает Хобсон.«Дизайнеры из числа коренных народов действительно раздвигают границы своей творческой практики и стирают границы между« модой »и« искусством », позволяя им расширять свою практику путем экспериментов и изучения недавно открытых материалов и методов».

Комбинезон Deadly kween от Teagan Cowlishaw выделяется куратором как изюминка — с остатками черно-золотой подушки с пайетками, неисправной футболкой Deadly с органическим шелком и принтом цвета аква-металлик с золотым блеском на ПЭТ (переработанные пластиковые бутылки) .«Ее модный бренд AARLI, что на языке барди означает« рыба », черпает вдохновение в ее сильном коренном наследии, — делится Хобсон. «Помимо приверженности делу устойчивого развития, ее работа также дает молодым исконным народам чувство уверенности в себе и чувство гордости».

Эти послания об устойчивом развитии в индустрии моды продолжаются в одежде, ювелирных изделиях и переработанном призрачном ткачестве от художников Anindilyakwa Arts на Грооте-Эландт, которые создают предметы искусства из заброшенных рыболовных сетей и выброшенного мусора океана.

«Современная мода коренных народов славится своим богатым повествованием и авангардной эстетикой, а также сочетанием старых и новых материалов и техник. В основу этого шоу вплетено общее видение повествования, продолжение культурных практик и оптимизм в отношении будущего », — заключает Хобсон.

Фотограф: Леон стреляет

Один художник с выставки Бендиго также присоединился к конкурсу Design Files + Laminex Design Awards в качестве судьи в категории «Ручная работа» в этом году.Вклад женщины нгуги, художника и ткача Элизы Кармайкл привел к тому, что среди дизайнеров из числа первых наций было представлено больше, чем когда-либо ранее, что подчеркнуло масштабы и разнообразие Австралии. Для судьи все сводится к сотрудничеству и обмену знаниями, а также к жизненно важному образованию для дизайнеров, не принадлежащих к коренным народам.

«Сотрудничество с художниками, компаниями и брендами — еще один способ добиться обмена знаниями и повышения квалификации, создавая новые платформы для проявления культурного самовыражения коренных народов», — размышляет Кармайкл в своем эссе Художники и дизайнеры с более чем 65 000-летним опытом опубликовано в газете The Design Files + Laminex Design Awards.«Мы приспосабливаемся, и нет современных материалов, с которыми наша работа не подошла бы!»

Шонаэ Хобсон, куратор художественной галереи Бендиго из числа коренных народов. Фотограф: Фред Кро

В рамках награды отмечается сотрудничество между архитекторами и современными художниками, брендами устойчивого дизайна и сельскими ткачами, модельерами и художниками по текстилю, мастерами мебели и мастерами из числа коренных народов. Границы между артистизмом и дизайном стираются, как это было на протяжении тысячелетий.

«Я надеюсь на будущее, чтобы люди ценили, лелеяли, слушали и учились на голосах и практиках аборигенов и жителей островов Торресова пролива», — заключает Кармайкл. «Как древнейшая живая культура в мире, представители коренных народов — первые художники и дизайнеры, у которых за плечами более 65 000 лет знаний и опыта!»

Более подробную информацию об аукционах, выставках и текущих тенденциях можно найти на странице нашего журнала

Что такое авангардная мода?

Полный вид

Возможно, нет ничего более важного, когда дело доходит до понимания авангардного движения, чем тот факт, что большая часть его задумана и представлена ​​в терминах «полного образа», а не отдельных предметов одежды.Конечно, вся одежда продается отдельно, но целостный подход важнее в авангардном движении, чем в любом другом поджанре.

Это не означает, что правильный авангардный образ состоит из только ношения одежды одного и того же бренда или коллекции с головы до ног, но скорее, авангардная одежда — в большей степени, чем другие — обычно разрабатывается с учетом специфического эстетического направления дизайнера. . Нельзя сказать, что авангардные вещи не предназначены для того, чтобы выделять больше всего в других вещах, но, как и большинство вещей в жизни, направленная одежда имеет более четкий эстетический эффект, когда она хорошо сочетается.Но почему?

Объем

Многие авангардные предметы одежды созданы с учетом многослойности — это неотъемлемая часть эстетики. Кусочки разрезаются таким образом, чтобы открывать то, что надето под ними, или чтобы они выглядели из-под внешнего слоя.

Рассмотрим футболку как пример того, как авангардное движение играет с объемом. Многие считают футболку относительно «плоской» одеждой. Но авангардные дизайнеры превращают футболку во что-то с глубиной и характером; они асимметричные или излишне длинные, с тканевой сборкой и изогнутыми краями или с прикрепленной аксессуарами.Все вместе они превращают плоскую одежду во что-то, что придает телу объем.

Драпировка и многослойность, столь широко распространенные в авангардном сообществе, — еще один пример того, как авангардисты создают объем.

Различные текстуры

Использование разнородных тканей для создания одежды с текстурой идет рука об руку с акцентом авангардного движения на объем. Дизайнеры-авангардисты не только смешивают и сочетают хлопок, кожу, шерсть и практически любые материалы, которые можно использовать для изготовления одежды, но и делают это уникальными способами: хлопок иногда окунается в резину, кожа трескается и деформируется.

Кроме того, для создания слоев и панелей используются разные материалы — например, расшитый блестками портной Comme des Garçons — или использование разных вариантов одного и того же текстиля для создания единого предмета одежды.

При этом кожа и хлопок — два наиболее известных текстиля — изобилуют коллекциями авангардных дизайнеров, возможно, потому, что они лучше всего демонстрируют воображение и мастерство команды дизайнеров.

Скульптурная одежда

Большая часть одежды уходит корнями в утилитаризм — от появления джинсов до двусторонних молний, ​​- но авангардная одежда носит более художественный характер и часто стремится раздвинуть границы того, что мы считаем одеждой.Объемная и фактурная авангардная одежда больше вдохновлена ​​скульптурой, чем утилитаризмом — носимым произведением искусства, в котором человеческое тело используется как сосуд, но не стремится привлечь внимание к телу. Вместо этого внимание зрителя сосредоточено на одежде. Таким образом, авангардная одежда часто описывается как «скрывающая тело» или даже как изменяющая человеческий силуэт.

Пожалуй, самым ярким примером этого является коллекция женской одежды Comme des Garçons весна / лето 1997 года Рей Кавакубо, известная как «шишки и шишки», в которой представлен ряд платьев, бросающих вызов представлениям о том, что считается «привлекательным» силуэтом.Но в мужской авангардной одежде есть и элемент скульптурного искусства. Взять, к примеру, использование Comme des Garçons пластиковых игрушек для украшения костюмов и кроссовок или сапоги Кэрол Кристиан Поэлл — это детали, не имеющие практического применения, но вызывающие определенное недоумение.

Монохромный

Хотя не вся авангардная одежда черная, невозможно отрицать, что ее много. И все, что не является, имеет тенденцию попадать в относительно приглушенные части спектра — серый, коричневый, бежевый, белый, кремовый, темно-серый, очень темно-зеленый.Конечно, есть исключения. Многие думают, что Рик Оуэнс работает только с черным, белым и серым, но его сезонные коллекции почти всегда включают в себя вливание цвета, будь то фиолетовый или зеленый.

Однако по большей части авангардные коллекции разрабатываются в соответствии со строгими цветовыми требованиями, когда используется один цвет, чтобы подчеркнуть естественные тона. Те, кто носит авангардную одежду, со своей стороны, склонны собирать наряды монохромно — феномен, зародившийся на подиумах, который просочился на улицы.

Авангард жив и здоров и создает моду

Трудно поверить, что Марин Серр, 29-летний французский дизайнер, чьи работы были представлены в визуальном альбоме Бейонсе «Black is King» и которая открыла Парижскую неделю моды с, возможно, самой человечной, захватывающей, полностью реализованной цифровой «активацией» за весь месяц моды, она основала свой бренд всего три года назад.

Мало того, что у нее есть широко узнаваемый логотип, который не имеет ничего общего с ее инициалами (это лунный принт), она не только переработала переработку задолго до того, как это стало тенденцией (и почувствовала потребность в масках для лица задолго до того, как они стали популярными). медицинская необходимость), но у нее своя идеология: экофутуризм.

Звучит как движение, не так ли? Но что это вообще значит?

Теоретически это означает возвышение природы и идею возрождения; замена поклонения футуристам машинам на почитание земли. В моде это потрясающая коллекция.

Или, если быть точным: книга, документальный фильм и одежда, которая выглядела ужасно привлекательной.

Избегая ее прошлых апокалиптических видений стихийного бедствия, которое мы, возможно, сотворили — одежда для пустошей; стручки человечества, которые останутся после бури — г-жаСерр снимала на видео виньетки семьи и друзей, которые занимаются своей жизнью (готовка, садоводство, игра на качелях), в переделанных кожаных шинелях и брюках, а также в переработанном трикотажном белье, кружевных рубашках из старого домашнего льна и сиреневых костюмах из регенерированного муара.

Виртуальная червоточина была встроена в каждую из сцен, поэтому одним щелчком мыши вы внезапно оказывались в предыстории одежды: ателье и фабрики по переработке металлолома, где производятся товары, наблюдая, как команда разбирает и восстанавливает сырье. , давая им новую жизнь.

Если бы химера была настоящей, она бы выглядела так. И это вселяет надежду не только на планету и наши гноящиеся груды вещей, но и на саму моду.

Может быть, потому что им меньше терять, или, может быть, потому, что они мало привержены существующей системе моды, большая часть самой провокационной работы в этом сезоне выполняется новым поколением дизайнеров. Это такая работа, которая выводит вас из тумана часов, проведенных подобно зомби перед различными зумами, и заставляет задуматься — не только о проблемах настоящего, но и о том, что будет дальше.

Мисс Серр может быть в авангарде, но она не одна.

Это Тибе Магугу из Южной Африки, который выводит идею повествования о моде на новый уровень в партизанских фильмах, в которых одежда используется, чтобы преподавать культурные истины — на этот раз о новом принятии традиционного исцеления верой среди своих урбанизированных сверстников-миллениалов. Работая с режиссером Кристин-Ли Мулман, он запечатлел историю войны банд и духовного союза, рассказанную как в действии, так и в одежде. Костюм для сафари был сделан из ткани, имитирующей соломенные циновки, которыми друг бросал кости (вместе с указанной костью).Черный пиджак был «испещрен» вдоль позвоночника нитками Брайля с надписью: «То, что вы делаете со своими предками, ваши дети сделают с вами».

Также есть банда Вакера, Клэр Салливан, Патрик Ди Каприо и Брин Таубензи, чья работа выросла из надувания малины в заведении до ловкого искажения стереотипов стремления, элитарности и пола. В этом сезоне это означало выдувать их и деконтекстуализировать, так что атласное белье, оборки фламенко и мешковатые поты требуют переосмысления.

И Экхаус-Латта, где Майк Экхаус и Зои Латта, работающие на двух берегах (она в Лос-Анджелесе, он в Бруклине), вырезали дыры в рубашках и юбках с пайетками, в рваной джинсовой ткани, защелкивали (или нет) стеганый нейлон сбоку и иным образом. использовала форму, чтобы мягко противостоять тому, как много мы потеряли.

Не то чтобы разрушители, которые пришли раньше, впадают в оцепенение комфортной зрелости.

Дрис Ван Нотен, один из последних членов Антверпенской шестерки (группы бельгийских дизайнеров, всколыхнувших моду в конце 1980-х и 1990-х годов), все еще фигурирующий в официальном парижском расписании, сменил угрюмый роман на выдох сдерживаемой энергии. , разочарование и желание.Сорок шесть танцовщиц и моделей, по одной или две за раз, корчились, скручивались и рухнули на затемненной сцене в интуитивной смеси мужского покроя и женских клише: сладко-сладкие валентинки-розовые блестки и скользкие герцогинские шелка в будуарной пастели. были в паре с серьезными темными пальто; измельченная тафта сканировалась и накладывалась на шерсть; Марабу распушил линии.

Это был центр коллекции, как и коллекция Рика Оуэнса, темного принца Парижа, чьи корни лежат в глубине калифорнийской мечты, и который назвал свое шоу «Гефсиманский сад» в честь сада в Иерусалиме, где Иисус молились перед «окончательным расчетом» (как гласит заметка на шоу).Потому что прошлый год, продолжали они, был «почти библейским по своей драме».

Как и коллекция г-на Оуэнса, снятая вживую на пирсе на Лидо, перед его домом в Венеции.

Туман перекатился по воде, когда модели устремились вперед в пуховых халатах, обрамляющих ослабленные силуэты насекомых в тонких металлических леггинсах или расшитых блестками стрингах поверх кашемировых костюмов. Пухлые рукава (как одеяла для рук) соскальзывали с плеч и опускались ниже пальцев; Рифленые, изорванные платья наводили на мысль об упадке представлений о королевской власти и паломничестве.

Это было великолепно и тревожно в равной мере, что связано с агрессией январского показа мужской одежды мистера Оуэнса (некоторые куртки и куртки-бомберы были сняты прямо с подиума без уменьшения размеров для женской формы), но с чувством общение, которое подвешивало обещание чего-то большего.

«Я знаю, что мы должны думать о надежде и двигаться вперед, но угроза никуда не делась», — сказал г-н Оуэнс перед шоу, разговаривая по FaceTime из Венеции.

«С другой стороны, — весело добавил он, — добро до сих пор побеждало зло». Так вращается модный жизненный цикл.

Нетенденции в авангардной моде

1. Сентябрь 2019 г.

Прогулка по концепции авангардного наряда

Год за годом модные тенденции меняются, что приводит к постоянным корректировкам того, что считается популярным. Тем не менее, многие модные тенденции имеют тенденцию возвращаться, и с падением быстрой моды — и, как следствие, ростом медленной моды — интеллектуальная аудитория начинает считать всю идею тенденций и сезонных коллекций как устаревшую. стиля .Итак, чтобы привлечь внимание, модные показы заново изобретают силуэты, придавая им современный авангардный оттенок, определяя эстетику нашего времени.

Те, кто проявляет интерес к стилю и рассматривает моду как интеллектуальное усилие, также развили понимание экологических и социальных проблем, которые окружают отрасль. Тенденции превратились в изысканные способы продемонстрировать вашу индивидуальность без необходимости обновлять одежду каждый сезон.

В этой редакционной статье BARBARA I GONGINI давайте обсудим прогнозы этого года в отношении того, что считается модно актуальным, и посмотрим, что останется на 2019 год и в дальнейшем.

Подробнее женские топы BARBARA I GONGINI можно посмотреть здесь.

Как проявляются тенденции в авангардной моде

Опираясь на дальновидное (и неортодоксальное) мышление, авангардная мода продвигает новые и нетрадиционные дизайны и поощряет риск, экспериментальное творчество и отказ от мейнстрима.Такой подход позволяет BARBARA I GONGINI и другим авангардным дизайнерам, брендам и художникам придавать особый тон, не похожий ни на что другое в мире моды. Те, кто знаком с течением, пришли к пониманию его как стиля жизни и уникального способа самовыражения.

Авангардизм по определению отвергает понятие тенденций, условностей и всего, что связано с отсутствием оригинальности. Вот почему модельеры часто избегают того, что считается культурно популярным, и удивляются дизайном, который не только рассчитан на длительный срок службы, но и выражает то, кем вы являетесь.

Узнайте больше об авангардной моде и ее корнях в этой редакционной статье Avant Garde, в которой рассматриваются важные вехи в ее развитии.

КАКОВЫ ТЕКУЩИЕ ТЕНДЕНЦИИ В МОДЕ АВАНГАРДА И КУДА ОНИ НАПРАВЛЯЮТСЯ?

Мода чувствительна ко времени, и такой концентрированный в обществе стиль, как авангард, всегда принимает различные формы. То, что будет определять способ создания одежды, зависит от индивидуального подхода каждого дизайнера, а также от того, насколько индустрия готова продвигать вещи вперед.

BARBARA I GONGINI — это не трендовый бренд, поэтому он по определению игнорирует господствующую культуру. Но, как выразилась Барбара: «У авангардистов есть свое собственное выражение, и это выражается в их собственных терминах. Для нас это вопрос продолжения интересной коллекции и развития уже существующих. Но всегда вносите вклад, имейте менталитет «в стадии разработки» ». Что касается того, какие взносы будут добавлены в ближайшее время, Барбара говорит, что: «Нам нужно сосредоточить внимание на среднестатистическом потребителе, чтобы предложить стимул к тому, чтобы изделие всегда служило цели.” Таким образом, суть предложения многослойных, многофункциональных предметов одежды остается и будет сильной в BARBARA I GONGINI.

Факторы, влияющие на тенденции авангардной моды

Есть несколько факторов, которые могут повлиять на развитие тенденций и стиля. Мода во многом опирается на социальное и экологическое окружение. Он также основан на ценностях каждого дизайнера и понимании элементов, которые пробуждают творческий потенциал.

Вот несколько примеров, которые влияют на то, как мы в BARBARA I GONGINI структурируем то, как мы создаем одежду сезон за сезоном:

Значения

Мы считаем, что то, что люди ищут в бренде, напрямую связано с ценностями, которые делают его уникальным и привлекательным.Самая заметная черта авангардных дизайнеров — это антипотребительство, которое отличает их от других коммерческих, основных модных брендов.

Ценности глубоко укоренились в подходе к мастерству. Архитектор-авангардист Людвиг Мис ван дер Роэ сказал, что «меньше значит больше», и с тех пор эта концепция стала краеугольным камнем для дизайнеров-авангардистов.

Простота — еще одна ценность, которая приходит на ум при обсуждении модного авангардизма.Цель состоит в том, чтобы создавать простые изделия с тонкой замысловатостью. То, что кажется простым предметом одежды, может иметь множество дизайнов, которые вы можете стилизовать в соответствии со своими творческими способностями.

Откройте для себя наши коллекции универсальной авангардной одежды, созданной в духе простоты и мастерства.

Политическая и социальная среда

Политика может иметь значительное влияние на мир моды и творчества и, таким образом, может иметь большое влияние на то, что актуально в настоящее время.Потребность художников в свободном творчестве означает, что политический климат напрямую влияет на их работу.

Точно так же социальная среда, общественные нормы и давление могут формировать творческий процесс. Например, экологически сознательное общество будет уделять особое внимание тому, как производится одежда. Устойчивое развитие — одна из основных тем для обсуждения среди модных ритейлеров, и авангардисты первыми выстраиваются в очередь и занимают позицию. Новые способы изготовления одежды продвинули вперед методы и используемые материалы.

Прямое влияние

Прямое влияние, которое влияет на дизайнеров при создании своих изделий, является результатом их личных предпочтений, опыта и учебы. Многие модельеры-авангардисты находятся под влиянием старой японской эстетической философии. Другими значительными факторами влияния являются фон, образование и артистический драйв.

В случае Barbara I Gongini влияние авангардной моды исходит из просторов Фарерских островов , что приводит к созданию дизайна больших пространств, который она практикует.Используя наследие как личное влияние, она может создавать уникальные полотна творчества, которые подчеркивают уникальность ее работ.

Познакомьтесь с нашими коллекциями авангардной одежды, созданными с высоким качеством и вниманием японских мастеров.

Ознакомьтесь с другими мужскими пальто и куртками от BARBARA I GONGINI здесь.

Нетенденции в моде: как авангард ломает стереотипы

Нарушение стереотипов предполагает определенный риск, присущий только дизайнерам-авангардистам.

Единственный способ постоянно создавать вечнозеленые тенденции — это сосредотачиваться на том, что действительно важно, и пробовать нестандартные подходы.

Вот некоторые из творческих движений, которые никуда не денутся, и то, как они влияют на текущее состояние авангардной моды.

1. Мода, приверженная устойчивому подходу

Еще один пример, когда авангардное модное движение отказывается от обычных условностей, — это акцент на экологически безопасном и ответственном способе производства одежды.

Ряд дизайнеров-авангардистов ограничивают свое воздействие на окружающую среду и активно продвигают принципы устойчивого развития в процессе приобретения и использования материалов. В то время как крупные, основные бренды сосредотачиваются исключительно на получении прибыли, используя то, что некоторые считают неэтичным способом ведения бизнеса (потогонные мастерские, дешевая рабочая сила и материалы), авангардизм продвигает ответственность на каждом этапе производственного процесса. Незначительное воздействие на окружающую среду — важная часть ДНК бренда BARBARA I GONGINI.Не только в способе изготовления предметов (покраска, обработка, изготовление), но и в дизайне и их долговечности.

В основе инициатив в области устойчивого развития лежит концепция нулевых отходов — BARBARA I GONGINI использует только кожу и мех, которые на 100% являются побочными продуктами пищевой промышленности, чтобы препятствовать кожевенной промышленности, где животных выращивают и убивают ради их кожа. Кожа, используемая для изготовления одежды, в основном поступает из коров, коз и овец.

Узнайте больше об экологичной и этичной моде здесь.

2. Многослойный и вечнозеленый дизайн

Авангардная концепция стилизации предмета разными способами уходит корнями в идеал механизма, позволяющего создавать простые, но полезные предметы одежды.

В отличие от коммерческих магазинов модной одежды, BARBARA I GONGINI продуманно разрабатывает свои изделия, чтобы дать владельцу возможность стилизовать их по-разному и в течение более длительного периода времени.

Этот подход называется «многоходовой дизайн» и поддерживает идею о долговечности одежды и вечнозеленых продуктах, которые могут служить вам дольше .

Свобода самовыражения и универсальность универсального дизайна одежды и вечнозеленых продуктов также является решающим моментом в инициативах в области устойчивого развития.

3. Вечнозеленые цвета

Использование однотонных или двухцветных расцветок в авангардной одежде уже долгое время сохраняет свое значение.

Черный — доминирующий цвет, и его сила заключается в универсальности, которую он позволяет. Некрасные цвета, такие как черный и белый, не только легко сочетаются, но также подчеркивают простоту и душевное состояние, созвучное ценностям современного авангардного движения.Более того, использование нецветных цветов создает пространство для множества возможностей для многоцелевой одежды, которая может быть творчески преобразована в несколько других предметов, которые можно смешивать и сочетать.

BARBARA I GONGINI отдает предпочтение бесцветным и нейтральным оттенкам благодаря типичному скандинавскому дизайну, глубоко укоренившемуся в его уникальном климате. Несмотря на то, что наша одежда гармонично сочетается с другими, она помогает человеку выделиться, отражая внутреннюю силу скандинавской среды.

4.Мода, уважающая социальные и этические интересы

Еще одна фундаментальная проблема авангардных брендов — это ценность человеческого существования. Человеческое равенство имеет решающее значение для подчеркивания сильных сторон личности, независимо от пола, происхождения, социального статуса или сексуальной ориентации. Истинное творчество проистекает из свободы самовыражения, и для этого все рабочие группы должны чувствовать себя комфортно и вовлечены в процесс создания.

Помимо сложных социальных норм моды, взгляд BARBARA I GONGINI на этическую моду включает социальные аспекты наших производственных процессов и концепции магазина.Мы стараемся работать только с поставщиками, которые следуют этическим принципам и соблюдают свои национальные законы и постановления в отношении прав работников.

Наряду с нашими убеждениями, идеями и влияниями, наша забота о социальной и этической приличии формирует саму суть бренда BARBARA I GONGINI.

5. Небинарная одежда

Многие авангардные произведения нравятся широкой аудитории независимо от их сексуальной идентичности, потому что большинство из них созданы с учетом гендерной изменчивости.Бренд стремится к максимальной универсальности, что противоречит распространенной идее, согласно которой гендерные факторы имеют ограничения в моде. Вы можете выражать себя в любой естественной форме, какой пожелаете, не задумываясь о соблюдении правил.

Опять же, эта универсальность является прямым противодействием традиционализму основных брендов, ориентированных на гендер. Предлагая владельцу больше возможностей, вы улучшаете его стиль и расширяете возможности.

Подход BARBARA I GONGINI к моде выходит за рамки стереотипов, связанных с полом и сексуальной ориентацией, и направлен на создание унисекс-андрогинной одежды, способствующей инклюзивности и творчеству.Сильные геометрические фасоны и мягкие овальные силуэты встречаются как в мужских, так и в женских коллекциях, оставляя владельцу свободу комбинировать и сочетать их, чтобы наилучшим образом отразить свою индивидуальность.

Разрушайте нормы и стереотипы с помощью наших последних авангардных дизайнов одежды.

6. Одежда, не соответствующая возрасту

Универсальность заметна в том, что для большинства авангардных вещей нет возрастных ограничений.

Их может носить любой, если владелец может идентифицировать себя с ними и чувствовать себя в них комфортно.Авангардная мода адресована интеллектуальной аудитории, не имеющей определенного возраста. Люди старшего и среднего возраста, чувствительные к стилю, могут носить ту же одежду, что и молодые, и наоборот. Полезность и свобода самовыражения — это цели, не зависящие от возраста.

7. Мода, которая перерабатывает и перерабатывает

Инициатива по использованию переработанной ткани в рамках экологически чистого подхода к ведению бизнеса также демонстрирует озабоченность по поводу предложения более экологичного продукта.Весь текстиль одобрен Oeko-Tex®. Мы призываем наших поставщиков проверять их на наличие веществ, которые могут быть вредными для здоровья пользователя, а также сокращать потребление воды и отходы для защиты окружающей среды.

Кроме того, наш подход к устойчивой и этичной моде направлен на соблюдение высочайших стандартов международного кодекса поведения, опираясь на три столпа: вторичная переработка, вторичная переработка и побочные продукты. Таким образом, в то время как быстрая мода поощряет менталитет одноразового использования, в авангардизме нераспределенные товары подвергаются вторичной переработке и приобретают новые формы для создания многофункциональных предметов, которые лучше, чем их прецеденты.Постоянная эволюция одной и той же сущности, основанная на функциональности и экологическом сознании, а не на тенденциях.

Подробнее об апсайклинге моды читайте здесь.

За кулисами передвижной выставки «Дневники погоды» БАРБАРЫ И ГОНГИНИ

Взгляд BARBARA I GONGINI на тенденции авангарда

BARBARA I GONGINI не считает себя брендом, движимым трендами, поэтому старается дистанцироваться от того, что считается модным и крутым.

Концептуальный подход BARBARA I GONGINI Collections представляет собой другой подход к созданию одежды.

Верные сердцу авангардизма, дизайнеры пытаются разрушить стереотипы нетрендами — способами создания, противоречащими современным течениям. Это может быть несколько подходов, начиная от концепции изделия, деталей одежды и заканчивая способом производства материалов и текстиля.

Выделяя и выделяя новые способы изготовления, изделия сами по себе становятся произведениями искусства и не могут быть помещены в какую-либо категорию.В отличие от многих традиционных модельеров, BARBARA I GONGINI использует свой собственный процесс строительства, который от начала до конца привносит авангардную сущность. Все — от материалов, дизайна до производства — создано с целью утилитарности.

Продукты не просто «выходят из моды», они рассчитаны на длительный срок службы и могут использоваться по-разному. В этом духе ядро ​​коллекций BARBARA I GONGINI сосредоточено на индивидуализме, свободе самовыражения, а не на нормативном давлении и современных тенденциях.

Наш творческий процесс в дизайне одежды в BARBARA I GONGINI

Мастерство начинается с обзора на 360 ° того, каким будет конечный продукт и как он будет полезен для владельца.

Выражение и индивидуальность — два центральных элемента в концептуализации каждого изделия. Изделия часто включают геометрический крой, асимметричные ткани и эффектные силуэты, которые подчеркивают универсальность и практичность. Традиционный пошив одежды играет важную роль в творческом процессе.

НАША КОНЦЕПЦИЯ ГАРДЕРОБКИ

В то время как быстрая мода порождает однообразный образ мышления, мы стремимся способствовать повышению осведомленности о моде, отбрасывая тенденции, вместо этого уделяя внимание долговечности и экологичности одежды. Мы рассматриваем наш гардероб как центральный элемент в создании экологичного, но все же модного гардероба.

Наши коллекции составлены по порядку номеров, где каждый предмет одежды из любой коллекции можно комбинировать и сочетать в зависимости от сезона.Таким образом, владельцы могут пополнить свой гардероб несколькими предметами, которые они могут стилизовать по-разному круглый год. Мы создаем нашу одежду с учетом высокого качества, сильного дизайна и индивидуальности, а не большого объема и массового потребления.

Ознакомьтесь с нашими коллекциями универсальной авангардной одежды, которая подойдет к любому экологичному гардеробу.

Что в авангарде официально вышло из моды

В авангардном мире определенно не в моде идея трендов.

Это ультрасовременное движение выходит за рамки логики сезонного рынка моды, который каждые полгода стремится создавать ажиотаж, уделяя особое внимание определенному набору характеристик.

Авангардизм отвергает тенденции и оценочные суждения, основанные на популярности , поэтому все, что связано с мейнстримом, будет малоинтересно для носителя авангардной моды.

В то время как некоторые дизайнеры будут продолжать попытки прорваться в мейнстрим, суть авангарда всегда будет далека от общественного мнения и безразлична.Любая одежда, созданная под влиянием прошлого, например, нынешних тенденций возрождения 80-х, не принадлежит к ультрасовременной и перспективной сфере моды.

Постоянное совершенствование — это цель, поэтому то, что цепляется за прошлое, больше не будет актуально для аудитории, которая хочет экспериментировать с современностью. Это не означает, что авангард игнорирует прошлое, а скорее, что он постоянно привязан к настоящему и отражает его.

Познакомьтесь с нашими коллекциями и откройте для себя истинный дух авангардной моды.

ИзображениеМайкл Максимилиан Хермансен

Dekton от Cosentino представляет серию Avant-Garde

Dekton от Cosentino , ультракомпактная архитектурная поверхность с улучшенными техническими характеристиками для внутреннего и внешнего применения, сегодня представляет серию Avant-Garde , представленную в трех новых ярких цветах: Helena, Khalo и Laurent .

Dekton Laurent

Коллекция, состоящая из трех потрясающих новых оттенков, черпает вдохновение из самых желанных материалов из натурального камня, встречающихся во всем мире, каждый из которых обеспечивает потрясающий блеск и непревзойденную долговечность.Каждый цвет этой серии представляет собой смелую современную индивидуальность, предназначенную для использования в самых современных авангардных проектах.

Dekton Khalo

• Dekton Laurent : Вдохновленная натуральным камнем Port Laurent, яркая цветовая гамма отличается драматическим темно-коричневым фоном, пересеченным прожилками золота. Эта цветовая гамма с ярко выраженными, но простыми прожилками представляет собой современный взгляд на один из самых востребованных натуральных камней с непревзойденной прочностью.Laurent входит в состав Dekton® Natural Collection.
• Dekton Helena: Этот полупрозрачный вид в белых и серых тонах вдохновлен натуральным камнем оникс. Нежный эффект потрескивания и замечательный блеск придают ему характерную глубину. Хелена присоединяется к коллекции Dekton® XGloss Stonika.
• Dekton Khalo: Khalo вдохновлен натуральным камнем Патагонии, одним из самых популярных гранитов во всем мире за его сложную структуру и цвет.Нежные пятна черного, бледно-золотого и кофейно-коричневого цвета составляют инновационный оттенок. Благодаря полированной отделке по технологии Dekton XGloss цветовая гамма приобретает эффектный блеск и глубину, подчеркивая ее сложную и красочную структуру. Khalo интегрирован в коллекцию Dekton® XGloss Stonika.

«Эти ультрасовременные оттенки были созданы, чтобы произвести впечатление», — говорит Массимо Баллюкки, исполнительный директор по маркетингу — Америка . «Наша цель — предложить нашим клиентам самые инновационные цветовые решения в сочетании с наилучшими характеристиками.Мы очень рады, что теперь предлагаем решения для роскошных пространств, которые позволяют дизайну занимать центральное место ».

Dekton Helena

Созданный из сложной смеси сырых материалов из стекла, кварца и фарфора, Dekton обладает высокой устойчивостью к УФ-лучам, царапинам, пятнам и тепловым ударам. Его долговечность и простота ухода позволяют найти множество применений, включая полы, фасады, облицовку стен, столешницы, лестницы и многое другое. Он доступен в большом формате, что дает архитекторам и дизайнерам безупречные творческие возможности как для жилых, так и для коммерческих проектов.

.